Gran thriller policíaco a cargo del director Bong Joon-ho que roza la maestría con un estilo único. A diferencia de otros filmes del mismo género, los policías aciertan poco y fallan mucho, lo cual le confiere más verosimilitud a la trama convirtiéndola en un experimento consumado, supeditado a las múltiples interpretaciones que se nos van ofreciendo. Los policías, casi caracterizados como los perfectos antihéroes, y los sospechosos realizan unas interpretaciones prodigiosas, siendo dotados de alma propia y diferenciándose perfectamente unos de otros.

En cuanto a los elementos compositivos de la trama, me ha parecido muy interesante la utilización de la lluvia como un elemento tenebroso que produce desasogiego, a espera de la aparición del asesino. La lluvia como símbolo de muerte y crueldad, de inquietud y melancolía. Así como, destaca la elegancia y fotografía de los parajes bajo la luna. También elegante es la argumentación, la coherencia de las escenas trazadas, ya que una vez que entras en el juego no sales hasta el minuto final. Todo hilado con un hondo intimismo tan característico del cine asiático que no te deja ni respirar.

Como colofón, contrasta enormemente ese toque sutil de humor negro con el que se inicia la película y ese final puramente trágico, descorazonador y crudo.

Una obra maravillosa que se queda grabada en la retina.

La primera vez que vi esta película, hace la friolera ya de casi 5 años, fue en la Facultad cuando nuestro profesor de Cine y Literatura, ahora conocido por ser el presidente de la Real Academia Española, nos la puso y nos dijo: ''En esta obra se concentra el cine, podréis ver películas con más trama, con más efectos especiales y con más moraleja, pero nunca veréis algo como esto. Porque son este tipo de películas lo que hacen del cine el arte que es hoy en día''. Cinco años después vuelvo a verla y tengo que darle la razón al Señor Villanueva. Puede que no sea la película más entretenida de la historia, pero sin las lecciones cinematográficas de Serguéi Eisenstein, muchos de los filmes más trascendentales en la actualidad serían impensables.

Uno de los elementos más importantes con los que Eisenstein contribuyó al cine, fue su técnica con respecto al montaje al combinar los planos con total maestría y la inclinación de la cámara a la hora de filmar para enfatizar ciertos episodios. Terminó desarrollando su propia teoría a este respecto, y esa investigación sirvió de base para diversos directores de Hollywood.

Quizá una de las imágenes más famosas del cine sea la escena de la matanza de los ciudadanos de Odesa, formada por 170 planos con un tempo a ralentí que convierte a la masa humana en la protagonista absoluta. La fotografía de este suceso es simplemente sublime, descarnada y brutal. Una de las cosas que más llaman la atención en la carga contra los ciudadanos de Odesa, es que los soldados no tienen cara, únicamente poseen sus armas y tienen boca. Detalle que nos induce a pensar que estamos ante una deshumanización de los soldados, mostrando solo los elementos más feroces o amenazantes. En cambio, las víctimas sí tienen rostro, otorgándosele así el protagonismo completo en la situación, dejando claro quiénes son ''los buenos'' y quiénes ''los malos'', quiénes las víctimas y quiénes los verdugos.

El objetivo de los filmes del director ruso está claro. Todas sus obras, y esta en especial, se centran en la denuncia y la crítica social de la Rusia gobernada por los Zares. De este modo, 'El acorazado Potemkin' representa la magnificación de la figura de las masas y las causas colectivas contra el poder opresivo y las injusticias sociales. Tomando un caso real como fue este amotinamiento en 1905 por parte de los marineros del acorazado Potemkin, a causa de las infrahumanas condiciones en las que vivían, el director hace alarde de su técnica de una forma magistral para lanzar sus dardos envenenados al sistema zarista, convirtiéndolo en un símbolo absoluto de la revolución.

No deja de ser un filme extremadamente propagandístico a la hora de legitimar ideológicamente ciertos regímenes políticos, representando al individuo como un ser esclavo de los poderosos que decide romper sus cadenas y tomar su libertad cueste lo que cueste. Pero lo que sí es cierto es que ha marcado un antes y después en la historia de la cinematografía.

Una joyita del cine mudo que todo cinéfilo debería ver, al menos, una vez en la vida.

Steve McQueen nos sumerge en un filme, a priori, incómodo. Es una película provocadora, perturbadora, visceral y cruda, pero también refleja cierto lirismo o poesía al retratar el descenso a los infiernos de los personajes.

Nos ofrece ni más ni menos que la representación de una enfermedad que imposibilita a Brandon entablar cualquier tipo de relación afectiva con otro ser humano. Esta adicción le lleva a relacionarse con mujeres de todo tipo, pero le incapacita a amar, o a sentirse amado por otra persona que no sea su hermana. Es un personaje muy complejo, pero con unos matices brutales. Es un antihéroe, por supuesto, un hombre de éxito con una vida envidiada por muchos que, de pronto, comienza a desmoronarse, su máscara de 'vida perfecta' se cae a pedazos a sus pies, dejando paso a un alma torturada, un hombre avergonzado, un ser vacío, hueco y autodestructivo que es dirigido y gobernado por esa 'compulsión' que le ofrece una vía de escape, a la par que le regala un intenso sentimiento de soledad que no es capaz de manejar.

Lo interesante que nos plantea el filme no es la enfermedad en sí, sino el hecho que la originó, el trauma que convirtió a ambos hermanos en seres disfuncionales que intentan cubrir sus carencias de la mejor forma posible, puede que no la mejor, pero al menos sí la única que ellos conocen. Por tanto, Brandon pasa de ser un antihéroe bíblico, a una víctima de sus impulsos y de situaciones que le han privado de cierto control en su vida.

Michael Fassbender nos lleva de la mano a dar un paseo por el 'lado oscuro' de la adicción sexual, con total naturalidad y frescura. Y también decide regalarnos, en mi opinión, un peliculón más profundo de lo que parece a simple vista.

''Irreversible'' es la canción de la (auto)destrucción.

¿Alguna vez habéis sentido dolor viendo una película? No me refiero a un dolor emocional provocado por la angustia de las situaciones trazadas (que también), hablo más de un dolor que se te instala en las tripas para, posteriormente, alojarse en tu estómago provocándote una intensa sensación de desasosiego. Pues bien, esto es lo que he sentido durante 10 minutos. Esos 10 minutos que a todos se os habrán quedado grabados en la retina. Dolor emocional y físico, un suplicio difícilmente soportado.

La cámara marea de forma intencional, es tan solo un reflejo de las personalidades de los protagonistas, enfrascados en esa espiral de venganza que los conduce al desvarío, a la irracionalidad. La cámara es el instrumento que Gaspar Noé utiliza para mostrarnos la compulsión, la ira, el desenfreno, la venganza, la brutalidad y finalmente la locura de los justicieros. Toda esta violencia contrasta con las escenas finales, de una ternura encantadora.

Las interpretaciones de los actores son auténticamente magistrales, pero la de Mónica Bellucci es de escándalo.