Film poderoso en su mensaje y en las sensaciones que transmiten sus protagonistas a través de un guión original que no destaca por ser complejo en la trama pero si en otros aspectos. Coppola profundiza en el interior de los personajes para mostrarnos sus necesidades, inquietudes, deseos, miedos a través de escenas muy bien rodadas y que, los grandes protagonistas, consiguen con sus buenas interpretaciones hacernos llegar todas esas sensaciones tan humanas que todos hemos sentido alguna vez. Posiblemente el desmesurado toque glamuroso burgués de sus protagonistas pueda resultar un poco esquivo pero el mensaje del film lo requiere.

Un hombre famoso, reconocido en su trabajo, con una buena situación económica y una familia estructurada se encuentra en el fondo perdido en su vida. La falta de nuevas motivación y nuevos retos hace que este echando a perder su carrera con trabajos que, aunque muy bien remunerados, no le hacen sentir realizado en su profesión como antes. En plena crisis de los 50 y pensando en comprarse un coche deportivo llega a Tokyo para grabar un anuncio de Whisky. Bill Murray (Bob Harris) interpreta al protagonista de forma magistral. No estamos ante una comedia pero en diferentes escenas el protagonista logra sacarnos más de una sonrisa, posiblemente sea un personaje que aunque interprete dramas siempre va a tener su sello cómico tan peculiar. Scarlett Johansson (Charlotte), una joven casada con un fotógrafo en pleno auge en su carrera, se encuentra perdida después de acabar sus estudios y no encuentra la motivación que necesita para ser feliz en su vida. La estancia temporal en Tokyo une a los personajes en sus respectivas ganas de escapar de la tristeza y apatía presente en sus vidas. Sus almas, sus encuentros y sus experiencias relacionándose con el ambiente (la ciudad de Tokyo) hacen el resto para mostrarnos un drama intimista que si te llega lo adoras, pero que si no lo hace te puede llegar a resultar un film insípido, con carencias de guion importantes y con un aire snob bastante indeseable. Pero como todo en la vida, cada persona es un mundo y le llegan cosas distintas y de distinta forma y manera.

El film es un homenaje a la figura de Scarlett, su apabullante belleza es obvia aunque no por ello no destacable, su naturalidad y encanto ante la cámara consiguen que te enamores totalmente de ella. Perdidos en sus vidas, perdidos en una ciudad que no conocen, perdidos en la traducción y perdidos en su mutua relación. ¿Son dos almas perdidas que se necesitan la una a la otra? ¿Sienten amor o simplemente necesidad el uno del otro para así no sentirse tan solos?

(Continua en SPOILER)

Este film son palabras mayores, una obra maestra de la expresividad. Es la historia de una mujer convertida en mártir. La obra está cargado de un alto simbolismo. La luz blanca se come el decorado, este es mínimo durante toda la cinta. El director se olvida de elementos externos y centro totalmente la atención del espectador en la expresividad de la protagonista. El film DOGVILLE es una variación post-moderna de Juana de Arco, una especie de antítesis. Historia clásica / biopic que nos retrata el momento del juicio a la figura clásica francesa de Juana de Arco que expulso a los ingleses de tierras francesas en nombre de Dios. Esta obra introduce elementos vanguardistas.

El director Carl Theodore Dreyer hizo libremente lo que le apetecía con métodos muy personales como la utilización de planos picados y contrapicados, rompiendo con el raccord, sin emparejamiento de miradas y rompe con ello con el uso de la narrativa clásica. Otro elemento que observamos claramente es la disolución del escenario a través de la luz que emana el personaje, el film está lleno de primeros planos para acceder al alma del personaje. El director nos obliga a concentrarnos en la emoción mediante la proximidad del rostro. La actriz escogida fue “Maria Falconetti” desconocida en cine hasta el momento pero con una experiencia teatral contrastada. Su objetivo era encontrar un rostro para explorar mediante la técnica de la EXPLORACION DEL ROSTRO, un recurso muy relacionado con las posteriores Vanguardias. Esta exploración viola el espacio escénico del teatro. Este film pertenece al género del “CINE SILENTE” sin música, muda, sin ningún tipo de sonido en la sala para posibilitar el ejercicio de introspección absoluto hacia el personaje y mostrar el padecimiento de la santa a través de sus rostros. El director corta el rostro de los personajes, realiza una composición descentrada con montajes en paralelo y una ambientación muy reducida con imágenes simbólicas para posibilitar que seamos incapaces de reconstruir el espacio global de la escena. Es un cine de INMERSION TOTAL donde no existe la relación causa-efecto y en donde con ello ponía en crisis el lenguaje clásico narrativo.

Carl Theodore Dreyer intento una aproximación religiosa de la vida pero escapando de la religiosidad. Realizaba ejercicios cinematográficos de introspección religiosa a través del misticismo a la fe. Buscaba una introspección de los personajes, quiere mostrar los sentimientos y el interior de los personajes y mostrar la angustia y la incomprensión del sometido que se enfrenta a la sociedad de la época. Mediante formas austeras y una composición muy pictórica vacía el encuadre de todo lo que no importe, dejan atrás el encuadre barroco. Su intención es que nos concentremos en los elementos esenciales, en los personajes y la luz que desprenden.

Precioso cuento de hadas que es capaz de enamorar a todos los públicos, te guste o no te guste el género de las comedias románticas Vacaciones en Roma es un título que todo el mundo debe de ver. William Wyler, el director, tiene el talento para ofrecernos mediante su correcto punto de vista del papel de los actores como del ambiente en el que se desarrolla la acción, casi 120 minutos de entretenimiento y belleza escenográfica. No es fácil conseguir atraer la atención del espectador pero Wyler nos encandila exprimiendo al máximo el encanto de mi diva preferida, la superlativa e icónica Audrey Hepburn. Como en toda comedia romántica, no puede faltar el “galán de turno” y este papel lo hace notablemente el gran actor americano Gregory Peck que complementa perfectamente a nuestra protagonista. Añadimos a esta pareja la ciudad de Roma como escenario de la acción y lo completamos con un guión atractivo (inspirado en el relato del escritor Dalton Trumbo) y el resultado de este “cocktail” es una de las mejores comedias románticas que he visto jamás. Sin duda, si queréis enseñar alguna vez a alguien como se puede hacer una comedia romántica fuera de los argumentos mediocres que invaden el mercado actual…este film es el ejemplo ideal para presentar el genero sin quedar retratado. Es un film que te gustara más o menos, pero gusta.

El argumento es simple pero no por ello deja de ser atractivo para el espectador, su simplicidad deja vía libre al público para relajarse y reservar sus 5 sentidos a la actuación de Audrey Hepburn. Nuestra protagonista encarna a la princesa de un pequeño país centroeuropeo llamada Ana. Durante su estancia en Roma vive encerrada en un mundo de compromisos institucionales y distintas obligaciones que le hacen sentir como si fuera una esclava. Poco a poco va sintiendo unas necesidades imperiosas de volar y sentirse libre como cualquier mortal sentiría en su lugar. La princesa envidia al ciudadano de a pié y envidia su libertad pero a la vez siempre es consciente de su papel, de su cargo, y de las responsabilidades que ello conlleva. Aún así, la princesa Ana decide escaparse para vivir unas jornadas fuera de aquella esclavitud y poder mostrarse como persona y como mujer libremente. Los días que pasa y las diferentes aventuras que vive junto con Joe (Gregory Peck) serán inolvidables para los dos y acercan el papel de la princesa al del pueblo. El director consigue mostrarnos que la princesa necesita reír, llorar y sentir como todo ciudadano del pueblo lo hace y que en el fondo las necesidades del alma de un ser humano no son tan diferentes por el hecho de pertenecer a una u otra clase social.

(Continúa en SPOILER)

Drama biográfico con buenos toques de humor galardonado con 4 Oscars en la edición de 2010. Este film nos retrata la historia del Duque de York y sus problemas para hablar en público de forma fluida. Al confirmarse su relevo como rey, tras la muerte de su padre y la renuncia por amor de su hermano, los problemas que se derivan de su tartamudez se incrementan ya que ello le imposibilita realizar los discursos ante su pueblo con la convicción y fuerza que todo rey debe otorgarles. El problema se incrementa cuando su pueblo entra en guerra con la Alemania de Hitler, la figura del rey se hace mas indispensable que nunca para tranquilizar a su pueblo…

Film basado en hechos reales y rodado con un ritmo narrativo muy atractivo y fluido. Contamos con Colin Firth como protagonista realizando una interpretación muy buena. Personalmente creo que el premio Oscar es un poco exagerado. Como secundario tenemos al gran actor australiano Geoofrey Roy Rush que realiza una interpretación estupenda caracterizando a un excéntrico logopeda que compagina estas labores con las de actor, en este caso con unos resultados bastante frustrantes a su pesar. El reparto lo completa la magnifica actriz Helena Bonham Carter que tiene un papel correcto dentro de las limitaciones de su personaje y del guión, pero con algunos diálogos realmente buenos. Personalmente, hubiera preferido el Oscar como secundario a Geoofrey Roy Rush.

El guión es sencillo pero pegadizo, por lo tanto correcto. La fotografía a cargo de Danny Cohen me parece bastante buena. El film con una extensión de metraje bastante correcta consigue transmitirnos diferentes sensaciones humanas, como lo es el pánico al ridículo, teniendo como protagonista a la figura social más alta del reino unido… su futuro rey. En aquellos momentos prácticamente 1/3 del planeta pertenecía al imperio británico, por lo tanto, la importancia representativa de este rey era realmente grande y más con la inminente guerra contra la Alemania de Hitler. Hay que resaltar elementos no visibles como grandes diálogos, momentos irónicos excelentes y un gran abanico de emociones presentados al espectador de manera muy vistosa y atractiva.

El resultado es un film divertido y a la misma vez emotivo. Pese a conseguir un resultado realmente estimulante para el espectador creo que estamos ante una de las películas mas sobrevaloradas de este pasado año. A mi gusto es una buena película… ¿Pero 4 Oscars? No sé, no sé…

¿Lo mejor? Su retrato biográfico y la forma en que transmite las sensaciones mas humanas de los personajes. La forma en que combina el humor y la emotividad, una formula muy atractiva. Geoofrey Roy Rush, me encanta el papel que interpreta.

¿Lo peor? La sencillez del guión, se hecha en falta más profundidad en los personajes y algún giro de guión que sorprenda…pueda resultar un tanto previsible en más de una ocasión.

Sin duda, el exitazo que Jaume Balagueró llevaba buscando hace años, la mejor y más completa película del citado director en donde consigue transmitirnos tensión y suspense como si del mejor Hitchcock se tratase. Con distancias notablemente aparentes entre ambos, el director consigue idear un thriller psicológico de nivel con una temática no demasiado original pero si muy bien puesta en escena.

Luis Tosar pone el resto con una interpretación para el recuerdo, sencillamente genial. El papel de siniestro portero de una comunidad de vecinos le viene como anillo al dedo y consigue transmitirnos la locura de un perturbado y la perspicacia y maestría de un psicópata calculador. Luis interpreta a un hombre llamado César que no puede ser feliz y que lo único que le reconforta es hacer el mal al prójimo para así calmar su odio hacia el mundo (y posiblemente hacia él mismo) por no encontrar forma de ser feliz. Bajo la piel de un simple portero nuestro protagonista tiene el escudo ideal para conocer al milímetro las vidas de sus vecinos y saber sus puntos débiles…nadie como él sabe dónde atacar para hacer daño. Su obsesión enfermiza se centra en una de sus vecinas llamada Clara. El papel de esta joven radiante y siempre llena de luz y de vida es interpretado correctamente por la guapísima Marta Etura (pareja en la vida real de Luis Tosar). Cesar tiene como confidente a su madre… enferma y postrada en una cama de hospital. La madre no menciona una palabra en todo el film, pero sus gestos y expresiones dejan claramente a la luz los sentimientos que tiene respecto a su hijo…miedo y vergüenza.

El ritmo narrativo está muy bien llevado y el director consigue crear un “in crescendo” durante todo el film. El elaborado guión nos esconde un fantástico final en donde los buenos parece que no siempre tienen las de ganar. El ingenio y meticulosidad organizativa del protagonista nos llevan de la mano durante todo el film manteniéndonos en plena tensión e intriga por el desenlace de la trama, el cual, no se ve a distancia y te mantiene atento en todo momento.

¿Lo mejor? Luis Tosar, brillante. La tensión e intriga que se generan durante todo el metraje. El final es excelente, buena forma de acabar un film sin recurrir al tópico. Algún momento de sangre bastante bueno, aunque escasos…realmente tampoco son necesarios.

¿Lo peor? Las escasas localizaciones en las que se mueve el rodaje y la falta de profundidad sobre el pasado del protagonista y principalmente por el motivo que le lleva a desarrollar esa personalidad tan perturbada. Le falta un poco de mala leche en alguna escena puntual.