Michael Curtiz ya había comenzado a labrarse un nombre en el Hollywood clásico a tenor de sus exitosas colaboraciones con el gran Errol Flynn (“El capitán Blood”, “La carga de la brigada ligera”…) , con esta “Kid Galahad” pone de manifiesto todas sus características y deja patente lo que vendría después, una dirección firme pero con grandes momentos de espacio para el desarrollo de los personajes, una historia si bien tópica y manida contada de una forma entretenida y totalmente cautivadora, un estudio de caracteres y situaciones prodigiosa y un dominio del tempo narrativo como pocos se han visto en la historia del cine.

El film ni pretende innovar ni intenta dar más de lo que se puede esperar de él, cine negro con trama pugilística de por medio y final redentor.

Nick Donati es un promotor con pocos escrúpulos que tiene más vínculos de los necesarios con los bajos fondos y la mafia (interpretado por uno de los imprescindibles del séptimo arte: Edward G. Robinson, un actor que se sabe mover entre grises mejor que nadie), junto a él su compañera, amante y confidente Fluff, la única que consigue que tenga los pies en el suelo (Bette Davis es la encargada de darle vida al personaje, a aquellos que opinan que la Davis fue siempre “difícil de mirar” o que tenía más pinta de besugo que de actriz, que se hagan un favor y le echen un vistazo, crea un personaje muy humano, sensual y por qué no decirlo, tremendamente atractivo), consiguen conocer a un camarero en una fiesta (atención a esta escena, purito cine clásico) Ward (Wayne Morris, actor de cuerpo apolíneo y posteriormente, héroe de guerra en la II GM) al que apadrinar y así emprender una nueva carrera como púgil de los pesos pesados.

Por supuesto todo se complica con una trama amorosa que no aporta mucho más que incidir en el clásico trío de conflictos amorosos y la participación del gangster Turkey Morgan (interpretado por Bogart, como siempre, haciendo de Bogart, lo cual no es malo en absoluto) que quiere amañar el combate final entre su pupilo y Kid Galahad.

Buena peli de cine clásico con toques de boxeo, algo de cine negro y una historia de personajes más que humanos.

Con “Maverick” asistimos a una de las más insistentes modas de Hollywood cuando parece que se agota el manantial de las buenas historias, la adaptación de una serie de éxito de tv. En este caso se trata de la homónima de 1957 con James Garner como uno de los protagonistas del show.

A los mandos se encuentra Richard Donner, director proveniente del mundillo televisivo y con tirón comercial por aquel entonces (entre otras sus éxitos han sido auténticos taquillazos del calibre de “La Profecía”, “Superman”, “Su juguete preferido”, “Lady Halcón”, “Los Goonies”, la saga “Arma Letal” al completo, “Los fantasmas atacan al jefe”…) lo cual otorga al producto cierto hálito de calidad y buen sentido del ritmo.

Los papeles principales están reservados para superestrellas del momento de la talla de Mel Gibson (en su momento estelar en la meca del cine), como el canalla y pendenciero jugador de cartas Bret Maverick y Jodie Foster (sensual y guapísima) como Annabelle Bransford, una ladrona con unos métodos ciertamente curiosos. El tercer eje del triángulo lo completa el propio James Garner (otrora galán de rompe y rasga en Hollywood y protagonista de la versión televisiva).

El resto de actores no desmerece en absoluto, Graham Greene (como el jefe indio Joseph), Alfred Molina (histriónico y bastante desacertado como el español Ángel) y James Coburn (como el comodoro Duvall) demostrando que el carisma y la presencia no es cuestión de edades.

Un aparte se merecen los guiños y cameos, la mayoría de actores que ya han trabajado con el director como son los casos de Corey Feldman, Margot Kidder, Waylon Jennings y la desternillante escena con un desacreditado Danny Glover.

Aunque la película ha envejecido bastante mal, se deja ver y proporciona lo que se espera de ella, entretenimiento frugal, cine con tendencias clásicas y un divertimento honesto y simpático con una trama ciertamente aprovechable (ladrones, mesas de póker, timadores y un giro especial que a buen seguro dejará con la boca abierta a más de un espectador).

Un acierto del artesano Donner.

Con "Héroes" hemos tenido un acercamiento al mundo del comic (en concreto el mundo superheróico del tebeo), si eres un consumado lector pijamero, como es mi caso, esta serie está repleta de lugares comunes y dejes fácilmente reconocibles.

Aquí nos encontramos con personas en principio comunes que poseen habilidades extraordinarias que hacen que sean un peligro potencial o la salvación de la humanidad.

La historia se va desarrollando ofreciéndonos diferentes personajes de todo el mundo con poderes totalmente distintos siendo los principales protagonistas Hayden Panettiere (como la regenerativa e invulnerable animadora Claire Bennett), Jack Coleman (como Noah Bennett, padre adoptivo de la anterior y el único personaje principal sin poderes, pero no por ello menos peligroso), Milo Ventimiglia (como Peter Petrelli, o la imagen del héroe con pies de barro y con dudas existenciales), Zachary Quinto (el nuevo Spock es Sylar un asesino despiadado y totalmente sociópata que se hace más poderoso al robar los poderes, y eliminando por el camino, a toda persona especial que se cruce con él) y el corazón y elemento cómico-escapista de la serie: Masi Oka (Hiro, maestro del tiempo y del espacio).

La primera temporada comienza de manera trepidante y consigue enganchar al espectador, sin embargo la historia se va enmadejando y acaba en un tiro al vacío de proporciones casi cósmicas, el resto de temporadas va decreciendo el interés, al usar a personajes que después eliminan sin dar explicaciones o narrar acontecimientos que no tienen ningún sentido (sí, incluso para una serie en la que un congresista puede volar).

Si ponemos un poco de atención observamos que detrás de todo esto se encuentra Jeph Loeb a quien sin duda conocerán los seguidores de los comics Marvel-DC, y es que estamos hablando de un guionista superventas pero que en más de una ocasión te deja con cara de tonto, por lo que la explicación se nos presenta, podríamos decir, en bandeja de plata.

"Héroes" fue una buena serie de superhéroes (la primera que obtuvo un éxito masivo en todo el mundo) que podía haber logrado más altas cotas de calidad si no se hubiera enredado en muchas ocasiones en subtramas totalmente prescindibles, con personajes bastante carismáticos (unos más que otros, que a Peter Petrelli le acabas cogiendo tirria) y es una pena que se decidiese su cierre en la finalización de su cuarta temporada por falta de presupuesto (era una serie muy cara y la audiencia caía en picado) dejando inconclusa una nueva temporada que estaba por venir.

Un quiero pero no puedo evidente.

Buster Keaton es un genio del séptimo arte. Cualquier otra afirmación al respecto sobra.

Como tal, esta película se convierte a ojos del espectador en una de las joyas del cine mudo, en ella Keaton une dos de sus filias más marcadas en su carrera, el amor por el cine (no deja de ser un film dentro de otro, el proyeccionista y Sherlock Holmes Jr.) y su cariñoso homenaje al mundo detectivesco, del que la creación de Arthur Conan Doyle es el máximo exponente aún hoy en día.

En "El moderno Sherlock Holmes" nos encontramos una serie de gags visuales clásicos marca de la casa, amén de una serie de imágenes icónicas que ya son historia en el mundo del cine y en nuestras retinas. A lo largo del metraje Buster Keaton se nos muestra como un acróbata insuperable, poniéndose en situaciones más comprometidas cada vez y a la vez en un más que digno vehículo de emociones humanas.

Más allá de compararlo con el otro genio del cine mudo (Mr. Chaplin) creo que a Keaton es apropiado disfrutarlo como se merece, aplaudiendo el desenfrenado espectáculo del que nos hace partícipes en una sucesión sin fin de momentos memorables.

Genio y figura.

Creo que no me equivoco si afirmo que cuando terminas de ver “The Office” te sientes (parcialmente) huérfano, se crea un vacío existencial donde se anhela humor, personajes carismáticos e historias absurdas, pero con cierto trasfondo de realismo cotidiano. Deberíamos estar profundamente agradecidos a Greg Daniels por habernos brindado tantos buenos momentos.

La evolución lógica de cualquier fan es acercarse a su siguiente creación “Parks and Recreation”, con cierto reparo y respeto, pero con la esperanza de que si bien no nos encontremos con los perfectos sustitutos sí que podamos llenar un poquito ese hueco abismal que nos dejaron Michael Scott y su troupe de locos.

El formato es muy similar (por no decir idéntico), se trata de un Mockumentary (o falso documental, perdón por el anglicismo señor Reverte) donde se siguen las andanzas de un grupo de funcionarios que se encargan de los parques públicos de una pequeña ciudad de Indiana. Hasta aquí todo suena apasionante, claro que la sinopsis de “The Office” tampoco se vendería por sí misma.

La primera temporada comienza dubitativa, trata de presentar a los personajes y nos da pistas sobre su caracteres y personalidad, pero no profundiza demasiado en ellos ni proporciona grandes momentos para el recuerdo. A partir de la mitad de la segunda temporada es cuando la cosa se descontrola totalmente y la serie muta en una arrebatadora maquinaria de humor sin freno, escenas, situaciones y personajes que harán las delicias de cualquier seguidor de “The Office” pero desde su propio prisma personal, otorgando una identidad propia bien definida y ciertamente con más diferencias que similitudes con su predecesora.

Un punto común a muchas de las críticas que he leído sobre “Parks” es que sus personajes son adorables, que no te importaría casarte con todos ellos, y me encantaría poder suscribir dicha tesis pero con ciertas reticencias, destacan la fuerza de la naturaleza Leslie Knope (una genial Amy Poehler), un personaje comprometido, responsable, desquiciado, metomentodo, sabionda y tan patético como adorable; Ron Swanson (Nick Offerman) uno de los mejores personajes de la comedia televisiva de la historia y sobran las palabras, anarquista, antigobiernos, artesano de la madera, cazador y bebedor de whisky compulsivo; Andy Dwyer (que elevó al gran Chris Pratt) un chaval sin personalidad, un niño grande, infantiloide y estúpido pero con un corazón que es oro puro y April Ludgate (Aubrey Plaza) comienza siendo una becaria gótica y asocial, cuya máxima aspiración es no trabajar y desearle el mal ajeno al resto de la humanidad y acaba siendo prácticamente lo mismo pero en versión más adulta y comprometida con sus creencias (y casada con Andy formando una pajera de alivio cómico fuera de toda duda).

En la zona gris contaríamos con Ann Perkins (Rashida Jones) y Ben Wyatt (Adam Scott), personajes que funcionan como bisagra en muchas de las tramas de la serie pero que tienen un peso ciertamente notable en el desarrollo de las tramas, a destacar el hiperenérgico, deportista e hipocondriaco Chris Traeger (Rob Lowe recién salido de “El lado oeste…”).

Finalmente hay una serie de personajes (y este punto la diferencia bastante de “The Office”) que realmente no despiertan gran simpatía, si acaso indiferencia en el mejor de los casos o directamente aburrimiento en otros, me refiero a Donna Meagle (Retta), Jerry Gergich (Jim O'Heir) quien sufre una especie de bullying, en mi opinión no muy gracioso, durante toda la serie (aunque al final redimen al personaje con creces) y destacando negativamente Tom Haverford (Aziz Ansari) personaje histriónico, despótico, trepa, irresponsable y pasadísimo de vueltas que eleva sus cotas de rechazo cuando aparece con los insufribles hermanos Jean-Ralphio y Mona Lisa, aunque se supone que ese es el contrapunto que tiene que ofrecer el personaje tengo que reconocer que al final de la serie me dieron ganas de pasar en fast forward todas sus apariciones.

Una más que digna heredera de “The Office”, tremenda divertida, graciosa y con algunos personajes que son oro puro.