Bajo la óptica de la cotidianidad más hiriente del Medio Oeste de los Estados Unidos, se nos presenta "Take Shelter", una película de terror hitchcockniano a la vieja usanza, donde cada gesto, cada ruido, cada rincón oscuro, puede suponer un inquietante e inesperado suceso que rompa la monotonía y quiebre el sueño tenue del espectador. Jeff Nichols rueda con maestría sublime el equilibrio vertiginoso que mantiene el protagonista (un estremecedor Michael Shannon) entre el raciocinio cabal y la locura paranoica, una magistral reflexión sobre lo fácil que resulta desembocar en ella a base del miedo a que suceda cualquier hecho que trunque nuestra existencia (ya sea un cataclismo meteorológico o quedarse sin trabajo, sin dinero, sin acceso a medicamentos…). Ese miedo, necesario para evitar nuestra extinción (por lo que no hay que desdeñarlo), pero dañino si condiciona nuestro comportamiento. La película es pues una soberbia metáfora sobre la naturaleza humana y su afán por la supervivencia (afrontar el día a día), que si se vuelve enfermizo puede llegar a condenarla.

Lo mejor: la magistral interpretación de Michael Shannon (que llega a convencer que es capaz de cualquier cosa), la subyugante química que desborda una deslumbrante (de nuevo) Jessica Chastain, que complementa cual perfecto yin el yang de su pareja, además de ejemplificar el significado del compromiso, estar a su lado hasta en los peores momentos y ser capaz de ayudarlo a salir del pozo. Y por supuesto, la maravillosa fotografía.

Lo peor: la paupérrima distribución en salas.

Dejé mi sangre caer, dejé mi vida por aquello en que creía, porque valía la pena, porque me hacía feliz, porque le daba un sentido a todo, a la razón de estar aquí.
“Soul Surfer” es una película encomiable, que enlaza una historia de superación personal con las vivencias del mundo, una lección sobre la vida en la que en cierta manera nos vemos reflejados y de la que podemos extraer el poderoso mensaje de que, por muy mal que vayan las cosas, jamás debemos rendirnos si lo que perseguimos es el sueño que nos mueve cada día.

Arropada por un elenco magistral, la alegre y jovial AnnaSophia Robb efectúa una interpretación realmente convincente que te atrapa y te subyuga, que te hace sonreír a la par que derramar lágrimas olvidadas. Y por si eso fuera poco, ahí está Carrie Underwood que sorprendentemente lo borda en su papel de guía espiritual (ojalá todos tuviésemos a alguien como ella).

En definitiva, altamente recomendable para aquellos que se plantean tirar la toalla y abocarse al pozo de la depresión.

Lo mejor: la impactante escena del ataque del tiburón.

Lo peor: el a veces frenético ritmo de la cámara, claro, estar inmerso en la ola, marea.

Quisiera reseñar de entrada que la imagen que ilustra esta serie no se corresponde con el contenido de la misma, así como el reparto que en ella se relaciona, sólo Suzy (Bae Su Ji) parece coincidir con la serie realmente rodada (no sé si existiría algún proyecto inicial que finalmente fue modificado). Además, el año de producción no es 2016. La serie empieza a rodarse a finales de febrero de 2017 y termina el 31 de julio de ese año.
Hechas las correcciones, vamos al meollo. Los coreanos, ávidos de copiar patrones (sin eludir su idiosincrasia característica), cuando lo hacen es con la intención de mejorarlos, y vaya si lo consiguen, aquí le pasan la mano por la cara a los americanos faltos de ideas para decirles: “mirad, así es como debe hacerse una serie”. Porque “While You Were Sleeping” no es sólo una serie con mayúsculas, es puro cine, es pura magia, como el prestidigitador que consigue que te quedes embobado mirando su mano derecha mientras que con la izquierda te hace un truco que te deja con la boca abierta. Es la quintaesencia del séptimo arte, con un montaje prodigioso, un guión que te sorprende, por la forma de contar las historias e ir entrelazándolas, unos actores pletóricos de química que desbordan interpretaciones eléctricas, y cómo no la música, maravillosa. Es un ejemplo de lo que la televisión debería ser, porque es capaz de trascenderla e ir incluso más allá de la concepción cinematográfica, llegando a la consideración metafísica.
Obra maestra total y absoluta, cuyo ritmo hace que quieras devorar página tras página.

En un tiempo prodigioso en el que parece que a todos los directores les ha dado por reivindicar el cine desde sus orígenes, Scorsese se suma al carro y lo hace de la mano de Méliès, y es ahí donde comete el mayor error, pues Méliès no era cineasta sino ilusionista, y el cine no es sólo ilusión, es una realidad infinita. Y encima pone imágenes de clásicos restaurados por él, para darse autobombo supongo, porque lo que es estimular la pasión, la narración, ni lo más mínimo. Con un guión absurdo y petulante, se requería de especial destreza para hacer atractivo el envoltorio vacío, de apenas contenido, resumido en la metáfora del autómata reparado, pero no entendemos ni sabemos cómo Méliès se había estropeado (no nos lo creemos). Además está el infausto Sacha Baron Cohen, que interpreta a un personaje antipático, odioso incluso, y que encima se lleva a la chica. Ni tan siquiera la excelsa Chloë Grace Moretz (que debería haber interpretado el papel principal) sobrelleva con holgura su carácter (porque tampoco se lo cree). A la postre, Scorsese no es Jeunet, por más alardes que haga de travellings imposibles que no vienen a cuento.

Lo mejor: la escena del sueño.

Lo peor: menudo tostón.

El cine con pocos medios suele sorprendernos a veces gratamente con títulos originales repletos de aciertos que para sí quisieran muchos que campan sujetos al dictamen de un Estudio. Y así, cuando se juntan los factores adecuados, historia, dirección, interpretación, fotografía, banda sonora y montaje, surge una obra maestra con la facilidad del “David” esculpido por Miguel Ángel. Y es por ello que no puedo evitar maravillarme viendo cada plano de “Otra vida”, su elegancia a la par que sutileza que no oculta ningún atisbo de dramatismo, que no rehúye la dureza de la trama, pero que la aborda sin necesidad de regodearse en su miseria, una miseria que nos afecta a todos, y que, al igual que la protagonista, quisiéramos borrar como si jamás hubiera existido y comenzar de nuevo con el contador del dolor puesto a cero. Y esa hermosura plasmada en imágenes de austeros colores que al iluminarse con el sol cobra una belleza que no es terrena, que parece provenir de ese mundo idílico ansiado, de esa “otra Tierra”. Emociona la multitud de reflexiones existenciales planteadas y la claridad diáfana de las respuestas formuladas. Pero sobre todo ese dolor que necesita curarse, y la forma de hacerlo es lo que prima en el día a día.

Lo mejor: la luz en los cabellos de Brit Marling, y ese final tan sencillo a la vez que revelador.

Lo peor: el autofocus y el zoom a saltos.

A ratos creía ver a un Bergman rejuvenecido, a ratos a un Terrence Malick lúcido, a ratos creía conocer a Brit Marling de otra vida.