No te perderás ninguna película escrita por los Hermanos Coen.

Si el cine tuviera 10 mandamientos, este debería ser uno de ellos. Porque el universo de los Coen admite tantos adjetivos y una amalgama de géneros tan diversos, que se deberían plantear aprobar ‘Hermanos Coen’ como género cinematográfico.

Y aunque en los carteles de la película incomprensiblemente sus nombres aparecen en letra pequeña, Suburbicón tiene el sello inconfundible de los Coen. Digo incomprensiblemente, porque aun en tiempos donde el guionista permanece en un segundo plano, yo he querido ver esta película en cuanto he leído sus nombres.

No tengo nada en contra de George Clooney, todo lo contrario. Creo que la unión Clooney/Heslov funciona, como bien demostraron con el soberbio guion de ‘Buenas noches y buena suerte’ e incluso con el de ‘Los idus de marzo’. De hecho, son sus dos mejores películas.

Por tanto, ¿Qué podría salir mal si al talento de los Coen les sumamos el de Clooney/Heslov? En mi opinión, los Coen tienen un sello muy personal, muy reconocido por los espectadores y que se aleja mucho del cine de denuncia social / político y con cierta moralina que caracteriza los guiones de Clooney/Heslov.

Y aquí reside el principal problema. La película tiene dos tramas que no funcionan juntas. La trama principal, escrita por los Coen, donde a través de los ojos de un pobre chaval, interpretado por un magnífico Noah Jupe, van desfilando todo tipo de personajes inmorales, empezando por los más cercanos. Una historia con giros, golpes de humor, esos malvados maravillosos a la par de torpes tan característicos en el universo Coen (enormes Matt Damon y Julianne Moore). Y con una última media hora donde el mejor suspense se apodera de la película y de ti.

La trama secundaria, innecesaria, pretenciosa y que te saca de la película de golpe es la escrita por Clooney/Heslov. No viene a cuento que de repente quieran convertir la historia en una denuncia social, racial, política y moralista. Y todo de golpe en unos pocos minutos. NO. La historia de la familia negra en un barrio de blancos está metida con calzador. No sabemos absolutamente nada de esa familia porque solo los utilizan para una de las escenas finales. Para añadir una carga de denuncia y de moralina que carece de profundidad y desentona con la película.

Los Coen y Clooney/Heslov son bebidas lo suficientemente fuertes para ser saboreadas solas.

A veces las mezclas son peligrosas.

Con un título tan sugerente como The Killing of a Sacred Deer y el nombre de Nicole Kidman y Colin Farrell en el cartel, puede llevar a la confusión siempre y cuando no conozcas a Yorgos Lanthimos.

No estamos ante una película comercial. No es apta para todos los públicos y es incompatible con las palomitas. Corres el riesgo de atragantarte.
The Killing of a Sacred Deer es cine independiente, una tragedia griega prima-hermana de Haneke y con influencias de Buñuel y Kubrick.

Con esta frase la mitad ya han dejado de leer. Dicho esto, la película es excelente.

Quien sea conocedor del director de joyas como 'Canino' o 'Langosta', no saldrá defraudado. Lanthimos continúa sin ofrecernos respuestas. Un cine sobrio, frio, poético, simbólico, duro y contundente como pocos.

Es imposible no salir impactado del cine. (De no hacerlo, yo me preocuparía). Además la película cuando te atrapa, no te suelta hasta el final. La crueldad a la que asistimos tiene una belleza hipnótica donde la mitología griega tiene un papel fundamental. El destino impuesto por lo 'divino' es una respuesta complicada para el espectador. Quien lo acepte como válido, que se prepare que vienen curvas. Quien no lo haga se pasará el resto de la película buscando respuestas lógicas inútilmente, pues solo cobra sentido a través del mundo de la mitología griega.

Yorgos Lanthimos es siempre recomendable. Porque nos irrita, nos molesta, nos atraviesa y nos mete una bofetada lo suficientemente fuerte para volver a abrir los ojos y ensanchar nuestra mente. Y eso siempre es bueno.

Imaginación y creatividad a Nacho Vigalondo desde luego no le faltan. Y locura tampoco... bendita locura.

Pero Colossal no es solo original. Es una historia sobre la condición humana, sobre lo que somos y sobre lo que no queremos ser, con unos personajes con los que nos identificaremos nos guste o no (¿Quién no se ha despertado un día con una resaca tremenda sin recordar que hizo la noche anterior?). Y cuenta con un cierre perfecto. Tener un buen final es imprescindible y más en una película tan difícil de cerrar.

Colossal pertenece a ese grupo de películas que no pertenecen a ningún género, pues no cumple las reglas de ninguno y rompe estereotipos a medida que avanza la historia.

Si bien el comienzo puede hacernos pensar en una comedia romántica, Vigalondo no traiciona sus ideales y pega un giro radical desviándose del género y adentrándose en un thriller psicológico oscuro, más serio y con muchas más lecturas. Es entonces cuando la historia crece. El espectador no tiene ni la menor idea de por dónde puede ir la película y cuando se acerca, Vigalondo pega otro giro que nos descoloca por completo. Y todo sin olvidar sus golpes de humor, que los tiene y funcionan divinamente.

Si digo que la película es la historia de una chica (Gloria, maravillosa toda ella Anne Hathaway) que cada vez que se emborracha, aparece un monstruo (Kaiju para los frikis) en Seúl que hace sus mismos movimientos provocando muertes, no estoy mintiendo. Pero desde luego es la manera más superficial de explicar una historia que tiene muchas más capas de las que parece. Porque en realidad la historia del monstruo/Gloria/amigos y sus consecuencias no deja de ser una mera excusa para hablarnos de algo que nos atañe a todos: la conducta humana.

Si te gusta el cine de Vigalondo, obviamente ya la habrás visto. Y si no, estás tardando. Es su película más redonda.

Muy recomendable para todo aquel que quiera ver algo diferente. Porque sorprenderte te va a sorprender seguro, de un modo u otro, pero seguro.

Y para todos aquellos que continúan teniendo prejuicios sobre el cine Español, que se cambie de sala y todos salimos ganando.

Wall-E es la película con la que Pixar comienza a distanciarse del público infantil sin que estos lo noten.

La profundidad que tiene esta película en los temas que toca son tales, que harían falta varios coloquios de 'Que grande es el cine' para debatirlos.

Recuerdo cuando la vi en el cine. Abarrotado de niños. Los niños en el cine son unos pequeños delincuentes, unos rebeldes sin causa que no callan en toda la película. Te preguntan, te la cuentan y se la cuentan a ellos mismos. Toman palomitas, chocolate, caramelos y todo lo que se puedan llevar a la boca. Quieren ir al baño 2 veces mínimo y como se te ocurra decir la palabra 'no', se ponen a llorar y ya la hemos liado. Un coñazo vaya.

Jamás olvidaré el silencio que se vivió en aquella sala de cine llena de niños que ni comían, ni bebían. Boquiabiertos miraban la pantalla en silencio durante media hora. Pero no media hora cualquiera, media hora de cine mudo. Insólito.

Y mientras el niño disfruta con un pequeño robot abandonado en un mundo de chatarra, el adulto reflexiona. Y no precisamente sobre los peligros de la contaminación.

Porque la historia va mucho más allá. Veamos. Con el objetivo de quitarse a los seres humanos de en medio, las maquinas les introducen en unas naves espaciales tipo Marina d'Or – Ciudad de vacaciones pero a lo bestia. Mientras tanto se limpia el planeta tierra para que no quede rastro alguno de vida humana.

Y para que todo el mundo esté contento en la nave, no proteste, no pregunte y se le olvide todo, nada mejor que un lugar donde te lo den todo hecho y no tengas que esforzarte por nada, ni siquiera pensar. Y con las neuronas anestesiadas y sin capacidad para pensar por ti mismo, el ser humano se convierte en el ser más fácil de manejar del planeta.

Y mientras el niño ríe, a ti no te hace ni puñetera gracia verte reflejado en la pantalla.

Un ejemplo más de por qué Pixar ha revolucionado la historia del cine, elevando el género de animación a lo más alto. Películas como Wall-E debían haber tenido el reconocimiento de, por lo menos, ser nominada a Mejor Película en los Oscar. Quizás algún día el cine de animación comience a ser visto y valorado simplemente como CINE.

Las Furias es una joya para dejarte llevar, un magnífico texto cargado de intensidad y unas interpretaciones sublimes con uno de los mejores finales que yo he visto en mucho tiempo.

Las Erinias (Furias en la mitología romana), diosas de la venganza, perseguían sin descanso a sus víctimas hasta volverlas locas, castigando con especial atención el asesinato y los crímenes contra la familia.

Miguel del Arco es uno de los nombres más relevantes del teatro actual. Dramaturgo, director y productor, debuta en el cine con Las Furias. Una película que bebe de las tragedias griegas, pero mira cara a cara a las diosas sin miedo, y las derrota purificando al espectador.

Con la dosis perfecta de sentido del humor. Que lo tiene, y colocado en los momentos precisos. Del Arco otorga el protagonismo al actor y a la palabra. Acompañado por la excelente música de Arnau Vilà y con una atmósfera sonora de una fuerza descomunal.

Brillantes y ágiles diálogos recitados por unos actores sobresalientes. José Sacristán da, una vez más, una lección de interpretación. No le hace falta hablar, una simple mirada le basta.

¿De que va? Es la historia de la familia Ponte Alegre. Y de las furias que habitan en los tres hijos: Casandra, Héctor y Aquiles (y en los seres humanos). De la incomunicación y sus consecuencias. Una familia llena de rencor y con muchas heridas abiertas sin solucionar, sin hablar...  Personajes que hablan pero no se comunican. Del Arco se sirve de la mitología griega para hacer una crítica feroz al ser humano, para vernos reflejados en cada uno de los reproches y las palabras dominadas por la ira. Porque nos guste o no, Las furias no deja de ser un retrato del comportamiento humano.