Before midnight (nunca entenderé la necesidad de cambiar el título original de una película) es un notable colofón a esta particular trilogía. Funciona perfectamente de manera aislada, es decir, no es necesario haber visto las precedentes (aunque sí recomendable) ya que el sustrato de la historia queda perfectamente descrito a lo largo de la película y no da lugar a pérdidas de la trama para el espectador recién llegado. Al fin y al cabo en esta película se trata un tema universal, el paso del tiempo, y se cuestiona la idealización del amor y de las relaciones personales: la amistad, la familia y la pareja, confrontadas con la vida real.
Con una naturalidad apabullante, Delpy (Celine) y Hawke (Jesse) defienden de manera sobresaliente la incontinencia verbal de los diálogos. La película son ellos con el trasfondo de una Grecia paradisiaca, de una Arcadia real, un país que está sufriendo pero en el que al final "no pasa nada" (en palabras de Jesse), metáfora de la realidad de los protagonistas.

Lo mejor:
- Julie Delpy (con un cuerpo real, que nos llama la atención como espectadores ya que tan acostumbrados estamos al artificio) y Ethan Hawke
- Diálogos.
- Localización: Grecia. Lo destaco, ya que no sólo por lo que aporta a la fotografía de la película, sino su significado, cuna de la civilización occidental y país en conflicto y crisis aguda (aquí latente).
- No es una película para todos los públicos (requiere un espectador activo)

Lo peor:
-el segundo tercio de la película pierde ritmo, que recupera en el último.

Con una simple premisa, una pareja que se reencuentra tras cinco años sin verse, Coixet construye una historia compleja, llena de matices y capas que a lo largo del transcurso de la pelicula van siendo desveladas. Poco más puede decirse del argumento sin que la película sufra spoiler. De hecho, la propia localización, de la que se está hablando en la promoción de la película, debería ser descubierta por el espectador, ya que es un factor importante en el ritmo y el suspense que marcan los primeros 50 minutos de metraje, y que además, están bastante conseguidos.

La austera fotografía y los primeros planos contribuyen a crear esa atmósfera desolada y desnuda que es parte de la historia, y que comienza con una sucesión poética de planos estáticos, muy Coixet, aunque en esta película bebe bastante del cine de autor de los 70. Solo dos personajes ante la cámara, metafóricamente desnudos ante sí, trastornados por tragedias personales y por la dura realidad social de la España (y Europa) de 2017 que refleja la película, muy bien encarnados por Candela Peña y Javier Cámara, pese a que los diálogos no están lo inspirados que deberían y la excesiva intensidad de algunos momentos los deja al borde de la sobreactuación, hasta un grado que resulta molesto. En cualquier caso, la película consigue captar la atención del espectador, especialmente lograda la primera hora, no tanto el final, que se alarga en el tiempo una vez que ya “está todo dicho”. No es la mejor película de Coixet, pero se la ha jugado con esta apuesta, y eso ya es motivo de aplauso.

Lo mejor:

-el título
-ritmo inicial, primeros 50 minutos de la película
-cómo logra Coixet construir una historia aparentemente tan básica (ex pareja y contexto social) con ese suspense inicial y sin que resulte vacía
-Candela Peña y Javier Cámara

Lo peor:

-ciertos diálogos (inverosímiles)
-final previo a la coda
-Candela Peña y Javier Cámara en aquellos momentos (pocos) en los que se pasan de rosca

Esta joyita de HBO en 6 capítulos no es The Wire ni pretende serlo. Zorzi y Simon han adaptado un libro de no ficción basado en la carrera política de Nick Wasicsko (quien no quiera spoilers que no inserte su nombre en Google), y han presentado una historia que podría ser anodina pero que atrapa al espectador desde el minuto 1.

Puede achacársele un cierto desequilibrio a la hora de relatar las historias de un lado o de otro, y meros brochazos en el retrato de ciertos personajes, pero consigue una narración fluida donde la política local y todo lo que ello conlleva sirve de trasfondo para tratar las diferencias de clases y el racismo (tan presentes en los 80 como hoy), sin olvidar al protagonista, permanentemente a la búsqueda de un rumbo que ni él sabe dónde queda.

Pero lo que sin duda hace que esta miniserie brille es la interpretación de sus actores, destacando Oscar Isaac al que le lloverán los premios por ese Nick Wasicsko lleno de matices; aunque no han de obviarse los secundarios, especialmente Catherine Keener y Alfred Molina. La dirección sin estridencias de Paul Haggis y la banda sonora dominada por Bruce Springsteen hacen el resto.

Es una ópera prima y eso siempre crea ciertas incertidumbres en el espectador, que en este caso arriesga poco gracias al plantel de actores que conforman el cartel de la película. En cualquier caso, no hay nada que temer, es una película que merece ser vista y disfrutada más de una vez.

Trata con maestría y conocimiento de causa el mundo de la música (culta/clásica) y cómo las relaciones profesionales y personales se mueven por un permanente precipicio llamado ego, conjuntado con la envida y la competitividad. Todos son amigos, todos se admiran, se necesitan, forman parte de un cuarteto en el que la suma de los cuatro es mayor que los cuatro tomados individualmente como solistas. Pero eso no es siempre fácil de asimilar, y ahí se mueve la trama de la película. Bellísimos planos del invierno en la ciudad de Nueva York, el cuarteto op. 131 de Beethoven y un trabajo brillante de todos los actores (el fuera de serie Philip Seymour Hoffman siempre un nivel por encima) son ingredientes fundamentales unidos a una trama muy bien tratada. Indispensable verla en VO.

-Lo mejor:

Casi todo.

-Lo peor:

Que pueda ser considerada como minoritaria o solo apta para melómanos.
Alguna subtrama algo débil (Pilar...).

El primer escollo que debe salvar el espectador al abordar esta película es el funesto título que le han dado en España (en Italia, con el quasi berlusconiano “Scusa, mi piace tuo padre” nos han superado en la cutrez), cuando el título original “The Oranges” (referido a la zona de Nueva Jersey en la que transcurre la acción) es mucho más sugerente y, desde luego, mucho más fiel al espíritu de la película. No tiene el carácter de la comedia al uso que se deduce del título español: bien alejada queda del canon de los títulos “La/El x de mi y”; ni la película trata de la hija, ni del amigo, ni de él, y probablemente, ni tan siquiera pueda etiquetarse como comedia. Y es que esta película es la contradicción materializada, y no es que eso sea malo, sino que en este caso, sencillamente, no termina de funcionar.

Partiendo del exquisito plantel de actores que constituyen los “padres”: Hugh Laurie, Catherine Keener, Allison Janney y Oliver Platt; verdadero sustento de la película (y la razón para verla), el argumento se construye en torno al cataclismo que supone que David (Hugh Laurie) y la hija pródiga (y única) de sus vecinos y amigos, Nina (Leighton Meester) se enamoren, rompiendo así el status quo de dos familias de un suburbio de clase media-alta de Estados Unidos de enormes casas de madera con jardín, amas de casa ociosas y maridos infantilizados, en el que todo parece de color de rosa, pero en el que la procesión va por dentro.

El planteamiento, la ruptura, es prometedor, no innovador, pero sí con buenas intenciones; no pretende ser moralizante (por desgracia termina siéndolo), y el tema principal del argumento es la búsqueda de la felicidad, o al menos de la autorrealización personal por encima de las convenciones sociales y cómo a veces es necesario romper con todo para empezar a construir con cimientos mejor fundados.
Aunque la acción es eficientemente narrada por Vanessa (la sólida Alia Shawkat), hija de David, y ex-amiga de Nina, la película va perdiendo ritmo conforme transcurren los minutos y empieza a hacer aguas pasada la primera mitad en un maremágnum de falta de acción en el que el principal problema es que no se muestra el supuesto amor que se profesan Nina y David. Si bien es cierto que salva la situación Hugh Laurie, aquí con el look de tierno y guapetón cincuentón en crisis, quien con una sola mirada puede decir mucho más de lo que esté escrito en el guión, la plana réplica de Meester deja bastante que desear; aunque lo más desconcertante es que no tienen escenas en las que se muestre ni convivencia, ni conversaciones en las que expresen “algo”, y no, ni una sola escena íntima, ni tan siquiera sugerida. Es cierto que la película sufrió un re-montaje para su estreno comercial tras su exhibición en el Festival de Toronto en 2011, y es sabido que se eliminaron ciertas escenas (entre ellas la escena de cama, todo sea dicho) que habían provocado ciertos comentarios negativos por parte de la audiencia (América...). Probablemente el montaje original era mejor, o quizá no, no lo sabemos, pero está claro que con éste todo queda en la superficie y difícilmente creíble. Tampoco se explora la relación con el resto de personajes pero, proporcionalmente, quedan mejor dibujadas (especialmente la relación de David con su hija, y con su amigo y padre de Nina) que la de los supuestos “protagonistas” y es que son excesivos los cortes de plano y los fundidos a negro que dejan demasiado trabajo al espectador para que construya la historia.

En definitiva, una película que se deja ver, sobre todo por el talento de los actores (aunque sea infrautilizado), que te hace reflexionar y alguna vez reír, que podía haber sido muy buena, pero que se quedó en el camino (o igual en la sala de montaje).

Lo mejor:
el trasfondo del argumento
la visión crítico-sarcástica de las festividades del American way of life
los ya citados actores: Laurie, Keener, Janney, Platt y Shawkat,
algunos diálogos punzantes,
las escenas más cómicas de la película.

Lo peor:
falta de profundidad en las tramas,
no se muestra ningún tipo de compromiso en la relación central, especialmente por parte de Nina (Meester mostraba más deseo hacia Laurie cuando apareció en un par de capítulos en la tercera temporada de House...),
el viaje a Atlantic City y la escena de la playa (¿en serio?)
montaje errático (con numerosos fallos de continuidad) y falta de ritmo,
desde demasiado pronto el espectador sabe cómo acabará todo,
el final de la película no es fiel al mensaje que ha ido vendiendo desde el minuto uno.