Película agradable sin más, bien llevada, mostrando los entresijos del teatro, muy al estilo de ‘Eva al desnudo’ aunque con menos intensidad dramática y con ciertos parecidos también a la película con la que este director húngaro consiguiera su mejor éxito, ‘Mephisto’. Lo mejor es sin duda su explosivo y brillante final, con rasgos de guión de cine clásico, sorprendente, firme, entero y capaz de dejar de piedra al espectador y también la maravillosa actuación de Annette Bening, deslumbrante en su papel muy bien construido de una actriz fascinante, en un papel muy difícil porque encierra varios a la vez. No es la primera vez que Szabó sabe arrancar a sus protagonistas lo mejor de ellos mismos, siendo una de las principales especialidades de este director.

Tiene buenos momentos de ironía y comedia, pero en general, la película sólo funciona a trompicones, y muchas veces cae en la pedantería y la pretenciosidad que hace que la brillantez de algunos diálogos quede desdibujada. Lo mismo ocurre con el resto de personajes, es tanta la brillantez y la luz que se arroja sobre el papel de Bening, que el resto aparecen un tanto deslucidos, y hay ratos en la que las escenas parecen en blanco, un no ocurrir nada, es la fuerza vital del personaje principal la que desborda al espectador porque el resto de la trama se queda con demasiados altibajos.

Buena ambientación en el vestuario y la escenografía, recreaciones de los años 40 en los que transcurre la película, al igual que una banda sonora clásica muy adecuada.

Interesante a ratos, con un guión bastante sólido y bastantes momentos con los que disfrutar de la fina ironía en los diálogos es una película detallista, cuidada y que deja entrever ciertas reflexiones (el amor más allá de los 40, la infidelidad, la vanidad, el sexo como mercancía) permite al menos que deje un buen sabor de boca.

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Si por algo se caracteriza Julio Medem es por saber expresar un universo personal complejísimo, extraño y misterioso que convierte a su cine en lo más independiente de la historia de la filmografía nacional, muy por encima en este aspecto incluso de Almodóvar. Su cine es más sensorial que narrativo, impreciso a la hora de seguir las reglas espacio-temporales, pero sugerente y atractivo, muy filosófico e intelectual, confuso y violento en sus razonamientos.

‘Tierra’ es quizás el mejor ejemplo del sello Medem, cuenta la historia de tintes paranormales de un hombre, mitad vivo, mitad muerto que oye la voz de su otra mitad mientras realiza labores de fumigación en unos viñedos, de este modo mezcla la existencia del más allá en el Cosmos, con la más arraigada a la tierra, incluso hasta la de un ser tan diminuto como el de la cochinilla, que da un sabor tan característico a los vinos de la zona, allí sus dos mitades elegirán a dos mujeres diferentes que se encuentran por el camino. Sobre esta base se asienta un puzzle desestructurado, quebradizo y laberíntico que puestos a examinar ofrecería numerosos fallos de guión, pero eso es lo de menos en el burbujeante e inestable cine de Medem, que te ofrece para compensar una película-enigma, una sorpresa a cada paso, diálogos cargados de poesía, sentimientos encontrados, contradicciones que se chocan de frente contra el espectador, que lo confunden y lo sacuden, que lo desvían hasta terrenos jamás explorados en el cine, que lo perturban, que lo despiertan.

En su afán por el explorar las diferentes tangentes del amor, el sexo, la muerte, la existencia del más allá, el azar y los misterios de la vida en general, Julio Medem nos va dejando una retahíla de personajes curiosos, bordados con extraños materiales narrativos y fuera de todo cliché, excepcionales al fin y al cabo, asumiendo sus imperfecciones de ‘raritos’ y desde luego enigmáticos.

En su inquietante transitar por la película, Medem nos ofrece un universo visual casi marciano (otra manera de conectar la tierra y el cosmos) tierras rojizas y cielos salpicados utilizando siempre colores vivos que dejan una fotografía magnífica, bella, casi exotérica.

Las metáforas visuales, los dobles sentidos en las frases, la consecuencia que encierra cada escena, los barridos del cielo a la tierra o a través de los hilos telefónicos, son innumerables, se descubren nuevos cada vez que se ve la película.

Por ello si lo que busca es realismo jamás vea Tierra, pero si no le importa entregarse a las sensaciones a otros sabores ignotos, déjese llevar por el desdoblamiento de personalidad de un Carmelo Gómez correcto dentro de la dificultad que encierra su papel, de una Emma Suárez sensacionel y de una Silke en el cénit de su fotogenia, arrebatadoramente sensual marcando trasero enguantada en unos pantalones de cuero, o desnuda con una cadenita en la cintura. Una película para sentirla.

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Si hay una palabra que define a Japón es brutal. Y es que la película debut con la que Carlos Raygadas quiso darse a conocer al mundo es una suerte de complejísima estructura de inspiraciones freudianas, exploraciones existencialistas, sobriedad formal y simbólica e inteligente aplicación de la música clásica a la narratividad.

Muchas de las ideas que se reflejan en esta película están basadas en la obra de su apreciado maestro, el gran Andrei Tarkovsky, un cineasta tan duro y personal que incluso imitarlo resulta complejo. Aquí ¡, Carlos Raygadas, está a la altura de ser un Tarkovsky mexicano.

Definitivamente Japón no es una película para todos los públicos, su complejidad temática, en contradicción con una simplicidad argumental, pero que deja boquiabierto al espectador al poner en jaque un gran número de valores (la religión, el sexo y la muerte cruzan la frontera del tabú en esta película) con un taciturno protagonista que sufre por momentos las pulsiones de vivir y de morir que se enfrenta a su propia existencia y que zigzagea entre ambos extremos convirtiendo la obra en una película de contrastes.

Es un tópico en las críticas de cine decir que una cinta no te dejará indeferente aunque no te guste y que será difícil de olvidar, pero en este caso las líneas rojas que cruza el argumento y que despiertan cierta abyección en el espectador, combinado con unos personajes enigmáticos, una fotografía salvaje y cruda, unos planos que rompen los moldes de la narrativa tradicional y una música tenebrista, no dejan lugar al duda. Toma el tópico y hazlo certeza porque realmente no te dejará indiferente. Japón te atrapa en una atmósfera abigarrada, congestionada de ideas pero límpida de elementos formales

Para las que no hayan visto jamás una película del genio soviético Tarkovsky se encontrarán con un argumento difícil de digerir, para nada creíble si no hay una lectura simbólica de lo que ocurre, planos exasperantemente largos y escasas dosis de acción y diálogos. Aburrirá por momentos y te removerá con bofetones de conciencia en otros cortes del metraje. Para los que simplemente se dejen arrastrar y puedan entrever algunas complejidades de la cinta, disfrutarán de algo original, conmovedor, sorprendente y lleno de consciencia y por supuesto, de algo que no podrán ver jamás en otra película. Japón es otra cosa.

En el aspecto formal no cabe más que destacar sobre todo lo demás un excepcional plano secuencia que dura exactamente lo que la canción 'cantus in memorian of Benjamin Britten'. Son cinco minutos y siete segundos de cine superlativo para un final soberbio y latente a través de las vías del tren con una cámara giratoria que recoge escenas sobrecogedoras. Uno de los mejores planos secuencia que se hayan hecho en este siglo.

Por todo ello, y aunque es una película que se puede atragantar y difícil de digerir (no es intención del director la de agradar si no la de generar sentimientos crudos y fríos) merece la pena intentar darle una oportunidad a este Tarkovsky mexicano, a este Freud del celuloide que le ha dado al cine mexicano una nueva dimensión.

Crítica para www.viveiberoamerica.com
http://www.viveiberoamerica.com/going-beyond-amazon-a-new-model-for-authors-retailers-and-publishers/
@iberoamericavi

'Nos vemos papá' es una película con cierta valentía, con un argumento un tanto sórdido, que despierta interés y hasta aversión, pero que desarrolla un tema con coherencia interna y fluidez pese al complejo sistema narrativo que propone, en el que una mujer, tras el fallecimiento de su padre, establece una relación corrosiva con el fantasma imaginario del mismo. El comienzo de este filme mexicano es un tanto lento y muchas de las proposiciones argumentales son previsibles... pero el acierto del filme es que el boom argumental, el giro de guión decisivo que cualquier mirada cinéfila aviesa habría deducido con antelación, se produce en un momento temprano del metraje. Esto da lugar a una nueva mirada sobre la película (hasta ese momento la habría suspendido) donde son más importantes las implicaciones sobre el hecho central de la película que el propio acto en sí.
Para mantener el pulso narrativo es importante la actuación decisiva de la actriz protagonista, Cecilia Suárez, que perfila y da sentido a un personaje enervado, complejo, ambicioso y con varias caras. Su personaje despierta pasiones y fobias, es sentimental y abyecto, y la actriz mantiene el tipo para hacer creíble a tan contradictorio perfil.
Del mismo modo, a partir de ese momento la directora también se pone las pilas. Sin dejar de lado el necesario transcurrir tranquilo del filme, la dosificación de la historia y el discurrir de la trama, comienzan a crear un clima de cierta tensión en el espectador y despierta el interés en cuanto a lo que va ocurriendo.
Sin ser brillante, la película logra crear su propio clima en la ambientación, logra dotar a las paredes de una casa de su propia textura fantasmagórica, e incluso en ciertas escenas, consigue trasvasar el lugar de lo onírico, para sumergir al espectador en la idiosincrasia que pretende crear.
Es a grandes rasgos, una película interesante, transgresora, pero tampoco fascinante y en realidad, consigue agradar al público o sorprender más por su temática que por sus propios valores cinematográficos, lo cual, no es óbice para que no merezca un vistazo.

Para llegar a ser un clásico imperecedero hay que tener un guión magistral, lleno de matices, ese mismo guión debe estar dotado de ritmo, de vida y tener giros argumentales sorprendentes que desconcierten un poco y un clásico debe también estar magistralmente interpretado. Estas son las puntas del iceberg que han hecho que el apartamento pase a la historia, porque, sólo así una comedia de enredo, muy convencional y de final previsible puede perdurar. Y es que en la historia del apartamento, el enredo amoroso en el que nos sumerge, aunque tengas ciertas características recurrentes del cine de su época, parecen abrazar un punto más, le dan un giro más a la historia que la hace ser más cómica y un tanto menos absurdas (no confundir con una madeja argumental al estilo hermanos Max) y la forma en la que zigzaguea el argumento, aunque en el fondo sepamos siempre donde va a terminar por el trilladísimo ‘Happy End’ impuesto por Hollywood, nos deja K.O por unos segundos nos hace intentar adelantarnos en futuras repercusiones que luego no son tales porque siempre aparece un nuevo elemento que añade emoción a la cinta. Luego está la magistral configuración de los personajes, los tres principales son deliciosos, enternecedores (incluso el que hace de malo que sólo queda como briboncillo). Shirley McLane es dulce, encantadora pero muy torpe en el amor, demasiado enamoradiza y confiada, Jack Lemmon es un pobre incauto, bondadoso hasta el extremo, generoso y de gustos sencillos pero que no le importa ganarse una mala reputación a favor de los demás, de los que se aprovechan de él y Fred McMurray aunque sea el jefazo rico que engaña a su mujer y se aprovecha de sus empleados también llega a producir cierta dosis de ternura. Los tres bordan su papel y te llevan al sueño, pero es que además de todo esto tenemos que hacernos cargos de unos diálogos fabulosos, que conectan durante toda la película y crean flashforwards dialécticos, frases con dobles sentidos, sentencias que dan contenido a la película de por sí, que narran con contundencia. Genial también en los detalles visuales con sentido narrativo, (el espejo roto, el sonido de la botella de champán, el médico que pide hielo). Natural, sencilla, sensible y divertida, peca de sobriedad en su puesta en escena (aunque a veces una raqueta es fundamental para explicarlo todo) y en los convencionalismos de sus personajes, actuaciones y las situaciones en general, pero pese a todo, es y será una obra maestra de todos los tiempos.

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