“Tierra de abundancia” es una nueva mirada a la situación de este país y de sus ciudadanos tras los atentados del 11-S, mezcla de paranoia y terror colectivo, encarnado en la figura de su protagonista masculino. El ya veterano John Diehl ocupa el papel de Paul, un ex-combatiente de Vietnam con rasgos paranoides y síntomas de estrés-postraumático que personaliza el terror infundido por los gobernantes de una nación, más preocupada por fantasmas externos que por sus propios problemas internos. Es aquí donde aparece el primer problema: su personaje está demasiado estereotipado, muy caracterizado y poco creíble. Solo si el objetivo de Wenders era construir una metáfora de una sociedad, entonces quizás tenga algo de razón.

En el otro extremo del continuo se encuentra su sobrina Lana, a la que da vida una angelical Michelle Williams, joven nacida en los Estados Unidos pero criada en Israel. Su rostro es la viva ingenuidad, alguien que añora su país pero que al mismo tiempo lo mira con una mezcla de comprensión y rareza. Un personaje tan diferente al protagonista masculino como complementario al mismo tiempo. Así, bajo la excusa de llevar el cuerpo de un joven árabe asesinado a su hermano, ambos se unirán en un viaje de carácter iniciático donde descubrirán que el mundo no es de un solo color, sino que adquiere tintes grisáceos.

Rodada en vídeo digital y con la ayuda de una fotografía excepcional, Wenders filma los ambientes urbanos de Los Ángeles de manera magistral. En este sentido, es casi admirable la manera de representar esas zonas tan olvidadas de la famosa ciudad, la otra cara de esa “tierra de la abundancia” a la que hace honor el título de su film. El ritmo de las imágenes es cadencioso, incluso hipnótico pero la repetición de esquemas hace que la película se vuelva un tanto aburrida por momentos. Y es que lo que en un principio sorprende y atrae, termina por repetirse y desenganchar a la audiencia. La banda sonora es también digna de comentar, conociendo el buen gusto de este director por la buena música.

“Tierra de abundancia” podría pasar por la versión madura y adulta de ese panfleto demagógico que es “Fahrenheit 9/11” si no fuera por su toque moralizante y su fondo, un tanto repetido (si señor, ya sabemos que todos los árabes no son “malos”). Por momentos está a punto de mostrarse complaciente con cierto sector (bastante político) de la crítica, algo que realmente no sé si es lo que busca su director. Digamos que funciona más como una visión de esa otra América que no estamos acostumbrados a ver, que como una reflexión sobre el efecto que ha causado en la población la política del actual gobierno norteamericano. Por tanto, no se pueden perdonar 1h y 40min de metraje a cambio de unos últimos 20 minutos ejemplares, donde finalmente Wenders muestra sus cartas y donde el espectador aprecia lo que pudo ser y no fue.

Esta película dirigida por el polifacético Franklin J. Schaffner se basa en la genial novela (y "bestseller) de su propio protagonista, Papillón, tras su escape de la prisión.

"Papillón", al igual que el libro, es la crónica de la supervivencia. Es la lucha de un hombre que se resiste a dejarse llevar por las injusticias de un sistema penitenciario inhumano y que solo tiene una cosa en mente: la libertad. Sin embargo, como buen film penitenciario, acierta en la inclusión de la relación de amistad entre los presos, con la presencia de un magistral Dustin Hoffman. Y por último, es una magnífica oportunidad para redescubrir a ese fenomenal actor como es Steve McQueen, en posiblemente, su mejor película.

La primer película del último día del BAFF venía con el sello del taiwanés Hou Hsiao-Hsien. En este caso en particular y para que el que suscribe, es un gran handicap el hecho de no conocer prácticamente su obra anterior (a excepción de “Millenium Mambo”), y por tanto desconozco de donde procede y hacia donde camina su discurso.

“Café Lumiere” se nos presenta como un homenaje de este director a Yasujiro Ozu, debido al centenario de su nacimiento. Y esto es lo que es. Hsiao-Hsien dibuja un retrato de unos personajes tal y como Ozu lo hubiera hecho si todavía viviera. Para ello, los capta en un momento de su vida, nos lo presenta y los vuelve a despedir, sin saber que será de ellos. Así, en su puesta en escena rescata planos de “Cuentos de Tokio” o de “Buenos Días” y nos brinda una gran cantidad de tomas frontales y de encuadres a pie de tatami, tan habituales en el cine del maestro japonés. Obviamente no solo estéticamente, Hsiao-Hsien homenajea a Ozu, sino que “Café Lumiere” se centra en una temática que gustaba mucho a éste, como el desencuentro entre padres e hijos, con el tema del matrimonio entre las nuevas generaciones y un estilo de vida no aceptado por sus familiares. Los dos personajes principales del film son una chica, que investiga la vida de un compositor y un chico (interpretado por el versátil Tadanobu Asano) que complementa su trabajo en una librería con su pasión: grabar los sonidos de los trenes. Entre ellos se establece una relación extraña, entre la amistad y el amor pero que no explota en ningún momento, adaptándose al tempo sosegado del film con la incomunicación como foco de ella.

La mezcla entre las imágenes y la banda sonora conforman un cóctel hipnótico, un homenaje de un gran cineasta a otro. ¿Ha ido Hsiao-Hsien más allá del simple homenaje? Por lo visto creo que no, pero desconociendo la carrera de este director, puede que no esté en buenas condiciones para afirmarlo.

"Llamada perdida" no deja de ser un interesante refrito de los títulos máss importantes de terror asiático de los últimos años: niña maligna, familia disfuncional, elemento tecnolñogico y pelos largos, muy largos. Takashi Miike, conocido por su cine lleno de excesos, se acerca a esta variante mainstream del género, dejando su toque personal.

Sí, el guionista no sabe como terminar la película y el guíon poco a poco parece hacer aguas, pero Miike saca a flote a este film con dos secuencias magistrales: la del plató de televisión (con denuncia de brocha gorda a los medios de comunicación más sensacionalistas) y toda la estancia en el hospital, un tour de terror incesante de casi 15 minutos.

Que ya lo hemos visto todo? Pues claro, pero pasar un buen rato de tensión no viene nada mal.

Puede que "Domicilio Desconocido" sea la película más sólida de Kim Ki-DUk. A pesar de vertebrar su relato en torno a un melodrama coral, con múltiples personajes y tramas que se cruzan, destaca la concisión con que trata a cada historia, donde no sobra ni falta ningún plano. Y es que a diferencia del resto de su filmografía, donde sus ideas argumentales suelen divagarse y encauzar ciertos meandros narrativos, "Domicilio desconocido" destaca por su empaque y por la ausencia de digresiones incómodas.

Ki-Duk vuelve a presentarnos a unos personajes que se agarran al dolor como única forma de comunicación, y en este caso arremete contra la marginación, la discriminación racial, y la política norteamericana en Corea del Sur.