Entre los paréntesis de unos niños en un parque, Polanski encierra a 4 adultos y un teléfono móvil en un apartamento, donde poco a poco se van despojando de las civilizadas apariencias y la hipocresía para acabar arrojándose palabras tan hirientes como puñales dentro de un tono de comedia negra.

Dos matrimonios, uno formado por Kate Winslet y Christoph Waltz, y el otro por Jodie Foster y John C. Reilly, se reúnen en el piso de estos últimos para hablar civilizadamente de la pelea que ha habido entre sus hijos.

Armar y llevar: esta es la primera pequeña disputa, sin importancia entre ambos matrimonios, el utilizar una u otra palabra, lo políticamente correcto, si uno de sus hijos llevaba un palo o iba armado con un palo. Y sin duda creo que aquí está el quid de la cuestión. Todos llevamos un sinfín de palos, pero lo establecido socialmente, hace que rara vez, o en menor número de ocasiones de las que desearíamos instintivamente, los utilicemos como armas contra los demás.

Tras un par de amagos de abandonar la “amistosa” reunión, pero no hay manera, quizá el tener la razón lo impida o el espíritu de Buñuel y su ángel exterminador, y entre tarta o bizcocho, ni en esto se ponen de acuerdo, va surgiendo la verdadera naturaleza humana de cada uno de los debatientes, para estallar definitivamente en una gran vomitona. Es lo que tiene el no digerir bien las cosas. Y si ya metemos el whisky de por medio - y si es de 18 años, no te digo nada – surge la desinhibición, los matrimonios se intercambian, se alinean bandos de guerra de sexos, 1 contra 3, 2 frente a otros 2 y cualquier combinación posible para que con la excusa de detectar una debilidad, supuesta o no, en el otro, sea atacada en tropel por el resto.

Whisky y puro: para muchos es la combinación perfecta, y más si son de extrema calidad. Pues lo mismo ocurre con el drama y la comedia, bien conjuntados, casi intercambiables e indistinguibles, es lo que hace que podamos ( que dirán los jardineros ) seguir conservando un poco de cordura y locura. Curioso el termino “comedia negra”, no es otra cosa que mostrar o decir la cruda y dura realidad con una sonrisa cínica e irónica. Mejor así.

Polanski, en este teatro filmado, eso sí, desde multitud de puntos de cámara, quizá para decirnos que hay que ponerse en el lugar del otro, de los otros, eso de la empatía, no deja en muy buen lugar a la sociedad actual, excesivamente protectora con sus cachorros, donde una pelea entre miembros de una pandilla se convierte en algo más que eso, cuando hace un tiempo solo era eso, una pelea entre niños, y que sin intervención de nadie, al rato, nuevamente estaban jugando tras un balón. Y el nuevo elemento perturbador, el teléfono móvil, quinto protagonista absoluto del film, y que acapara los momentos más cómicos en manos del cínico Christoph Waltz. Curioso como un instrumento para la comunicación es una barrera para ella ante los más cercanos.

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Cuando se acaba, se acaba, no hay más, solo oscuridad, y quizá ni esto.

Lars von Trier vuelve a entregarnos una obra estructurada en capítulos, esta vez solo 2, más un prologo, el epílogo evidentemente no tiene cabida.

El prólogo, premonitorio, puede recordarnos a la reciente “El árbol de la vida”, eso sí bastante más corto, aunque a más de uno le entró cierta inquietud. Al igual que en su anterior trabajo, Anticristo, pero dejando de lado el blanco y negro, se olvida del dogma, utiliza la cámara superlenta, y nos entrega unos 10 minutos hermosos y oníricos.

Capítulo 1: Justine. Retoma en gran parte el estilo dogma, pero con una fotografía cuidada y la cámara al hombro menos nerviosa. Estamos en una celebración de una boda con reminiscencias de “Festen” ( Celebración ) de su compatriota Thomas Vinterberg, pero menos corrosiva y contundente, totalmente comprensible al centrarse en el personaje Justine, interpretado a la perfección por Kirsten Dunst, totalmente abatida por una depresión, está ausente, nada le importa, todo le parece de una superficialidad absurda. No se dan explicaciones al respecto, aunque se nos da a entender que siempre ha sido una persona especial. Ante este panorama no cabía otra posibilidad que el desastre absoluto.

Capítulo 2: Claire. Se acerca a la tierra un planeta llamado Melancolía que ha estado escondido tras el Sol con posibilidad de colisión con la Tierra. Curiosa metáfora sobre una depresión, puedes estar en tu mejor momento de la vida, todo es luz y color, pero de un momento a otro, si llega, llega, no se puede hacer nada, solo pasarla. Ahora Claire, interpretada por Charlotte Gainsbourg, es el personaje a través del cual nos muestra un más que probable Apocalipsis. El mismo paradisiaco lugar de la boda, una enorme mansión con un campo de golf de 18 hoyos, pero solo 4 personajes. El polémico director deja de lado lo que el tipo de cine palomitero nos mostraría, nada de catástrofes, apabullantes efectos especiales, héroes que surgen de la nada, no. Von Trier, ante lo inevitable, plantea distintas maneras de afrontarlo, y como las apariencias pueden engañar, el personaje más fuerte es realmente el más débil y viceversa. El pulso narrativo, la atmosfera y la tensión van in crescendo, con momentos impagables como ese ofrecimiento tribal y carnal a una hermosa Melancolía, hasta llegar a esos minutos finales, nunca mejor dicho, de una fuerza, intensidad y hermosura brutal y sobrecogedora. Abatido quedas.

La dirección de actores es impecable, los secundarios, de lujo todos ellos, desde John Hurt, pasando por Charlotte Rampling, Stellan Skarsgård y Kiefer Sutherland, pero evidentemente sobre Kirsten Dunst y Charlotte Gainsbourg cae el peso de la película, realizando una interpretación soberbia, por encima de la media. Y casi, o sin el casi, intercambian actitudes según el momento: serenidad, locura, desesperación, angustia.

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Siendo la separación de una pareja el tema principal del film, Asghar Farhadi nos muestra un fresco de la sociedad iraní planteándonos cuestiones como la verdad, la terquedad, el orgullo, la utilización de una niña en el proceso de un divorcio, la diferencia de clases, la influencia de la semilla de la religión en la toma de decisiones personales, la desesperación y lucha encarnizada de un proceso judicial, que básicamente podemos extrapolar a casi cualquier cultura o país, pues son temas universales, pero no se tratan de forma maniquea, sino que muestra los distintos posicionamientos ante situaciones sin decantarse, quizá porque ambos pueden ser tan validos o no dependiendo de cada persona y el momento.

Desde mi particular visión creo que el tema principal es la verdad y como nos posicionamos ante ella cuando nos vemos obligados a tomar decisiones que no solo influirán en nuestra vidas, sino en la de los demás. Y todo condicionado por las necesidades, ya sean económicas, afectivas, egoístas o de integridad o rectitud.

La importancia de la mujer en el desarrollo de la historia es fundamental, y desde 2 puntos de vista contrapuestos. Por uno el de una mujer temerosa tanto de su marido como de la religión y por extensión sometida a estos 2 factores, que podría enmarcarse en la deformada visión que tenemos de este perfil femenino, Y por otro el de una mujer valiente, luchadora, defensora de sus derechos, y que continuamente toma sus propias decisiones, que podría encuadrarse en un perfil más occidental. Todo esto evidentemente sin tener en cuenta mil matices.

Respecto a los 2 principales papeles masculinos, el que está en el proceso de separación, es un hombre bien posicionado, coherente y que no se impone sobre su mujer, mientras que el otro vive una crisis por falta de trabajo, visceral, impulsivo y con un machismo muy condicionado por lo religioso.

Y en medio de la diversas disputas de estos 4 adultos, tenemos a 2 niñas, una bastante ajena a todo lo que acontece debido a su corta edad, y la otra una adolescente que se ve totalmente afectada y desbordada, no solo porque sus padres se disputan con quien ha de quedarse, viéndose obligada a tomar partido, y creo que a comprender por qué aún sabiendo la “verdad” a veces hay que mentir aunque no sea lo correcto.

La historia de poco más de 2 horas se ve favorecida por el realismo impregnado a las imágenes y por las creíbles y magnificas interpretaciones de un elenco perfectamente conjuntado.

Continua en spoiler por demasiado larga, no revela nada

No, no me ha gustado la nueva película de Pedro Almodóvar. No le tengo manía y entiendo perfectamente su cine al igual que un espectador francés o newyorkino, pero en esto del arte no creo que haya nacionalidades, sino gustos personalísimos.

Me ha parecido un engendro detestable que si no llevase la firma almodovariana daría “vértigo” estrenarla en las salas comerciales. Parece el producto de un mal principiante.

¿ Alguien puede explicarme porque se sitúa en 2012 ?, si lo que intentaba era poner una pizca de ciencia ficción futurible, chiquillo vete un poquito más lejos, si al final trata temas de toda la vida y los suyos particulares que ya conocemos, además del precedente de Frankenstein.

Todo se reduce a un drama salpicado de 2 venganzas y una transexualidad ( esta no podía faltar, recurrente en Pedro hasta la saciedad ), pero que no me sorprende ni 1 segundo, lo que va sucediendo en la pantalla, en mi caso, es previsible con 5 o 10 minutos de antelación y eso que he mirado el reloj cada 15 minutos, claro signo de inquietud, pero no malsana, sino de no saber donde meterme, de vergüenza ajena y de a ver cuando termina esto. Ridícula e irritante.

En el intento de vender esta piel, se han hecho referencia a diversas películas, pero la que más me sorprende es la realizada con “Vértigo”. Es un absoluto disparate e insulto a esa obra maestra. Allí todo era sutiliza, obsesión, casi hipnosis, se profundizaba psicológicamente tanto en el personaje de James Stewart como en el “doble” de Kim Novak, y Alfred Hitchcock te hacía participe pudiéndote identificar con ambos personajes: James Stewart intentando mediante la transformación recuperar algo que, en principio, no fue nada más que una actuación, y Kim Novak accediendo a ello para ser amada. Aquí todo lo contrario: la sutileza se torna en trazo burdo, tosco. El personaje de Antonio Banderas es tan hierático ( no es su culpa ) que su obsesión, que la hay, no se transmite, no te hiela, no te perturba, no te incomoda, nada, solo hay pragmatismo a pesar de la tragedia que lleva a sus espaldas. Elena Anaya totalmente desaprovechada, embutida en una segunda piel de tela, que en realidad es la tercera o cuarta, y aquí es donde se derrumba totalmente la película: Elena Anaya en cualquier fotograma, vestida, desnuda, con o sin máscara, sigue siendo siempre una mujer, desde el principio al fin, y no digo nada más por no desvelar una trama previsible, al menos para mi.

Solo salvo de esta tarde de cine la música, lo mejor sin duda, a pesar de la que suena en la escena de la persecución moto-coche. Eduard Fernández, escaso minutaje, pero soberbio, como siempre. Y esa enorme pantalla plana en el dormitorio de Antonio Banderas que a modo de gran pecera contiene y encierra a una involuntaria sirena sin “cola” que ineludiblemente tornará en piraña.

La quinta película, en casi 40 años, del director Terrence Malick me ha dejado tocado, indefenso, es otro tipo de cine, todo el tiempo hace que te preguntes cosas.

No es una película al uso, apenas hay diálogo, la palabra nos llega con cuentagotas, y casi siempre en voz en off. Su fuerza radica en las imágenes, los encuadres y la música perfectamente engranadas por un guión y montaje milimétricos.

Este hermosísimo y profundo film comienza con una pérdida, la de un hijo, eso que no tiene nombre, en ninguna cultura, probablemente por ser la peor de las pérdidas. Existen los huérfanos, los viudos, viudas, pero esto no, esto no puede ser, no debería ser. Sin dramatismo.

Malick inmediatamente nos propone una sucesión de imágenes envueltas en música ,sacra y clásica, recreando su particular visión de la concepción del universo y la evolución de la vida en la tierra. Sin duda puede recordarnos a ciertas secuencias de “2001: Una odisea del espacio” de Kubrick, llegando hasta más o menos el minuto 50 de la película, provocando la marcha de algún que otro espectador. No los culpo, si el resto de la película hubiese transcurrido por los mismos derroteros, sería un precioso pero vacío y pretencioso documental repleto de secuencias, recreadas o captadas por telescopios, microscopios, satélites. Del universo con la creación y destrucción constante, del inicio de una vida, de la evolución al más puro estilo darwinista, el agua como origen de la vida, los dinosaurios y su desaparición a manos de un gran meteorito. En definitiva, de ese caos cósmico que funciona como una maquinaria de relojería, que hace que la pérdida de una vida concreta, de cualquier vida, no tenga la menor importancia.

Pero lo que nos llega ahora, y casi hasta el final del largo metraje, casi 2 horas y 20 minutos en su totalidad, parece decirnos todo lo contrario. Vuelve a esa familia que ha perdido a un hijo, a un hermano, a unos años antes de esa pérdida, en los 50, y casi exclusivamente a través de la mirada subjetiva del hijo mayor nos muestra el universo de esa familia. Su llegada al mundo, como va creciendo, la llegada de su hermano y con él los celos, el amor de madre, el amor hacia la madre, la figura del padre, un hombre recto, duro y disciplinario en la educación, que quiere que sus hijos crezca fuertes y no confiados ante una sociedad que se aprovecha del bueno, donde triunfa el que miente. De la infancia, del miedo, de la primera muerte, de la atracción hacia el otro sexo, de una nuca, del cuello, del respeto temeroso, de la pérdida de la infancia y querer volver a ella.