Tras este formidable inicio, el relato cae un poco en los lugares comunes con una representación un tanto exotista de la madre del muchacho a quien Mike Milo va a rescatar por orden de su padre, que es viejo amigo de este. Por el contrario de aquella Ciudad de México muy cinematográfica en sus barrios bajos, llenos de peligro, de iluminación baja y luces rubescentes. Por otra parte, cuando ambos protagonistas se introducen a la aventura del camino recuerda en algunos momentos a la magistral A Perfect World de 1993, en esa mezcla entre road movie y persecución policiaca, muy presente en Cry Macho

En la película abunda una reemplazo e inversión de los diferentes elementos del western tradicionalmente establecidos; desde el auto siendo el nuevo medio de transporte de este oeste contemporáneo y no los caballos; hasta el papel femenino mas activo; en este caso la jefa de la organización criminal o aquella posadera amable, pero los cuatreros siempre estarán ahí para causar problemas y Eastwood da catedra una vez más de síntesis elíptica en el momento donde él y Rafo tienen que cruzar la inmensa carretera en bajo el agobiante sol del desierto mexicano.

Los mejores momentos de todo el film suceden en esos treinta y cinco minutos que se desarrollan en el pequeño poblado rural; Eastwood cambia radicalmente el tono con un tacto supremo, casi deteniendo el tiempo para la evolución de sus personajes, los confronta con una felicidad no conocida en mucho tiempo. Hay dos momentos de inmenso dramatismo en ese espacio temporal, primero el dialogo en la capilla un plano contraplano, pero Eastwood es inteligente ya que deja que sea su efigie cansada y voz temblorosa manifieste su pesar por sus errores del pasado además de contar sus tragedias. El segundo es cuando Mike le dice a Rafo la mentira de lo que le espera con su padre presentado un plano medio con la cara cubierta por la sombra de un toldo, evidenciando la mentira.

Pero nos estamos olvidando del personaje más importante de toda la película, el gallo Macho, usado como contraste en toda la tesis del director como recordatorio de una especie de fiereza y entereza hoy ausente en Mike, este con una perspectiva más racional, con todas las vivencias obtenidas a lo largo del inmenso viaje que es la vida en sí misma, ejemplo de esto es en la posada que Eastwood los hermana colocándolos en el mismo plano y Mike mirando aquel yo de un pasado que no lo representa más. Pero el director sabe que ese mismo pasado, aunque hayamos cambiado por el paso del tiempo, será parte de nosotros; muestra de ello es que Mike se queda con Macho para pasar el resto de su vida con aquella viuda que conoció en aquella posada bailando “Sabor a mi” encontrándose al final de su odisea un nuevo hogar, un nuevo rumbo para este vaquero solitario.

También se van cerrando los círculos de los personajes, en especial el de Asuka que poco a poco se va cuestionando su verdadera identidad y su naturaleza, pero ante todo aquel sentimiento que reside en lo más profundo de su fracturado corazón con simples gestos o actitudes en esta primera parte del metraje. Tras un montaje musical muy poco inspirado viene una secuencia notable, que desvela el segundo tema de la película que además es crucial en los momentos del clímax, que relación tenemos con nuestros progenitores y como estas nos influencian en la vida futura, señalando en un corto dialogo de Kensuke.

Tras las intensas secuencias de acción, llenas de pirotecnia, maniobras arriesgadas y lucimiento de las diversas técnicas animadas usadas, viene un tercer acto recargado de muchas lecturas, pero fascinante y definitivo según la visión que tiene Anno para cerrar su mítico relato. Shinji se sumerge junto a Mari en el anti universo, ella lamentablemente sigue sin tener un trasfondo que defina mejor su personaje sirviendo en esta cuarta entrega una vez más de motor narrativo solamente.

Shinji desea confrontar a su padre, lo busca incesantemente quizá para matarlo en términos Freudianos o entender su psique, por eso combaten simétricamente siendo un símil que somos casi idénticos a ellos en nuestro temperamento queramos o no, pero sucede algo que comentare en extenso al final de la reseña; tras eso viene el desmembramiento total de la realidad cuando Ikari acciona los mecanismos para producir un impacto que lo reúna por fin con su difunta esposa, Anno toma una decisión arriesgada al usar el CGI de manera cuestionable, quizá indicando que en esa secuencia la imposibilidad de la audiencia de definir ese fenómeno tal cual sus personajes lo están viviendo en ese momento, debido al cruce de realidades.

Pero a su vez el tercer acto es una declaración de arrepentimiento de Misato y Gendo hacia su progenie, estos siendo dejados de lado por la voluntad de sus padres de cambiar el orden de las cosas condenaron al casi abandono de sus hijos, Anno lo demuestra con dos escenas una más grafica que otra, el sacrificio de la comandante en el Wunder y el abrazo de Gendo hacia la proyección de un Shinji pequeño. Tras esto Gendo desciende del vagón, habiendo superado sus taras y encontrando verdaderamente a Yui no en sus infructuosos esfuerzos para revivirla sino en los ojos de su hijo.

Por último, manifestare que Anno hasta realiza un ejercicio de metacine debido a que todo lo que estamos viendo en ese tercer acto parece planeado por su mente creativa y siendo ejecutado en un plató de filmación diciéndole una vez a su audiencia que solo esto es una ficción y que los verdaderos problemas están en la calle, de manera como lo hizo en el capitulo final de la serie. En las despedidas Shinji no le dice adiós a su madre cuando la ve en la escena referencia de The End of Evangelion sino cuando se despide de Rei, superando su Edipo dándole un portazo y abriéndose camino a la madurez. Pero esta no llegará con las relaciones posesivas ni con aquellas que nos lastimen por eso también se despide de la alemana no ahorcándola sino dándole algo que ella necesita y que buscará a lo largo de su vida, un gesto de amor.

Ha sido un viaje largo, pero al final al igual que Shinji nos tenemos que abrir al mundo exterior con todas sus vicisitudes, complejidades y relaciones humanas; por eso al final vuelven una vez más las vías férreas para decidir nuestro propio rumbo en este nuevo mundo.

Esta es una película de descubrimiento, de apertura, de explorar nuevos horizontes para nuestra protagonista como en aquel primer contacto con el mar, donde igual que las crías de las tortugas Josee desea llegar a ese espacio de libertad como lo anhela dentro de su cubículo impregnado de ilustraciones alusivas a la inmensidad del océano. Pero también ella tal como las crías de los quelonios están expuestas a los peligros de ese nuevo mundo que exploran por primera vez, uno que no coincide con el ritmo de su forma de vida, como en la secuencia del tren. Pero también es un descubrimiento de otras personas y las relaciones con estas, es en esto que se acierta en la construcción de su personaje aportando matices a sus actitudes, como el porqué es arisca con todos en un principio hasta su apertura al amor y el romance además resolviendo con eficacia el director las secuencias de tensión sexual entre Tsuneo y Josee como aquella donde una lámpara de pescado ilumina el espacio.

Es en ese segundo acto donde suceden las cosas más interesantes tanto a nivel visual como narrativo, desde la visita al zoológico en otoño, donde el duelo mortal se da entre las miradas de una temerosa Josee y el tigre, siendo este la representación de las vicisitudes de este amplio mundo que la protagonista debe enfrentar, pero no estará sola en este viaje ya que en un plano detalle se muestra sujetando el antebrazo de aquel muchacho que empieza a conocer; como aquella sirena que necesita de ese ángel protector en la narración final frente a los niños. Tras la muerte de la abuela es Josee quien sufre un cambio radical en su personalidad y junto a ella la puesta en escena; lo primero en su corte de cabello y lo segundo en la frialdad del invierno manifestado en las claves de la iluminación.

Quizá en su tercer acto se ven recién las costuras de la historia, especialmente en el tratamiento del trio amoroso y la muchacha en concordia, pero antes de la secuencia en la casa en pleno atardecer donde se quiebra un poco el melodrama sucede una secuencia notable. Tsuneo está en plena recuperación y Mai lo acompaña en un recorrido en las afueras del hospital, sucede lo que menciono en un inicio, que en esta película los personajes esperan la respuesta para maximizar la emoción con los detalles que brinda la escala de planos, en este caso la composición es de un primer plano a los ojos del muchacho mientras la chica desborda sus sentimientos casi cubriendo con su cuerpo el resto de la pantalla pero sin ver su rostro; ante la inesperada confusión el muchacho queda sorprendido y la chica comienza a llorar en el respaldar de la silla de ruedas, terminando con dos planos bien seleccionados, uno general con ella llorando casi arrodillada con un trazo de sombras, simbolizando que él no la corresponde y llora justo en la silla porque esto es símbolo de lo inalcanzable para ella o sea el sentimiento de Tsuneo a Josee. Por otra parte, ella termina en un plano muy corto de ella con sus lágrimas.

Después de eso se vuelve más convencional la película en las secuencias de la recuperación del deuteragonista con un innecesario montaje musical que quita de la inmersión. Llegamos al clímax de la historia donde ambos deciden no rendirse en sus aspiraciones, la secuencia del cuento, bien elaborada culmina el desarrollo narrativo y emocional de Tsuneo. Pero el director aún aguarda una sorpresa en el final, Josee se pierde en un frio invierno, confronta por última vez al tigre, lo mira desafiante, sabiendo que ya esta lista para salir a este amplio mundo y establecer relaciones como pasa en el final con Tsuneo. Siendo esta una nueva Josee, una capaz de mirar y proyectarse un futuro tal como lo demuestra demoliendo su antiguo hogar dando paso al prometedor mañana.

Personalmente me gustaron los créditos contándonos la historia de amor de los padres de Kokone