El doctor Louis Creed (un competente Jason Clarke) y su familia, compuesta por su mujer Racher (Amy Seimetz) y dos hijos, un niño muy pequeño y una niña algo más mayor, se mudan a una espaciosa casa en un apartado barrio de la pequeña población en Maine. Más allá de su jardín, e incluido en su terreno, se encuentro un extenso, inquietante y muy visitado cementerio de mascotas. La familia Creed y su vecino Jud Crandall (John Lithgow) están rodeados de unas mágicas tierras con indeseables habilidades. Terror clásico de entidades sobrenaturales: familias aquejadas por tragedias y de pasados lacerantes, amenazas tenebrosas y la fina línea entre la vida y la muerte. Película que funciona por su lograda atmósfera sobrenatural de maleficio y su diseño de producción, enseñando escenarios naturales que imponen en estampas grises y nubladas, de colores expresivos. Si bien es un mérito heredado, el argumento es ciertamente atractivo, y la película hace bien en poner esto en el foco de atención. Jason Clarke se entrega como protagonista, y el resto del reparto se implica a nivel dramático. Una producción que da lo que promete y, no lo neguemos tampoco, logra que sigamos el visionado sin que decaiga el interés.

Si no dispusiéramos de la referencia del libro base, las personalidades e interacciones de los personajes quedan pobremente planteadas y desarrolladas, de modo que nunca nos implicamos con ellos ni creemos sus motivaciones, que cercanas al desenlace se muestran forzadas y escasas en lógica. Más allá del mal cuerpo y la curiosidad, nunca sentimos demasiado miedo debido al pobre imaginario visual de las amenazas presentadas y la poca creatividad con la que se ejecutan (algunos momentos de representación visual del mal, bien por sus gestos o bien por su relación con clichés genéricos, abrazan la comedia involuntaria). Lo que, sin embargo, más decepciona es la clamorosa falta de personalidad de la película, que bien podría haber sido dirigida por cualquiera, realizada de una manera muy poco interesante. Y si bien deja fríos a los ajenos, decepcionará a los puristas Kinguianos por la desviación en la segunda mitad. Una película demasiado familiar, que se confunde con tantas de sus primas y se queda corta a la hora de ofrecer elementos que la hagan destacar.

Turbia, modesta y utilitaria, Cementerio de animales satisfará a los amantes del terror pero dejará hambrientos a quién busque más sustancia.

Alain (elegante y ácido Guillaume Canet) es un burgués del mundo editorial parisino que especula con que su empresa se pase plenamente a la edición digital de e-books. Uno de sus escritores habituales, Léonard (entregado Vincent Macaigne, le desespera con sus autoficciones, siendo la última un manuscrito que desea no publicar. La mujer de Alain, la actriz Selena (Juliette Binoche, en su siempre acertada línea) no ve el momento de abandonar su papel en una serie policial por la que es muy aplaudida. La novia de Léonard, Valérie (carismática Nora Hamzawi) , no da abasto con su rutina de estrés entre smartphones gestionando la agenda de un político. Y Laure (Christa Theret), asesora digital de Alain, desea abrirse camino en la industria con instinto depredador. Estos cinco personajes se enredaran en un tramado de dobles vidas, de ficciones literarias e infidelidades amorosas. Una comedia de enredos cultural cuasi esnob. Romances sobre la creación y el mundo literario. Filme hablado hasta el extremo. Producción de relaciones cruzadas al estilo de Woody Allen, pero más cruda en tono y maliciosa en ironía y constante tono cortante de unos personajes que no se dan tregua entre ellos. Assayas da espacio a los actores para que saquen partido al texto, y tanto ellos se lucen como un libreto lleno de diálogos ricos que redondean escenas muy disfrutables. Y una idea, la de vida doble como álter egos en las auto-ficciones literarias y como relaciones amorosas infieles, interesante. Cine clásico, de maneras sobrias y una aproximación sencilla, tanto que sus carencias se justifican por la nobleza de la propuesta.

Visualmente la película, que consta de un ya atípico granulado propio de celuloide, presenta poco interés, y las pocas veces que opta por el dinamismo o recurre a un estilo más vibrante de cámara en mano no enriquece tampoco el aspecto plástico, acorde no obstante al tono de la cinta. Una cinta en la que la verborrea y el discurso editorial carga con facilidad, pues se insiste y recalcan los conceptos por encima de la trama. Unos debates, por otra parte, tremendamente manidos y conocidos, prácticamente la superficie de la edición digital de la que todos llevamos dialogando desde hace años. Sin una evolución atractiva de las subtramas ni un cierre poderoso, este relato se sigue sin que decaiga la atención pero la implicación sensorial siempre es leve, y lo que nos ofrece en el plano intelectual no es tan rico como para elevar la experiencia.

Perspicaz, clásica y burguesa, Dobles vidas es el Assayas más accesible y divertido, pero también el menos sugerente.

Earl Stone (un carismático Eastwood) es un horticultor anciano y gruñón. Su desapego emocional y preferencia constante por su oficio le ha dejado sólo, pues su familia le da de lado, y laboralmente se encuentra en una situación precaria. Cuando un muchacho con el que coincide en la fiesta de prometida de su nieta le ofrezca la posibilidad de ganar mucho dinero de manera fácil con un trabajo obtuso, Earl aceptará estoico aferrado al volante de su camioneta, transformándose en pocos meses en la Mula más eficaz de los carteles Mexicanos de la zona. Mientras tanto, Stone se reconciliará con su pasado. Un estudio de personaje melancólico y reflexivo, aderezado con toques de humor muy agradecidos. Un ejemplo más de cine clásico bien entendido, de narración apoyada en la imagen y de los relatos apoyados en personajes sin alardes de artificio (los cuales, tampoco lo negaré, suelen seducirme). Buen guión, que da recorrido y calado emocional y dramático a lo que bien podría haberse quedado en anécdota. Eastwood hace un muy buen trabajo en la interpretación, rebosando carisma y carácter dentro del registro al que nos tiene acostumbrados. Grata sorpresa en la Banda sonora de Arturo Sandoval, cuyo jazz aporta un tono de elegancia y sobriedad al relato que da ritmo y sienta como un guante. Obra de tempo bien manejado, que visionamos sin que nuestro interés decaiga ni un instante. Una película que trata temas dramáticos sin cargar las tintas, se acerca al mundo de la droga sin necesitar ser escabroso y aligera con humor sin soltar chistecitos malos de continuo. Una película, en definitiva, netamente bien construida.

Su gran virtud es, al mismo tiempo, su más notoria debilidad: su acomodamiento y falta de ambición. Al no ser claramente su prioridad, el retrato de los mafiosos torna superficial, cercano al tópico. Más allá de Stone no llegamos a empatizar ni a conocer en profundidad al resto de personajes (y al que conocemos más, su ex-mujer, lo pone difícil para posicionarnos de su lado). Es una película de ostentosa nobleza, pero de relativa grandeza, pues sus logros emocionales son innegables pero de calado mediano. Y cuando echemos la vista atrás para enumerar las obras maestras de Eatswood, será complicado que Mula sea mencionada.

Serena, optimista y poética, Mula es una película pequeña y sin aparatosidades pero llena de sentimiento y nobleza, atesorando la sabiduría de un experto narrador.

1886. Vincent Van Gogh (excelente Willem Dafoe), el pintor holandés impresionista, se muda a París, a formar parte del ambiente en ebullición de la vanguardia artística, dónde entabla amistad con Paul Gauguin (Oscar Isaac). Sus días se desenvolverán entre miseria y soledad, hasta que sea recluido en el psiquiátrico de Auvers. En este período crepuscular pintará muchas de sus obras maestras, denostadas en vida. Una película más sobre el atormentado holandés, y una nueva mirada a sus últimos años de desesperanza y dolor. Pero que, sin embargo, no se presenta como el típico biopic. No pretende volver a contarnos de nuevo la vida de Vincent. Partiendo de la presunción de que ya la conocemos, se afana en hacer un retrato psicológico de Van Gogh como humano atormentado en lugar de como icono o símbolo. Por ende, tenemos ante nosotros una película íntima y reflexiva, con la que llegamos a conectar en el plano emocional. Todo ello es posible gracias a su núcleo: Willem Dafoe, que hace un trabajo extraordinario. Hermosa banda sonora también de Tatiana Lisovskaia, que eleva muchas escenas. Y en cuanto a fotografía la película logra atractivos momentos cromáticos, reproduciendo en imágenes de carne y hueso las texturas de un cuadro de Van Gogh. Una película que ha recibido un criticismo exagerado, y que si bien no es una gran película sí que es una experiencia recomendable para aficionados al actor e interesados en películas alejadas de la convención.

Nada nubla y desvía la mirada de otro excelente trabajo de Dafoe, pero es ingenuo negar que el resto del filme, aunque netamente atractivo, no está a la altura. El resto de personajes están pobremente desarrollados, y si bien hay una lograda hondura dramática el filme, realmente, se mueve por terrenos familiares Vincentianos y no aporta cosas nuevas al imaginario. El ritmo de la película es pesado, y la irregularidad de este al combinar secuencias logradas con otras insípidas logra un conjunto abrupto, entrecortado. Y en lo que a realización se refiere, hay momentos de cámaras en mano o encuadres aberrados que nos dejan descolocados y desconcertados. Una película, sí, que se desinfla en su ecuador y que le falta armonía que aporte coherencia y la haga realmente un gran producto al que deseemos volver.

Melancólica, ambiciosa y discontinua, Van Gogh, a las puertas de la eternidad es un acercamiento atractivo y diferente a la figura del artista que se queda a medio camino de lo que podría ser.