Vaya par de polis comienza con una escena de interrogatorio llevado a cabo mediante frases de películas. Uno espera con este comienzo que la película tenga la linea de Kevin Smith, y que ha pesar de que no sea redonda, sera lo suficientemente divertida. Craso error. Ese tal vez sea el peor pecado que una producción de este estilo puede cometer, ser aburrida. No esperamos una obra maestra, pero si un homenaje a las buddy movies de los 80´, las cuales al menos garantizaban hora y media de entretenimiento. En lugar de ello nos encontramos con una mala pelicula que falla en casi todo.
Para empezar la química de la pareja protagonista es inexistente. Bruce Willis parece ir con el piloto automático, con un carisma bajo cero y prisa por cobrar su cheque. Tracy Morgan se limita a dar voces y poner caras en un rol cómico que algunos sabran apreciar (yo no soy uno de esos algunos). Se supone que ambos son compañeros desde hace 9 años, pero al verla parece que alguien los acaba de presentar esa misma mañana. La historia es absurda en su vertiente peyorativa, y las situaciones en que se ven envueltos los protagonistas ni divierten ni siquiera entretienen. La pelicula incluso tiene el ¿mérito? de presentar al secundario más desagradable desde que Jar Jar Binks apareció en el episodio I. Me estoy refiriendo a Seann William Scott interpretando a un ladrón parlanchín (¿tal vez un remiendo del añorado Jay, del binomio Jay y Bob?) a quien es insoprtable ver más de 30 segundos en pantalla. Y la dirección es plana y anodina. Una pena porque hubo un tiempo donde Kevin Smith era fresco y divertido. Si el guión hubiera sido suyo nos habria cantado otro gallo.
Esperemos, y parece por su salida directa en dvd que será así, que no de pié a secuelas y sea sólo un mal recuerdo. En mi memoria al menos así será.

Rare exports pretende ser una vuelta a aquel cine de aventuras para toda la familia de los años 80' con elementos fantásticos. La película cuenta con una premisa atractiva y sugerente: una empresa dedicada a cazar criaturas míticas decide atrapar al autentico Santa Claus, muy alejado del viejo bonachón que coca-cola nos ha vendido. Sin embargo los elementos que podrían haber hecho una película a recordar son dilapidados de forma dolorosa. El arranque es tremendamente provocador y los escenarios naturales de Finlandia nos llevan a un terreno donde la magia puede ser real. Sin embargo el desarrollo de la historia es pobre, los actores mediocres (en especial el que hace de padre del niño) y hay algo imperdonable en este tipo de películas como es escamotear al monstruo, quizás por falta de presupuesto.
De este modo nos encontramos con una película que pese a durar 80 minutos resulta poco entretenida y no cumple ninguna de sus expectativas. Nos tenemos que contentar con destellos de lo que podría haber sido (el niño encontrando una huella gigante ensangrentada bajo unos renos mutilados, tapando la casilla del día 24 en el calendario de adviento ante el miedo de lo que se avecina...) y la presencia del chaval protagonista, el único de todo el reparto que tiene carisma, aunque sea por verlo llevando una escopeta más grande que él.
En resumen una película basada en un corto que era bastante más entretenido y graciosos que su teórica puesta de largo.

Recuerdo como en mi niñez una de mis series más queridas era “Jonny Quest”. Me encantaba por la mezcla de aventuras por todo el mundo, ciencia ficción y fantasía. Además tenía una característica especial, pues aun siendo de Hannah Barbera la serie tenía un tono serio de que las demás carecían, y esto para un niño de seis años era un detalle importante. La serie no te trataba como a un crío, sino que como un adulto te planteaba tramas que, aun siendo totalmente imposibles, al menos cumplían con la premisa de la plausibilidad. Por ello cuando siendo un treintañero me topé con “The Venture Brothers” mi reacción primera fue de incertidumbre.

Teniendo como referente directo “Jonny Quest” (la serie al fin y al cabo es básicamente un calco de esta), me intrigaba que tono tendría. En la animación para adultos de los últimos tiempos la tendencia suele ser la misma: tener un diseño infantil, unas tramas pasadas de vueltas y muchas muchas referencias tanto a la cultura popular más moderna, como estar salpicadas de sexo y palabras mal sonantes. Ello en sí no es malo e incluso puede dar lugar a obras maestras como “Los Simpsons” o South Park”, aunque la tendencia al remiendo y subirse al carro del éxito preestablecido han llevado a una saturación cuantitativa que no redunda en el apartado cualitativo. En otras palabras uno acaba encontrándose más a menudo con propuestas similares a la comida rápida, que llenan pero no sacian y se parecen demasiado entre sí con un diseño de sitcom al uso.

Por ello mi sorpresa fue mayúscula con respecto a “Venture Brothers”. Cierto que la serie tiene los elementos antes citados, pero me eclipsó por saber trascendenlos. Así nos encontramos con una serie que busca establecerse en un mundo con su propia coherencia, donde los personajes pueden ser cómicos pero humanos, estando el humor más en conocerlos y ver como actúan que en ser meros vehículos de estupidez para sacar chistes fáciles. Además la serie está trufada de referencias, si, pero que exigen cierto acervo y nostalgia infantiles, como encontrarnos con el hombre de los seis millones de dólares, con Race Bannon o con un remiendo de los cuatro fantásticos tamizados por el Mark Millar de "Wanted". Pero lo mejor es volver a sentir el sentido de la aventura que poseía “Jonny Quest” cambiando su ingenuidad infantil por una socarronería y acidez adulta.

Probablemente sus referencias, tono y ritmo no la hagan propicia para ser un éxito masivo como pueden tener los productos de Seth McFarlane, sino que sea más restrictiva a un público que creció con unas series de animación concretas. Pero para los que como yo se encuentren en este grupo, se encontraran con una de las sorpresas más gratas que la animación para adultos ha dejado en mucho tiempo.

Go Team Venture!

Siguiendo la estela de otras producciones que toman la premisa de hacernos creer que lo que vemos es real con el fin de llevar nuestro miedo hasta más allá de lo cinematográfico, de difuminar la frontera entre realidad y ficción, “The Poughkeepsie Tapes” se presenta como un documental (¿o deberia llamarsele “mokumentary”?) en el cual visionamos las cintas con las atrocidades cometidas por un asesino en serie. Para ello las distintas acciones filmadas en video se hilvanan con un trabajo de reconstrucción documental del asesino, su carrera criminal y las distintas perspectivas de su figura que elaboran expertos en diferentes campos. La película juega la baza fundamental del deseo voyeur de todo ser humano en general y del público que llena las salas últimamente en particular de ver aquello que por su sordidez, violencia o carga grotesca no debería ser visto.
En este aspecto la película posee momentos perturbadores bien elaborados como los acaecidos con niños o durante el diálogo que mantiene el asesino con una autoestopista a la que engaña para que sea su nueva victima. Pero en su deseo de crear una atmósfera malsana y presentar un nuevo genio criminal la película deriva entre una fotografía alterada hacia colores verdosos y oscuros en las cintas (presuntamente por el uso de una cámara defectuosa) y un gusto po

Woodrow y Aiden tiene veintitantos años. O tal vez treinta y pocos. No sabemos de qué viven, pero no parecen tener mucho que hacer y beben demasiado. De pequeños vieron “Mad Max” y les marcó como críos, por ello se entretienen fabricando lanzallamas y preparando un coche para cuando llegue el apocalipsis liderar a los supervivientes. El apocalipsis puede no llegar, pero ellos dan sentido a su existencia soñando que en un mundo reducido a cenizas podrían ser los héroes a quién seguir. Y mientras tanto, una noche, Woodrow conoce a Milly y ambos se enamoran. Pero aunque el apocalipsis no llegue para todos la hecatombe si puede marcar sus vidas.
“Bellflower” cuenta una historia tremendamente simple, como el amor y el desamor, pero con tal maestría que no vemos como se desarrolla la trama, sino que la sentimos en nuestras carnes. En una época donde tanto el cine comercial como el indie parecen haber encontrado sus límites, Evan Glodell consigue hacernos sentir sensaciones que yo al menos creía extintas. Y lo logra mediante una realización inmaculada para un amateur, con unas actuaciones que resultan creíbles al cien por cien, una banda sonora inmejorable y una fotografía única. No en vano el propio Glodell fabricó su propia cámara de cine de 35 mm con el fin de que obtuviera la tasa de pantalla extralarga y la paleta cromática que deseaba. Ambas cosas dan al resultado la sensación de una pieza de arte en el sentido de unicidad que da contemplar un producto que por su fabricación no puede ser reproducido.
Pero la forma no ahoga al fondo sino que lo potencia. En el fondo la historia de ambos amigos, y la historia de Woodrow y Milly es un reflejo hermoso y cruel de la sociedad en que vivimos, donde los niños no tienen prisa en crecer, y donde perseguir las fantasías infantiles se convierte en la única vía para afrontar una madurez para la que no se está preparado.
Con el tiempo “Bellflower” se convertirá en el referente de una época como en otro tiempo lo fue la nouvelle vague o “Requien por un sueño”. Una película que no debería encorsetarse bajo el sello “de culto” porque lo trasciende hasta convertirse en la película más valiente, sincera y original en años. Y eso sólo puede llamarse CINE. Con mayúsculas.