Alejado hace unos años de la actividad cinematográfica, ha vuelto Brian de Palma, si no con una gran película, como muchas de las que forman su filmografía, sí con un honesto divertimento en forma de thriller con sabor añejo. Sea por la destreza del director a la hora de abordar las escenas más intrigantes, sea por la banda sonora de un Pino Donaggio en plena forma, lo cierto es que “Domino”, com todas las incongruencias de un guión tan plano como el perfil de sus personajes, es cien por cien disfrutable para los aficionados al género, que además de reencontrarse con los lugares comunes de las clásicas películas de policías y ladrones (en este caso, terroristas islámicos, retratados sin ningún rubor ni complejo) podrán hacer un ejercicio de nostalgia cinéfila recordando el tono y el ritmo de aquellas viejas películas policíacas setenteras, que hacían de los escenarios europeos el perfecto marco para sus frenéticas tramas. Es cierto que el De Palma que todos conocemos (y añoramos) aparece en cuentagotas, que escenas que a priori prometían están mal resueltas, cuando no deficientemente planificadas. Y que todo el conjunto acaba por tener una apariencia de decadente serie b. Pero precisamente en su sencillez y su falta de pretensiones se encuentra el alma de una película que sabe ir al grano, que no se entretiene en subtramas que alejen al espectador de lo principal, y que sabe ofrecer una escasa hora y media de puro entretenimiento. Porque al fin y al cabo, la base del thriller es esa. ¿O no?


Lo mejor: la taurina resolución de la trama, brillante “bolero raveliano” con dilatado climax final.

Lo peor: que el excelente director de joyas como “Los intocables” haya quedado para esto.

Más allá de la virguería de filmar toda la película en un (falso) solo plano, hay que reconocer que “1917” es, visualmente hablando, un espéctaculo con mayúsculas. En tiempos de alta tecnología, cromas y pantallas verdes, tiene un gran mérito la exhibición en la dirección que nos ofrece Sam Mendes, sirviéndose solo de la cámara, la luz y los propios escenarios naturales en los que se desarrolla la trama. La capacidad para extraer belleza del horror es tan impresionante como la aventura que han de vivir sus dos protagonistas, y nos regala planos tan magníficos como el de la ciudad derruída iluminada por las llamas del combate. Escenas que a buen seguro perdurarán en la memoria cinéfila del buen aficionado. Y aunque en el aspecto narrativo se le pueda poner más de una objeción, no es menos cierto que ello no es impedimento para disfrutar de una historia en la que el espectador puede sentir la fuerza y el horror de la guerra en primera línea. Mendes recupera la épica del clásico cine bélico, no esquiva los lugares comunes pero gracias a un guión ajustado que sabe mantener el interés de la historia hasta el final, regala un espectáculo superlativo, visual y sonoro. Sin duda, la mejor película de guerra de lo que llevamos de siglo.

Lo mejor: su impecable poderío visual.

Lo peor: la sensación de superhéroe que por momentos desprende uno de sus protagonistas.

Obviando el evidente simbolismo paralelo que intenta establecer Roman Polanski entre su propia historia y la del falso culpable que rige en su nueva película, hay que decir que “El oficial y espía” es un experimento fallido. Lo es en cuanto su vocación de crónica histórica se ve lastrada por la incapacidad de darle vida al relato en su paso al formato cinemaográfico. Nada que objetar al trabajo de ambientación y puesta en escena. El tratamiento del color y la fotografía, si bien no ayudan en demasía a hacerlo atractivo ni facilitan el seguimiento de la trama, sí muestran una coherencia visual y estilística enmarcada en un férreo rigor histórico. Pero, si uno no está muy al caso de los sucesos que se nos narran, difícilmente podrá seguir y disfrutar del sinfín de personajes y situaciones que se van sucediendo. Polanski filma con alma de funcionario. Su académico formalismo olvida insuflarle vida a las acciones, todo se presenta muy frío, demasiaso plano para que el espectador pueda sentir la más mínima empatía por los personajes, que se presentan distantes, y la emoción en los momentos cúlmines brilla por su ausencia. Pecado mayúsculo cuando sobre el relato gira la injusticia, el racismo y la corrupción al más alto nivel. Términos que quedan diluídos en meros formularios de denuncia si no les acompaña el alma de los personajes que los sufren. En una película que, aunque va claramente de menos a más, no consigue trascender más allá de la potencialidad dramática de la propia historia.

Lo mejor: la pulcritud de su puesta en escena.

Lo peor: la dificultad para engancharse al relato.

Notable debut de la directora Lucía Alemany con esta historia de tintes autobiográficos sobre el paso de la adolescencia a la edad adulta. Dotada de una naturalidad sobresaliente, la película de Alemany (antigua alumna de la ESCAC, lo que empieza a otorgar un cierto sello de fábrica) tiene la habilidad de evitar cierta impostura que acostumbra a malograr no pocos debuts. Alemany lo basa todo en una escrupulosa planificación, consciente de que todo buen relato cinematográfico se sustenta en dos o tres escenas potentes sobre las que gira el resto del relato. Cuenta además, con el feliz hallazgo de una actriz protagonista que asume con asombrosa madurez cargar con el peso de la historia, apoyada por dos grandes del cine catalán como Laia Marull (sencillamente magistral junto a Carmen Arrufat en la escena de “la confesión del problema”)y, sobre todo, un Sergi López que se mueve en la piel de su personaje como pez en el agua. Sin olvidar por ello al resto de personajes secundarios, todos ellos ajustadísimos en unos papeles que parecen talmente diseñados para ellos. Enfrentando modernidad con tradición, libertad con autoritarismo, sueños y esperanzas con la dura realidad, “La inocencia” sabe trasladar con precisión matemática la vida de un pueblo durante el verano, brindando un fresco actualizado del cine de tradición neorrealista en una película deliciosa de ver y escuchar.

Lo mejor: cuando entra en escena Sergi López.

Lo peor: cierta tendencia al estereotipo.

Psicóloga que deja de ejercer para dedicarse a la escritura, no sin antes hacerse cargo de una última paciente con la que se involucrará demasiado, complicándose la vida. No cuesta mucho imaginar el thriller que, en los años noventa del siglo pasado, cualquier audaz director hubiera sacado de esta premisa argumental. Pero el tiempo ha pasado y la directora, Justine Triet parece ir por otros cauces. Que no son otros que los del drama personal con traumas pasados por resolver. La película gira en torno al personaje de Sibyl, Triet toma su punto de vista, se adentra en su mente y nos transmite sus miedos y obsesiones, en un notable trabajo de la actriz Virginie Efira apoyada por una Adèle Exarchopoulos, que aunque un pelín sobreactuada, sigue siendo, como demostró en “La vida de Adèle”, una de las actrices actuales que mejor llora en pantalla. El problema es que, con esto, la narrativa de Triet tiende a ser caótica, con constantes idas y venidas, sacudida por las emociones que experimenta su protagonista, lo que no facilita la comprensión del espectador en ningún momento. Ello, y la poca fuerza de los personajes secundarios, unido al número de subtramas que derivan del núcleo principal y que quedan en meros apuntes, hacen que “El reflejo de Sybil” acabe resultando una propuesta irregular, de cierto aire atemporal y acabado insatisfactorio.

Lo mejor: las lágrimas de Adèle.

Lo peor: la sensación de poca cohesión de todo el conjunto.