*Homicidio a gran escala

Uno de los atrayentes de The Flight Attendant, es la diversidad de localizaciones donde se ha llegado a rodar; Bangkok, Nueva York y Roma, para ser más exactos. Es algo que llega a ser entendible, al tratarse de una serie sobre una azafata de vuelo. Aun así, es un componente de la serie que lo destaca de primeras, ya que pocas series de este estilo, se han llevado a cabo en los últimos años. Esta internacionalidad de escenarios, también genera una sensación en el espectador de estar abordo de un avión, en el que cualquier cosa puede suceder y nada llega a ser lo que parece.

The Flight Attendant mezcla distintos géneros como el policial, el thriller psicológico e incluso el de la comedia negra. Uno no tiene muy claro la propuesta con la que parte la serie, más allá de mantenerse en un tono narrativo, donde la locura más histriónica se abre paso. Incluso la manera en la que está rodada, deja dudas del resultado final que se estaba buscando por parte del creador y los productores; a ratos parece una serie que juega con elementos de cine independiente y por otro lado parece la típica serie sobre un crimen, que cuenta con una inmensa producción detrás.

*Hablemos de Kaley Cuoco

Kaley Cuoco ha demostrado ser una actriz muy talentosa, dentro del género de la comedia (Penny, su icónico personaje en la sitcom The Big Bang Theory dio fe de ello), pero había dudas de cómo iba a encajar en una serie dramática como The Flight Attendant. Al comienzo de la trama, le da la sensación a uno de estar viendo el mismo personaje que el que llegó a interpretar en la aclamada sitcom; mujer atractiva con una vida llena de excesos y aventuras locas. Aunque en esta serie, la actriz llega a ofrecer un papel algo más exagerado, que por momentos se nota forzado y poco creíble para el espectador.

No obstante, a medida que va transcurriendo la trama, vamos cambiando poco a poco la percepción inicial que teníamos hacia su personaje y tu interpretación. El personaje de Cassie Bowden, es más complejo de lo que a priori nos puede parecer. Vamos viendo distintas capas del personaje, que llegan a revelarse a través de distintos flashbacks; con un uso de los flashbacks muy ingenioso e interesante. Por lo que al final, acabas sintiendo empatía por aquella mujer, que a simple vista parecía ser un superfluo cumulo de desfases.

*Un montaje la mar de interesante

El montaje que presenta esta serie, es uno de los elementos que más llaman la atención de ella. Un uso bastante chulo de la pantalla partida, durante varios tramos de la serie. Aunque lo que más llega a fascinar, es como a través del montaje consigue que nos sintamos dentro de la mente de Cassie. La paranoia y la inestabilidad que está experimentando, se traslada al espectador en una forma muy visual. En muchas ocasiones haciendo uso de un montaje picado, la serie nos inunda en esa espiral de locura y desvarió constante de la protagonista; un elemento que la diferencia, de otras series con dinámicas similares.

Muchas veces el personaje de Cassie vuelve a la escena del crimen por unos segundos para charlar con el hombre que fue asesinado o simplemente mantienen una conversación sobre algo que esté pasando en el tiempo presente de la trama; hay que tener en cuenta, que el personaje que interpreta Michiel Huisman, es asesinado en el primer capítulo de la serie y acaba siendo de los personajes que más salen dentro de ella.

No solo es cuestión de cómo está estructurado el montaje, sino también como está construida la serie narrativamente. The Flight Attendant le da mucho peso al personaje de Cassie y de todo los elementos que conforman su personalidad. Su alcoholismo, sus traumas del pasado, su adicción al sexo… Todo ello hace que su personaje, vaya creciendo a cada capítulo y que nos vayamos interesando más y más sobre la vida interior de esta mujer.

*Conclusión

The Flight Attendant es una serie histriónica y llena de momentos de locura máxima. Una serie que gira en torno a un homicidio, pero que acaba mezclando distintos géneros, haciendo de ella una de las series más particulares de este final de año. Una serie muy de 2020, que consigue mantenerte enganchado a lo largo de sus ocho capítulos. Los elementos más destacables de ella son su ambicioso montaje y la construcción narrativa que ofrece. El personaje de Kaley Cuoco al igual que su interpretación, acaban satisfaciendo las expectativas de los fans y los no tan fans de la actriz.

Escrito por Daniel Jiménez

Puntuación: 7,5

*La vida es para los fuertes

Tomando una historia de Hughes como punto de partida, Daniele Sebastian Wiedenhaupt debuta como guionista con este cuento de transición a la madurez. El protagonista es un joven que se ve incapaz de ser el hombre fuerte y valiente del que su padre se sentiría orgulloso. Sin embargo, obligado a enfrentarse a sus miedos y a situaciones de extremo peligro, descubrirá que por sus venas corre la sangre de un futuro líder.

Kodi Smit-McPhee encarna al joven Keda con sutileza. El actor, con ninguna línea de diálogo en la primera parte de la película, convence desde el primer minuto en su papel de joven temeroso e inseguro. A medida que su personaje crece, y también lo hace su voz, la interpretación de Smit-McPhee cobra más energía.

Chuck, el perro lobo que pasa de ser enemigo a compañero de viaje, es el otro protagonista de Alpha. Con asombrosa credibilidad, Hughes consigue trasladar a la pantalla la relación que Chuck entabló con su compañero de rodaje tras cuatro intensos meses de entrenamiento. Es justamente esta relación tan cercana entre los personajes lo que aleja a Alpha de otras películas similares.

*Ritmo

La película arranca con fuerza. Conocemos a la tribu, sus costumbres y rituales. Les vemos luchar, sobrevivir y morir. Cuando se establece un vínculo de unión entre Keda y Alpha, esa fuerza se intensifica.

Sin embargo, una vez que da comienzo el viaje de vuelta a casa, las escenas de peligro se suceden como si se estuvieran tachando de una lista de elementos que han de estar presentes en toda película de aventuras. Es entonces cuando el hilo conductor entre las escenas de tensión se hace más y más fino y la historia parece no avanzar.

*Imagen

Rodada en California, Islandia y, principalmente, en Canadá, Hughes hace de la naturaleza el tercer personaje principal de Alpha. Gracias a la magnífica labor del director de fotografía Martin Gschlacht (“Goodnight Mommy”), nos adentramos con facilidad en una inverosímil historia alejada en el tiempo. Los paisajes y entornos naturales con los que nos deleita Alpha son dignos de la mejor sala de cine. Acompañados de una música envolvente, es difícil no sentir asombro ante los sublimes planos que plagan la cinta.

Dicho esto, la primera parte de Alpha recuerda mucho a la mítica “300”. Las imágenes y el montaje de ciertas escenas parecen inspirados en la innovadora película dirigida por Zack Snyder. No es hasta que la odisea de Keda da comienzo que Alpha consigue encontrar un estilo propio, dejando atrás los alardes de grandeza de los que hace gala en el viaje inicial.

*Conclusión

Alpha es una película para disfrutar en la gran pantalla. La belleza de las imágenes, la historia de amistad entre Keda y Alpha, las aventuras que los hacen más fuertes… Todos estos elementos conforman una historia épica que conmueve, asombra y, ante todo, entretiene.

Escrito por Esther Alvarado
https://cinemagavia.es/alpha-pelicula-critica/

De vez en cuando podemos asistir a la introducción de ciertos artefactos que cambian la configuración de la realidad. La película de Ari Aster podría ser uno de estos sospechosos artefactos. Sembrando una discordia entre cierta casposa crítica cinematográfica y aquellos cinéfagos consumidores de las mal llamadas películas de género. La película se sitúa en medio de un debate que hace tiempo debería haberse acabado: el de la validez del cine de terror. En primer lugar resulta agotador apelar a la calidad y validez de las cintas de género.

El terror se sustenta en la propia validez de éste y su capacidad catártica ¿Podemos negar qué el terror es una emoción configurantes de nuestra personalidad? Por otro lado, desde algunos sectores de la crítica especializada se ha intentando deshinchar este hype creado por la canónica: quesireferenciasporaquí, quesiestosehahechoya, quenoesparatanto… es decir una defensa del género que equivocadamente ataca a la notable cinta.

Cuesta hablar de todas las partes que componen el rompecabezas de Hereditary. Durante las dos horas de metraje el director juega con el género y la trama: ¿es un drama, una película de casas encantadas, una película sobre la locura, qué es? Esto hace que se la película se convierta en una herramienta de doble filo. Pese a que desde mi óptica personal la película fluya adecuadamente y apenas note los tumbos, esta cualidad puede sacar a algún que otro espectador de la película. Hereditary derrocha una energía desbordante, Aster quiere contar muchas cosas en el metraje no siempre con un buen resultado.

El propio título del film nos da una gran pista de la temática tratada. Y es que la cuestión de la herencia es el eje principal de la trama. Tenemos la óptica de la herencia como una maldición inexorable, casi biológica. Una temática heredada de la tradición gótica que se actualiza ágilmente. Parece que la demencia de la anciana fallecida es heredada por el personaje de Annie, una herencia que puede dañar a su descendencia.

Entre la llamada trilogía de “La Continuidad de la Sangre” del actor brasileño José Mojica Marins y la versión ficcionada de “El Desencanto” se mueve Hereditary. Como en una novela de Zola, nos preguntamos si Annie será capaz de escapar de su herencia.

Uno de los grandes aciertos del artefacto es la construcción de un increíble mundo personal. Annie se dedica a hacer esculturas en miniatura de escenas cotidianas. Miniaturas que replican la casa de la película y escenas que complementan el pasado de la familia. Jugando así con la idea de que nuestros personajes son solo los juguetes de una casa de muñecas. Los extraños ídolos creados por Charlie nos transporta a una realidad oscura vertiente de Svankmajer. El artífice de este diseño artístico se debe a Steve Newburn que trabajó también en “Team América” y en la serie de “12 Monos”.

En último lugar hay que destacar la gran elección de la casa. Tanto su localización en medio de la nada como su diseño. Un diseño que funciona como laberinto y con el que Aster juega continuamente durante la película.

La magia está presente en Hereditary. Si analizamos la película nos damos cuenta que la película esta llena de rituales. Rituales que configuran y sustentan una realidad. Rituales que deben ser destruidos a través de la magia. La magia entendida al modo de Austin Ospare como una voluntad de cambio. Los protagonistas son incapaces de salir de una ritualística automática salvo en los desmesurados momentos dramáticos.

Un drama hiperbolizado y sarcástico representado por una cabeza desmembrada. Una cabeza decapitada como la de San Juan Bautista. Una decapitación precedida del ritual: voluntad, poste eléctrico, coche, envenenamiento, la droga, la tablet, el cine mudo y la noche. Rituales que intentan cambiar otros rituales, magia y tecnología. Este artefacto muestra más de lo que parece.

Cómo hemos mencionado al principio de la reseña, es inabarcable tratar la totalidad de Hereditary. Temas como la interpretación de los actores, el tratamiento del drama y el terror… van a quedar relegados a cualquiera de las miles de reseñas escritas. Hemos preferido hablar de otra visión o interpretación de la película. Una visión que se podría resumir en que Hereditary nos ha flipao.

Escrito por David Dominguez Martínez
https://cinemagavia.es/hereditary-pelicula-critica-ari-aster/

*Cuestión de poder

La verdad es que es de celebrar que películas como Pleasure salgan a la luz, ya no tanto por la calidad final del film, sino más bien por los temas que aborda tan abiertamente. Es aún más de agradecer, cuando son gente de la propia industria pornográfica estadounidense, los que participan en este proyecto; visibilizando de esa forma, la parte menos amable y totalmente normalizada de la industria.

La cinta comienza con un espíritu algo naif, que enseguida acaba estallando a la protagonista; es decir, el film parte desde esa ingenuidad que mucha gente comparte en relación al cine porno. Una vez transcurrido ese arranque, la película es como una bola de cruda realidad que se va haciendo más y más grande para la protagonista. No obstante y esto es un punto a favor del film, todo está llevado con mucha sutileza, sin caer en ningún momento en un tono frívolo o pueril. Está tan bien llevada, que la incomodidad que va incrementándose en el sentir de Bella, como en el del espectador que está asistiendo a ello, se consigue trasmitir sin hacer uso del histrionismo.

Una de las cuestiones que aborda Pleasure, tiene que ver con el abuso de poder; un abuso de poder propio del heteropatriarcado, en el que las mujeres tienen que ser las sumisas y las frágiles. Esto se llega a exponer con mayor agudeza, que con la simpleza con la que la estoy reflejando en esta crítica, demostrando la gran determinación y conocimiento de causa con la que ha realizado este film Ninja Thyberg.

*Cultura de la violación

El tema en el que más se hace hincapié en Pleasure, es probablemente el más delicado de todos ellos. En un primer momento, nos lo presentan como los sacrificios a los que debe de hacer frente una joven para convertirse en una actriz porno de renombre, pero al final lo que está evidenciando la película es la normalización de la cultura de la violación dentro de la industria.

Pese a contar con un consentimiento previo, Pleasure refleja un sistema de trabajo poco sano de la industria, donde las mujeres no pueden sentirse en ningún momento protegidas. Se amparan en dar la libertad absoluta a las mujeres que quieren dedicarse al porno de decidir qué hacer y que no, pero solo son aquellas que están dispuestas a realizar las prácticas sexuales más extremas, las que acaban por convertirse en estrellas de la industria; es decir, la industria del cine porno en Estados Unidos está construida de un modo, en el que se acaba explotando a la mujer prometiéndola que va a ir escalando y haciéndose más popular.

En ese sentido, hay escenas bastante incomodas y poco gratas de ver, que evidencian y denuncian esta parte de la industria; algo que como he dicho antes, viene impulsado por los propios actores y actrices de la industria. Viendo la mayoría del elenco de Pleasure, uno se da cuenta de que casi todos son actores que se dedican al mundo del porno y que han querido participar en este largometraje.

*¿Qué clase de contenido para adultos consumimos?

Otra cosa que se aborda y también de manera muy inteligente en el film, es sobre el tipo de contenido para adultos que se demanda. Pleasure muestra sin miramientos, como no hay límites dentro de la industria, aún si ese contenido supone humillar a la mujer sistemáticamente. Hay que aclarar, que la película refleja el cine porno más comercial o mainstream; luego dentro de este mundo, habrá productoras más independientes, que apuesten por un contenido diferente.

Desgraciadamente y se lleva a ver en muchas escenas de Pleasure, el cine porno más comercial ofrece un contenido que prácticamente alienta a la cultura de la violación; literalmente, se recrean violaciones a mujeres en este tipo de webs para adultos. Por lo cual, encuentro este film como una gran reflexión en torno a la industria porno, muy sagaz y que se le muestra al espectador sin contemplaciones.

Lo que deja a uno algo frio de la película, es el ritmo narrativo que tiene; siendo este muy pausado, haciendo que la cinta se haga algo pesada en algunos tramos. Luego las interpretaciones si es verdad que no son estelares, pero también es entendible al no contar prácticamente con actores de cine convencional. Tampoco es un aspecto al que criticar con dureza, ya que se cumple dignamente con el cometido interpretativo que asume todo el cast.

*Conclusión

Pleasure es una cinta inteligente, valiente y comprometida, que muestra sin ningún tipo de miramientos la parte menos amable de la industria del cine porno norteamericano. Una película que aborda varios temas con mucha brillantez, como son el abuso de poder que aún existe dentro de la industria del entretenimiento para adultos , la explotación de la mujer por el propio sistema heteropatriarcal en el porno y sobre el tipo de cine para adultos que la mayoría llega a consumir. No destaca por sus interpretaciones ni por su ritmo narrativo, pero es una cinta que en líneas generales encandila y convence, a partes iguales.

Escrito por Daniel Jimenez

*Una premisa original y muy divertida

Amor de madre comienza por el final de muchas comedias románticas. Sin destripar nada, José Luis (Quim Gutiérrez) es abandonado en el altar por su novia. En una secuencia inicial muy disparatada que acaba con la chica huyendo en un coche vintage. Así que compuesto y sin novia, José Luis tendrá que afrontar otro problema. Desde hace tiempo tiene pagada una luna de miel de ensueño a la isla Mauricio. Unas vacaciones que no le reembolsarán y que su madre, Mari Carmen (Carmen Machi), se ofrecerá a disfrutar con él. En lo que para José Luis será, en principio, una situación aún más humillante.

Porque Mari Carmen desde el principio está decidida a disfrutar al máximo de lo que es una nueva experiencia para ella. Y es que la pobre Mari Carmen apenas ha gozado de unas vacaciones en sus años como esposa y madre. Por lo que ahora no quiere perderse absolutamente nada de estos días en Mauricio. Da igual si su hijo está todo el día de morros o si el hotel está únicamente plagado de felices parejas de recién casados. Ella quiere disfrutar y en todo momento encarna a la perfección la mentalidad del principiante. Siempre asombrada por todo lo bonito que le repara el resort en el que se alojan. Dispuesta a probarlo todo y a llenar su mente de nuevas vivencias.

*Disfrutando como nunca

Siendo Amor de madre una comedia con un cargado espíritu hedonista. Una historia que promueve las ganas de vivir, poniendo su foco en la madre del novio. Un personaje que no siempre tiene tanta presencia, pero que aquí se descubre como la auténtica protagonista. En un intento de romper con lo establecido, para que los valores y tradiciones dejen de pesar tanto en nuestras espaldas. Dando cabida a otros tipos de amor que difieren mucho del prototípico amor romántico. Y quitando mucho peso a las cosas, en un intento de celebrar la vida. Evitando que el pasado borre a nuestro presente, eliminando con ello todo lo bonito que se nos presenta ante nuestros ojos.

A la vez que se articula como un relato de autodescubrimiento, siempre con mucho humor, claro. Primero en la forma de una especie de relato iniciático. Con Mari Carmen descubriendo los daiquiris y una divertida vida nocturna. En la que habrá cabida para un primer porro y un tonteo con un supuesto fotógrafo. Situaciones que para sorpresa de José Luis su madre tendrá mucho más controladas de lo que él imagina. Y después, el propio José Luis vivirá una autoconciencia que le llevará a retomar su vida. Desde la madurez y la autonomía. Siendo consciente de que ya no hay cabida para más remiendos.

*¡Qué buena actriz es Carmen Machi!

Aunque sin la presencia de Carmen Machi posiblemente Amor de madre no sería lo mismo. Desde que la vemos en ese banquete de boda frustrado, recriminando a su hijo muchos de los gastos inútiles que ha cometido. El espectador se da cuenta que el papel de Mari Carmen encaja como un guante en la piel de la Machi. Primero como madre pesada, siempre detrás de su hijo, capaz de untarle la cara de crema protectora. Para mutar en un alma liberada que quiere vivir con mayúsculas. Y a su lado, un Quim Gutiérrez que parece dominar a la perfección las situaciones de vergüenza ajena. Muy convincente en el papel de chico aburrido y protestón que aprenderá a valorar a la mujer de su vida.

En lo que resulta una experiencia cinematográfica muy honesta. La película da lo que promete, siendo capaz de atraer al espectador desde su original premisa. Con una historia divertida, de un humor afable y sencillo, que además goza de unas localizaciones atractivas. Siempre muy refrescante e ideal para pasar un buen rato y olvidarse de tinieblas, dramas y traiciones. Es cierto que en ocasiones abusa un poco de secuencias muy de spot publicitario o videoclip. Pero una vez has entrado en el ecosistema de la película, estos detalles se asumen como parte de la misma.

*Conclusión

En definitiva, Amor de madre es una buena opción para disfrutar de una historia divertida y entrañable. La historia de un tipo gris que es abandonado en el altar, para después pasar su luna de miel en Mauricio con su madre. En lo que resulta una premisa muy original, protagonizada de forma absolutamente brillante por Carmen Machi y Quim Gutiérrez. Una Carmen Machi que encaja a las mil maravillas en su personaje y regala algunos grandes momentos. En una película muy fiel a sí misma y que cumple con creces aquello que uno espera de una comedia. Alejada del humor chabacano y facilón que en ocasiones predomina en las comedias españolas. Sin duda una propuesta para pasar un buen rato, tarea casi siempre infravalorada.

Escrito por Laura Tabuyo Acosta