*Una premisa original y muy divertida

Amor de madre comienza por el final de muchas comedias románticas. Sin destripar nada, José Luis (Quim Gutiérrez) es abandonado en el altar por su novia. En una secuencia inicial muy disparatada que acaba con la chica huyendo en un coche vintage. Así que compuesto y sin novia, José Luis tendrá que afrontar otro problema. Desde hace tiempo tiene pagada una luna de miel de ensueño a la isla Mauricio. Unas vacaciones que no le reembolsarán y que su madre, Mari Carmen (Carmen Machi), se ofrecerá a disfrutar con él. En lo que para José Luis será, en principio, una situación aún más humillante.

Porque Mari Carmen desde el principio está decidida a disfrutar al máximo de lo que es una nueva experiencia para ella. Y es que la pobre Mari Carmen apenas ha gozado de unas vacaciones en sus años como esposa y madre. Por lo que ahora no quiere perderse absolutamente nada de estos días en Mauricio. Da igual si su hijo está todo el día de morros o si el hotel está únicamente plagado de felices parejas de recién casados. Ella quiere disfrutar y en todo momento encarna a la perfección la mentalidad del principiante. Siempre asombrada por todo lo bonito que le repara el resort en el que se alojan. Dispuesta a probarlo todo y a llenar su mente de nuevas vivencias.

*Disfrutando como nunca

Siendo Amor de madre una comedia con un cargado espíritu hedonista. Una historia que promueve las ganas de vivir, poniendo su foco en la madre del novio. Un personaje que no siempre tiene tanta presencia, pero que aquí se descubre como la auténtica protagonista. En un intento de romper con lo establecido, para que los valores y tradiciones dejen de pesar tanto en nuestras espaldas. Dando cabida a otros tipos de amor que difieren mucho del prototípico amor romántico. Y quitando mucho peso a las cosas, en un intento de celebrar la vida. Evitando que el pasado borre a nuestro presente, eliminando con ello todo lo bonito que se nos presenta ante nuestros ojos.

A la vez que se articula como un relato de autodescubrimiento, siempre con mucho humor, claro. Primero en la forma de una especie de relato iniciático. Con Mari Carmen descubriendo los daiquiris y una divertida vida nocturna. En la que habrá cabida para un primer porro y un tonteo con un supuesto fotógrafo. Situaciones que para sorpresa de José Luis su madre tendrá mucho más controladas de lo que él imagina. Y después, el propio José Luis vivirá una autoconciencia que le llevará a retomar su vida. Desde la madurez y la autonomía. Siendo consciente de que ya no hay cabida para más remiendos.

*¡Qué buena actriz es Carmen Machi!

Aunque sin la presencia de Carmen Machi posiblemente Amor de madre no sería lo mismo. Desde que la vemos en ese banquete de boda frustrado, recriminando a su hijo muchos de los gastos inútiles que ha cometido. El espectador se da cuenta que el papel de Mari Carmen encaja como un guante en la piel de la Machi. Primero como madre pesada, siempre detrás de su hijo, capaz de untarle la cara de crema protectora. Para mutar en un alma liberada que quiere vivir con mayúsculas. Y a su lado, un Quim Gutiérrez que parece dominar a la perfección las situaciones de vergüenza ajena. Muy convincente en el papel de chico aburrido y protestón que aprenderá a valorar a la mujer de su vida.

En lo que resulta una experiencia cinematográfica muy honesta. La película da lo que promete, siendo capaz de atraer al espectador desde su original premisa. Con una historia divertida, de un humor afable y sencillo, que además goza de unas localizaciones atractivas. Siempre muy refrescante e ideal para pasar un buen rato y olvidarse de tinieblas, dramas y traiciones. Es cierto que en ocasiones abusa un poco de secuencias muy de spot publicitario o videoclip. Pero una vez has entrado en el ecosistema de la película, estos detalles se asumen como parte de la misma.

*Conclusión

En definitiva, Amor de madre es una buena opción para disfrutar de una historia divertida y entrañable. La historia de un tipo gris que es abandonado en el altar, para después pasar su luna de miel en Mauricio con su madre. En lo que resulta una premisa muy original, protagonizada de forma absolutamente brillante por Carmen Machi y Quim Gutiérrez. Una Carmen Machi que encaja a las mil maravillas en su personaje y regala algunos grandes momentos. En una película muy fiel a sí misma y que cumple con creces aquello que uno espera de una comedia. Alejada del humor chabacano y facilón que en ocasiones predomina en las comedias españolas. Sin duda una propuesta para pasar un buen rato, tarea casi siempre infravalorada.

Escrito por Laura Tabuyo Acosta

La orgullosa precursora del #Me too

La figura de Colette ha sido desde siempre un parteaguas dentro del mundo de la literatura y el arte: avanzada, revolucionaria, libertaria (y libertina) extremista… Una personalidad que rompió moldes toda su vida y que fluyó con la corriente de la modernidad rampante del comienzo del siglo y más allá.

Poseedora de una personalidad arrasante e ingenio creativo, supo colocar su prototipo de mujer y discurso literario en la mente de todos. Rebelde y demasiado autoconsciente de su mente y su cuerpo, creo todo un estilo y supo afrontar las consecuencias de su manera de percibir su espacio y su tiempo. El amor, el sexo y las manifestaciones del arte.

Claro que, como en toda biografía, la película no puede narrar a detalle todos los millones de acontecimientos en la vida de esta mujer y opta por conducirnos por un camino de pinceladas que la definen. Fijando su atención en las partes mucho más glamorosas que en las áreas oscuras. Lo que nos deja claro es que Colette pasaba por completo de las reglas y le importaba muy poco el “qué dirán”.

El director inglés, Wash Westmoreland, quien coescribe el guión con Richard Glatzer y Rebecca Lenkiewicz, se encarga de conducirnos por un comienzo que pintaría como la clásica “película de sombrillita” a la que nos tiene acostumbrados Knightley, cuya romántica presencia pinta en los primeros minutos a una aparentemente tímida y normal muchachita campirana, pero pronto iremos descubriendo que es solamente una “estratagema” para ver el crecimiento de Sidonie que es el deseo del director y sus escritores.

El fruto de la vida Parisina

Si consideramos el ambiente en el que se ve imbuida, en ese París bullicioso donde aparecían importantes movimientos de arte y literatura, con grandes personalidades conviviendo al rededor, podemos tener el retrato perfecto de lo que la joven debió sentir; ese es el motor de la película, mostrarnos la transformación de una joven en mujer, de una chica de campo a una mujer dueña de sí misma que no dudó en pronunciarse por temas tan avanzados como la identidad de género, amando lo mismo a hombres que a mujeres, con o sin, el consentimiento de su marido con quién vemos que tenía una relación muy moderna.

Y colateralmente haciéndonos entrar en la tortuosa relación de explotación creativa entre Willy y Colette y en su ulterior independencia al relacionarse sentimentalmente con la controversial “Missy”, Mathilde de Morny (Denise Gough), una noble librepensadora (y declaradamente gay) con quién Colette conoció un mundo nuevo; el Vaudeville, el teatro… y otros placeres y áreas de la vida…

Protagonistas apasionados y apasionantes

Keira Knightley se entrega al mundo de Colette con devoción, con la misma pasión con la que encarnó a sus personajes clásicos: Cecilia en Expiación, más allá de la pasión o Elizabeth en Orgullo y Prejuicio.

Dominic West encarna a un Willy sofisticado, dueño de la situación, de finas maneras y porte aristocrático, hedonista, empapado de la modernidad en sus formas más avanzadas, pero al mismo tiempo explotador, mentiroso, cruel y dependiente.

Que en su voracidad de fama y fortuna no dudaba en no simplemente usar a Colette para escribir en su nombre, sino a otros. Todos caían en sus redes de seducción dejándose chupar la sangre por este vampiro creativo. Y esa seducción alcanza en más de una manera a Colette, no obstante lo rebelde y desinhibida que fuera, la fuerza de la atracción de Willy sobre ella se plantea como una poción enervante que la intoxica y atrapa provocando irónicamente su liberación final.

La conjunción de West y Knightley en pantalla inunda de seducción y perversidad esta relación a todas luces suigeneris y en la que el tema del escritor fantasma vuelve a ser tratado por segunda vez en este año junto con La Buena Esposa una relación tan enervante de amor/odio, sujeción/dominación y dependencia que no puede sino provocar interés morboso e intriga a partes iguales.

Cómo no caer ante la seducción?
La fotografía y el vestuario son exquisitos y deambulan en los escenarios más parisinos posibles en un aire de nostalgia y liberalidad que se cuela por todas partes reforzando el contexto en el que se generó la vida de esta mujer y dando a Knightley todas las oportunidades de brillas con soberbia sofisticación y sensual perversidad.

Sin embargo…
Un aspecto que puede ser un poco chocante es la tropicalización del lenguaje de la película pues los parlamentos están en inglés no obstante que el personaje de Colette escribe en francés. Con la clara idea de hacer que la comercialización de la película sea más internacional.

Punto final

Al final Colette es un breve relato de homenaje a una personalidad demasiado avanzada y controvertida para su época, que solamente es un fragmento, (no carente de brillo y glamour), pero finalmente es una visión seleccionada por los escritores, no obstante el tenaz trabajo de West y Knightley tomar a un personaje tan controvertido y a la vez tan olvidado en la actualidad, que estuvo demasiado fuera de las normas como para poderse enmarcar en cánones, no simplemente narrativos dentro de un film, sino para comprenderlos con la correcta dimensionalidad en su propio espacio/tiempo o trasladándolos a nuestros días, donde el empoderamiento femenino y la identidad de género siguen luchando con vehemencia.

Para mostrarnos como la vida, obra y devaneos de una mujer icónica que supo transformarse a sí misma e influir en su entorno siguen siendo tan apasionantes y fogosos como entonces.

Escrito por Fabián Quezada León
https://cinemagavia.es/pelicula-colette-critica/

*Las raíces musicales

Con Encanto uno de las primeras cosas que vienen a la mente es la vuelta de Disney a sus raíces. Concretamente en su vertiente musical. La película supone un buen retorno a esas canciones y momentos musicales que han marcado a tantas generaciones (seguramente la mano de Lin-Manuel Miranda haya contribuido a ello). El ejemplo más claro es la introducción de la protagonista, Maribel, que es, gracias a la música, una de las mejores escenas de la película y un punto de partida perfecto para la historia.

Utilizando este recurso, Encanto profundiza en varios de sus personajes secundarios. Además, con la música se explican hechos desconocidos para la protagonista y los espectadores de una forma amena y que funciona realmente bien. Es en estos momentos cuando la película brilla mas, cuando el musical se adueña de la pantalla. Lo hace también cuando entra en escena su colorida y fantástica animación, que nos traslada hasta las montañas de Colombia con un estilo visual al nivel de las anteriores producciones de Disney. Cuando ambos elementos se juntan la magia de Encanto sale a la palestra.

*Dones y familia

La premisa de Encanto nos sitúa en un pueblo en el que la familia Madrigal ha sido bendecida por la magia. Todos sus miembros tienen algún tipo de poder con el que ayudan a los demás. No es el caso de Maribel, una de las nietas de la abuela Alma a la que no se otorgaron poderes.

Partiendo de esta base la película nos habla de los lazos familiares y lo difíciles que pueden ser las relaciones entre seres queridos. Maribel es la diferente de la familia, una especie de oveja negra. Ella no tiene nada que la haga especial. Esta falta de un don en la protagonista hace que la relación entre Maribel y Alma, nieta y abuela, sea uno de los puntos fuertes de Encanto. Las diferentes formas en la que nos podemos herir entre familiares está presente en esta relación. También lo está en la forma en la que Alma domina a su familia por temor a perder el milagro que se le fue concedido años atrás.

Al final, Maribel nos acaba mostrando que, sin necesidad de dones especiales, nosotros por sí mismos somos especiales.

*Tono y desarrollo imperfectos

A pesar de sus aciertos, Encanto sufre de un desarrollo imperfecto en algunos personajes y puntos de la trama. Si bien los momentos musicales nos presentan en mayor profundidad a la familia Madrigal, hay algunos personajes en los que no se indaga tanto como se podría. A varios de estos miembros de la familia se les dan finales o bien apresurados o sin la importancia que merecen, como es el caso de Bruno, tío de Maribel.

Además, el tono de la cinta, especialmente en la parte central de la película, adolece de un humor que no siempre encaja demasiado bien. Aún así, cuando llegan los momentos importantes de Encanto las emociones fluyen y la historia, a pesar de no desenvolverse a la perfección, consigue aterrizar en un buen final. Un final que saca a la palestra la relación nieta-abuela y que sirve para ahondar en la importancia de las relaciones familiares, tema central de la película.

*Conclusión

Encanto es un buen retorno de Disney al terreno de los musicales. A pesar de algunos problemas en el desarrollo y tono, la película número 60 del estudio es otro añadido destacable dentro de su extenso catálogo animado. La música y la colorida animación son los puntos fuertes de una bonita historia sobre los lazos familiares y el daño que se puede implicar entre seres queridos.

Escrito por Víctor Pérez Cañete

Puntuación: 6,5

El Pacto es la primera película del joven David Victori, ganador mundial del Youtube´s Film Festival con el cortometraje “La Culpa” (2010) y que supuso la realización de “Zero” (2015), cortometraje producido por Ridley Scott (“Gladiator“) y el actor, Michael Fassbender (“Steve Jobs“). En la línea de aquel pequeño triunfo, El Pacto es, me atrevo a aventurar, el thriller que determinará el género en España en los próximos años, como hicieran Alejandro Amenábar con “Los Otros” (2001) y J.A. Bayona con “El Orfanato” (2007).

Tríptico Cromático: De Añiles, Rojos y Púrpuras

Si hay algo por lo que destacaba la dirección de David Victori en “La Culpa” (2010), era su gran puesta en escena y el cuidado en la fotografía, consiguiendo una ambientación adherida al género del que ya se hace deudor como lo fuera un joven Amenábar con “Tesis” (1996).

Aquí no es distinto, la potencia visual en las imágenes que idea Victori a través de Elías M. Félix, a cargo de la fotografía, ya nos imbuyen en un aura de fríos añiles, aconteciendo el malestar de Mónica. Rojos que surgen del averno, acusando el ocultismo y púrpuras sutiles, vinculándolos a lo “revelador” y lo “sacro”. Los diálogos no resultan gratuitos, el guión y el montaje dan preponderancia a la narración en imágenes que se ve reforzada por la excelente música de Miquel Coll, con ecos a Hans Zimmer.

Telaraña tejida con belleza, pero desprovista de consistencia

El Pacto evade lo peor del thriller sobrenatural convencional, tropezando en lo peor del apartado policial (situaciones y diálogos tópicos). Expresa mucho, sin tampoco asentar cátedra al respecto, lo cual es su principal virtud y defecto.

No deja de ser un género complicado de abordar y del que es difícil no hacer aguas sin tener el apartado técnico bien dominado. Un par de patinazos del sonido y una mejorable dirección de actores, donde el peso interpretativo recae en el buen hacer de Rueda y Grandinetti, cuya química es estupenda.

Sus aspectos más cuestionables vienen del guión: falta de rigor lógico-causal, descarte de personajes “recurso” y un acentuado manierismo en su construcción, resultando simplones y poco elaborados. No obstante, Victori demuestra su destreza al introducir elementos visuales ingeniosos: esas arañas “albinas”; tentaciones invertebradas.

Conclusión

Irregularidades a parte, como en toda ópera prima, El Pacto, no deja de ser una formidable carta de presentación, de un director con temática propia, con las cosas muy claras acerca del cine que quiere hacer y de cómo lo quiere hacer: va a dar mucho de qué hablar.

Escrito por Álvaro Panadero Jiménez

https://cinemagavia.es/pelicula-critica-el-pacto/

*Intelectuales, no terroristas

Judas and the Black Messiah es una película que nos acerca a lo sucedido con el activista Fred Hampton a finales de la década de los 60’. La historia gira en torno a Bill, un ladrón de coches detenido por el FBI y al que prometen la absolución de sus crímenes si coopera con ellos. Para ello debe introducirse en el Black Panther Party (BPP) y contarles todo lo que suceda dentro, traicionando a todos sus miembros. Este film dará mucho que hablar tanto por las interpretaciones, como por los discursos magistralmente ejecutados por Daniel Kaluuya.

El tema principal de la película es la traición y la doble moral de Bill al estar en un movimiento social que quería luchar contra el capitalismo, sin embargo, él era un producto de este. La cinta trata temas como el surgimiento de un movimiento racial más intelectual, la unión de las minorías en busca de un mundo más igualitario, el recuerdo del pasado oscuro de Norteamérica o la incapacidad de Estados Unidos de derrotar un movimiento social a pesar de hacer lo imposible.

Judas and the Black Messiah presenta una gran peculiaridad, la fuerte presencia de su actor secundario Daniel Kaluuya. Mientras que el personaje de Bill nos va guiando por la trama con su conflicto interno a cerca de si delatarse como confesor del FBI o no, tenemos un personaje secundario que inunda la pantalla con elocuentes discursos que nos posicionan a favor de él. Al final empatizamos con el protagonista por ser incapaz de salir de ese círculo vicioso, pero no podemos evitar sentir rabia hacia él, por ser un individuo manipulado y no tener fuerza suficiente como para delatarse.

*I AM A REVOLUTIONARY!

Judas and the Black Messiah tiene un grito que resuena en el corazón durante toda la trama; ‘’I am a revolutionary!’’, frase de Fred Hampton en todos sus discursos, este nos guía a través del discurso narrativo. Toda la historia se mueve en torno a una incapacidad mayúscula del gobierno estadounidense de suprimir un movimiento social eliminando a individuos. Como bien dijo Fred; ‘’¡Pueden eliminar a un individuo, pero no eliminarán el movimiento!’’, algo muy significativo, ya que en la actualidad vemos como siguen surgiendo movimientos de la misma índole como Black Lives Matter.

La figura de Fred Hampton fue curiosa por la fama que adquirió con tan solo 20 años. En aquel momento era presidente del Black Panther Party (BPP) en Illinois y vicepresidente del BPP a nivel nacional. Su ideología comunista le llevó a fundar una organización política multicultural conocida como “Coalición Rainbow”, formada por las principales pandillas de la época, como los Crows, los puertorriqueños o los Red Necks (minoría blanca de clase social baja).

Judas and the Black Messiah lleva a la gran pantalla el pasado oscuro de Estados Unidos, en un momento en el que están resurgiendo voces fascistas como las del grupo QAnon. El cine es un reflejo de la sociedad y esta película aparece en un momento en el que la voz de el Black Lives Matter sigue presente en la población mundial, diciéndonos que la lucha no ha acabado y debemos seguir trabajando por crear un mundo mejor y más igualitario.

*Lucha por un mundo mejor

Judas and the Black Messiah presenta un guion inspirado en ‘Mateo 27:3-10 El Suicidio de Judas un Discípulo Falso’, ya que Bill al igual que Judas, vendió a su líder por dinero, sin darse cuenta de que lo verdaderamente importante era el movimiento social. Como dijo J. C. Ryle, Judas es un ejemplo de “Hasta dónde un hombre puede llegar en una falsa profesión de la religión”, en este caso la religión es el Black Power y Fred Hampton su mesías.

Si algo debemos destacar de toda la película son las actuaciones, todos los personajes están inmensos, pero Daniel Kaluuya, se afirma en el panorama actoral como un titán de la interpretación. Da cuerpo a un discurso aportando fuerza y emoción que conmueve a las masas. Un aspecto curioso de los discursos es que en ocasiones son guiados por la banda sonora, que los sostiene con acordes de contrabajo o ritmos de tambores.

Judas and the Black Messiah está muy bien contada visualmente, la dirección de fotografía es impecable, hace más interesante la trama. La planificación del director va guiando al espectador a través de los densos diálogos, destacando sobre todos los planos, el del clímax, que ejecuta con maestría y elegancia desde el punto de vista adecuado (ya se darán cuenta cuando lo vean).

*Conclusión

Judas and the Black Messiah es una película de Shaka King realizada de forma comercial, pero cuyo mensaje subyacente tiene mucho más que contar que lo que se muestra en pantalla. Quizá la densidad de los diálogos y el constante parloteo de sus personajes, puede ser lo menos interesante, pero esto no nos debe llevar a engaño, puesto que interesa cada palabra que sale de sus bocas.

Judas and the Black Messiah devuelve la ilusión de volver al cine y ver grandes estrenos con reflexiones que nos podamos llevar a casa. La temporada de premios ya a comenzado y sin duda, esta será una de las grandes galardonadas. Finalizo esta crítica con muchas ganas de ver películas interesantes, que inciten a la gente a redescubrir las salas de cine, en las que no se producen contagios por su cuidado y respeto hacia las personas que acuden.

Escrito por Santiago Varela Antúnez