“Los juegos del hambre”, dirigida por Gary Ross y estrenada el año 2012, fue una película por la que yo no daba un duro en vista de ese aire a saga literaria romántica tipo “Crepúsculo” y que tanto se lleva hoy en día, si bien me interesaba su línea argumental, cual “Perseguido” (1987) o “La cabaña en el bosque” (2012), en la que los protagonistas se ven envueltos en un juego de supervivencia televisado y diseñado por una dictadura que se ha hecho con el control del mundo.

Pues bueno, hará unos días que visioné dicha cinta y he de decir que me encontré con una película que me gustó bastante y que me dejó con ganas de ver esta nueva secuela.

Y esto fue así gracias con un acabado técnico exquisito (vestuario, maquillaje, efectos especiales, etc..), un argumento que te engancha de principio a fin, y gracias a esa mezcla de caras frescas y jóvenes (Jennifer Lawrence, Josh Hutcherson o Liam Hemsworth), que no son sólo rostros sin alma (véase la saga de Catherine Hardwicke), junto a otros actores más veteranos y reconocibles (Woodie Harrelson, Lenny Kravitz o Donald Sutherland).

Si bien es cierto que esa primera película tiene sus admiradores y detractores, yo he de decir que recomiendo su visionado para que cada uno saque sus propias conclusiones

Para esta segunda parte, “Los juegos del hambre: En llamas”, se ha optado por reemplazar al director de la primera cinta por un Francis Lawrence, al cual conocemos por películas tales como “Soy Leyenda“, “Constantine” o “Agua para elefantes“, y que también se encargará de dirigir las dos siguientes secuelas (“The hunger games : Mockingjay I y II“).

Podría pensarse que el cambio en la dirección afectaría a la calidad final y que nos encontraríamos ante una secuela que no estuviera al nivel de la primera o que nada más buscara la recaudación en taquilla, si bien esto no ha ocurrido al tener un film que está a su mismo nivel, por no decir que en ciertos tramos supera a lo realizado por Gary Ross.

La historia, de la que no quiero contar demasiado para evitar “spoilear” su argumento, se adentra y profundiza en el sistema dictatorial reinante en el entorno en el que viven los protagonistas, a la vez que lo complementa con su inherente toque romántico y de acción.

Y es que se agradece que se busque algo más que una mezcla de acción y romance, con el típico trío amoroso de jóvenes protagonistas que tanto atrae a l@s adolescentes y no tan adolescentes a las salas de cine, pues ello conlleva que la película tenga mucho más empaque a nivel argumental y que pueda ser disfrutada por un mayor número de espectadores.

Gracias a ese mayor enfoque de lucha contra el sistema dictatorial conseguimos que actores como Donald Sutherland, Woodie Harrelson o Elisabeth Banks tengan una mayor presencia en pantalla gracias a una mayor profundidad en sus personajes y gracias a la inclusión en la coctelera del siempre fantástico Philip Seymour Hoffman.

Es cierto que el film arranca mejor que acaba, toda vez que el comienzo y el nudo de la película tienen más frescura e interés que el hecho de volver a ver a los protagonistas en un juego de supervivencia que, a mi juicio, no tiene la misma fuerza respecto al que vimos en la primera película.

Jennifer Lawrence, siempre guapísima, acompañada del tierno y rubiete Josh Hutcherson, siguen estando perfectos en sus roles, si bien quisiera destacar las brillantes apariciones del personaje de Effie (Elisabeth Banks), quien consigue atraer la atención de todo espectador con una interpretación a lo Jack Sparrow de “Piratas del caribe”, y que está adornada con un maquillaje, vestuario y peinados verdaderamente fascinantes.

Como digo, “Los juegos del hambre : En llamas” es una película que cumple con lo prometido, que está al mismo nivel que la primera, que da aún más cancha a actores que en aquella estaban muy desaprovechados, y que te hará volver al cine para ver la tercera y cuarta parte.

Lo mejor: Jennifer Lawrence, Josh Hutcherson, el mayor peso de Donald Sutherland, el brillante y genial personaje de Effie (Elisabeth banks), el buen trato argumental y el acabado técnico (diseño de producción, la banda sonora de James Newton Howard, etc…).

Lo peor: Que el tramo final de la cinta no sea tan atractivo como su comienzo y que las escenas de acción no tengan la misma fuerza dramática respecto a lo que pudimos vivir en la primera película.

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“Thor“, aquella película dirigida por Keneth Branagh, siempre me ha parecido un producto muy correcto, muy disfrutable y con un genial, guapo, gracioso y carismático Chris Hemworth, el cual encarnaba de manera perfecta al mítico héroe de los cómics de la Marvel.

No es que fuera una obra maestra, o que estuviera a la altura del primer “Iron Man” del año 2008 (sigue siendo la mejor película de la Marvel hasta la fecha), pero cumplió de forma muy acertada en su labor de presentar al protagonista.

Tras las calamitosas “Iron Man 2“, “Iron Man 3”, y la muy disfrutable pero sobrevalorada “Avengers”, el productor Kevin Feige nos trae esta secuela del “Dios del Trueno“, que sirve como uno de los anticipos para “Avengers 2”.

El film, que ya no cuenta con la dirección de Keneth Branagh (sustituido por Alan Taylor) es una nueva prueba del maltrato que se está ocasionando a mitos como “Iron Man” o el propio “Thor”, pues la película es tan o más infumable que el subproducto que Shane Black ideo para ”Iron Man 3“.

Haciendo uso de un batiburrillo de cosas vistas en cientos de películas recientes (incluida la propia “Avengers“), con unos enemigos que podrían ser una perfecta fusión entre Klingons y Kriptonianos de “Man of steel”, el film parece más una segunda parte de “Campo de batalla: la tierra” que una digna secuela de la primera película de Branagh.

Si al pobre argumento, con inexplicable ausencia de Shield u otros Vengadores, le unimos el insaciable gusto de la Marvel y Disney por incluir escenas cómicas, innecesarias y destinadas a un público infantil o adolescente (todas esas escenas de la colega científica con el becario, niños tirando objetos al agujero interdimensional, el noviete chistoso o el desayuno con Krispies a lo escena post créditos de “Avengers“) pues terminamos encontrando un producto que se hunde en el fango con el paso de los minutos, pese a que Chris Hemworth o Tom Hiddleston hagan lo que puedan para salvar los muebles.

Por no hablar de un villano carente de presencia, unos secundarios infrautilizados (todos los colegas de Thor, en especial la chica) y un Anthony Hopkins que parece salido de Mission Imposible 2 (aquí también tenemos otra épica frase o, más bien , chaladura dialéctica).

Hizo bien Keneth Branagh al no ser partícipe de las mamarrachadas del productor Kevin Feige y la Marvel, pues hubiera manchado aquella buena película del año 2011.

Ni siquiera en el plano técnico o visual resulta más vistosa que lo visto en la primera película, pues el Asgard de esta “Thor 2” luce bastante peor que lo que se veía en aquella y por no hablar de un 3D que oscurece en demasía la imagen del film y que no aporta demasiado a una historia de lo más aburrida y soporÍfera.

Tampoco ayuda el cambio en el compositor de la banda sonora, Patrick Doyle por Brian Tyler, pues lo único que han conseguido es que el personaje de Thor aún no tenga un tema propio por el que pueda ser recordado; por no hablar de todos esos tracks que Tyler usa para las escenas cómicas y que serán como un taladro para tus oídos.

En resumen, un nuevo ejemplo de cómo arruinar el buen arranque cinematográfico de un superhéroe.

Lo mejor: Que el Loki, a lo Joker de “Thor 2” se parezca más al de la primera película y menos respecto al mamarracho de “Avengers”. el trailer de “El capitán América 2”

Lo peor: Dirección, argumento, escenas cómicas de pegote, actores desaprovechados y que Kevin Feige siga al mando de las películas sobre personajes de la Marvel.

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George Clooney produce, coescribe, dirige y protagoniza esta película, basada en hechos reales, en la que se nos cuenta como el personaje de Frank Stokes (Clooney) decide formar un grupo de entendidos en pintura y arquitectura al objeto de recuperar diversas obras pictóricas y escultóricas que el ejercito nazi había hecho suyas durante la Segunda Guerra Mundial.

Poniendo cara a los diversos especialistas en la materia tenemos a actores de la talla de Matt Damon (“El indomable Will Hunting“, “El ultimátum de Bourne“), Bill Murray (“Cazafantasmas“, “Atrapado en el tiempo“), John Goodman (“El gran Lebowski“, “The Artist“), Jean Dujardin (“The Artist“, “El lobo de Wall Street“), Bob Balaban, Dimitri Leonidas o Hugh Bonneville; sin obviar que junto a todos ellos también nos encontraremos con la reciente ganadora del Oscar a mejor actriz, Cate Blanchett.

Clooney, que en su día triunfó tras las cámaras con “Buenas noches, y buena suerte“, se da de bruces con esta fallida producción en la que ha tratado de fusionar aspectos ya disfrutados en cintas como “Ocean´s Eleven“, “Salvar al soldado Ryan” o “Malditos Bastardos“.

“The Monuments Men” toma de “Ocean´s Eleven” el concepto de comedia en la que el protagonista junta a diversos amiguetes (volvemos a encontrarnos a Matt Damon), cada uno especialista en lo suyo y cada uno con su peculiar personalidad, y ello mezclado con una trama en la que los protagonistas se jugarán sus propias vidas para traer de vuelta a determinada pintura o escultura en mitad de la Segunda Guerra Mundial, siendo este último punto una clara similitud con lo que Steven Spielberg ya nos ofreció en “Salvar al soldado Ryan“, cinta en la que también teníamos a Matt Damon.

Y si bien esta mezcla pudiera haber dado un magnífico resultado, en vista de que aquellas dos películas cosecharon muchísimo éxito por separado, en el caso de “The Monuments Men” no ha sido así, ya que esta lamentable producción perpetrada por George Clooney peca de una completa indefinición a la hora de situarse entre una comedia sin gracia y un drama de lo más rancio.

A mi juicio la cinta no funciona ni como comedia ni como drama, pues muchas de las escenas en las que Bill Murray o John Goodman tratan de sacarnos una sonrisa están incorporadas a la trama como pequeños”sketches”, sin nada de gracia y que parecen metidos con calzador.

Tampoco funciona a nivel dramático en vista de que muchas escenas que tendrían que habernos emocionado, como puede ser la muerte de alguno de los protagonistas, están presentadas o expuestas de una manera muy ridícula o que directamente rozan la comedia.

Su indefinición, su falta de gracia en las escenas cómicas y su falta de “punch” en las escenas dramáticas, hacen de esta película un producto de lo más decepcionante en virtud de los buenos mimbres con los que contaba George Clooney y que, muy posiblemente, pasará al olvido una vez se enciendan las luces de nuestra sala de cine.

Como digo, es una lástima que este director/actor no haya logrado cohesionar la presencia de un elenco de actores de primer nivel y que ya querrían otros directores para sus películas, con un brillante diseño de producción, un perfecto vestuario, una acertada fotografía y maravillosas localizaciones que nos trasportarán directamente a esos últimos años de la Segunda Guerra Mundial.

Tampoco puedo destacar la labor de ninguno de los actores, en vista de que todos ellos forman parte del engranaje de este subproducto cinematográfico, si bien considero que la culpa no es tanto de los actores y sí del horrendo guión firmado por Clooney y Grant Heslov.

Y si bien la cinta, como ya he dicho, es un fracaso estrepitoso en varios de sus puntos más importantes (guión y actores), también habría que decir que George Clooney parece haber llegado a algún lamentable y reprochable acuerdo de financiación con grandes compañías tabacaleras, ya que los asquerosos cigarrillos hacen acto de presencia durante el 90% del tiempo que dura esta película, llegando a ser el motor de diversas “set pieces” o “sketches”.

En resumidas cuentas, un film anodino, que desaprovecha sus buenos ingredientes, que fracasa tanto en la vertiente cómica como en su aspecto dramático y que, para más inri, se atreve a hacer una apología del consumo del tabaco, !!! Que asco !!!.

Lo mejor: Ambientación y vestuario.
Lo peor: Todo lo demás (guión, actores, etc…).

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A lo largo de los años he visto diferentes y variadas películas con argumentación carcelaria, llegando a estar una de ellas (“Cadena Perpetua”) entre las cinco mejores películas que yo haya disfrutado en mi vida, por no hablar de otras que rayan al mismo nivel y que también me cautivaron, véase “La fuga de Alcatraz” o “La milla verde”.

Sylvester Stallone, que ya protagonizara films ambientados en prisiones y que yo considero de lo mejor de su filmografía, aquella “Encerrado” de finales de los ochenta y, en menor medida, “Tango & Cash“, se une a Arnold Schwarzeneger, ese otro mito del cine de acción que volvió a la gran pantalla con un pequeño papel en “Los Mercenarios” o ya de cabeza de cartel en la más reciente “El último desafío”, en esta historia que nos presenta al personaje de Ryan Breslin, un experto en descubrir los puntos débiles de las cárceles supuestamente más seguras que puedan existir, al que se le ofrece el reto de poner a prueba un nuevo tipo de cárcel que promete ser lo último en seguridad, si bien pronto descubrirá que lo que parecía un simple juego se ha convertido en una trampa en la que tendrá que poner todos sus sentidos para escapar con vida.

He comenzado mi "review" de "Plan de escape" mencionando que existen magníficas películas de corte carcelario, y otras que simplemente podría definir como muy entretenidas, con lo que sólo me queda exponer dónde sitúo este film dirigido por Mikael Håfström (“1408”) y con guión de Miles Chapman y Jason Keller.

“Plan de escape”, siendo directo y claro, es un PESTIÑO INSOPORTABLE, y un producto donde Sylvester Stallone y Arnold Schwarzeneger lo único que consiguen es perder una buena oportunidad de juntarlos en pantalla de la mejor de las maneras.

El guión es absurdo, fantasioso hasta decir basta y en el que buenos actores como Sam Neill (“Parque Jurásico” o “Horizonte final”) o Jim Caviziel (“La pasión o “Frequency”) hacen el payaso durante sus casi dos horas de duración.

Es cierto que en su arranque yo he creído astisbar un film entretenido y que prometía ser una especie de mezcla entre “Mission Impossible” (Tom Cruise por Stallone y a Ving Rhames por el rapero 50 cent) y “La fuga de Alcatraz“; pero no ha sido así y con el paso de los minutos he ido cayendo en los brazos de Morfeo en vista de las continuas absurdeces y despropósitos interpretativos que he podido contemplar una vez que el protagonista es trasladado a esa prisión que podría acoger a personajes como Magneto.

En definitiva, si creíais que con la unión del dúo formado por Stallone y Arnold ya estaba todo conseguido y que gracias a ello podríamos saborear nuestras palomitas con regusto a cine ochentero, lamento deciros que no ha sido así y que posiblemente os aburráis durante su interminable visionado.

Lo mejor: El comienzo y poder ver a Arnold Schwarzeneger sin tintes capilares.
Lo peor: Que sea tan mala o peor que "Fortaleza infernal", o que el pelo implantado de Stallone.

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