En los ochenta Randy The Ram había sido algo grande, probablemente en un ámbito demasiado cerrado, un espectáculo como el wrestler, minoritario y de corte tan trucado como bestial, ahí encontró Randy su razón para existir y así fue pasando el tiempo por cada uno de sus poros hasta llegar a un presente donde todo ha cambiado. Ya no hay titulares de prensa ni dinero para él y entre peleas de mala muerte vemos a Randy aceptar empleos que le permiten subsistir. En este clima de fracaso se abre esta película sobre la memoria y la perdida, los sueños rotos, la fama efímera, el ángel caído y la redención imposible que solo puede llegar a puñetazos.

Mickey Rourke, (se ha dicho muchas veces pero conviene repetirlo) está inconmensurable. Solamente observar la decrepitud de su cuerpo en menos de 20 años da escalofríos. En lo que parece ser un guiño a su papel en The Wrestler a día de hoy ya ha perdido su oscar a manos de Sean Penn, sobran más comentarios.

Es cierto que lejos de la interpretación de Mickey la película es demasiado plana en ocasiones. Pero fijándonos en sus virtudes tenemos a la bellísima Marisa Tomei encandilando a Randy y de paso a todos nosotros. Hay que ver Marisa cada año que pasa está más sexy y se desnuda mejor. Todo un regalo para nuestros ojos.

La estética evidentemente es decadente, descorazonadora y feista, entre bares de striptease, gimnasios y combates donde no caben la esperanza y las oportunidades. The Ram vive para perder y así nos lo irá mostrando en todas las facetas de su vida hasta llegar a un final ambiguo donde todo queda tan abierto como cerrado con un fundido en negro que agarrota el corazón del espectador.

Como nota sentimental está la excelente banda sonora del film donde suenan varios grupos de hard rock de los 80, una época de la que también hablan en una ocasión Rourke y Marisa. Tal vez parezca excesivo pero que The Ram se dirija desafiante hacia el ring al ritmo de sweet child o´mine ha tocado especialmente mi fibra sensible. Una película que tiene detalles así no puede nunca bajar del 8.

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En la filmografía mexicana denominada clásica despunta Macario como una de sus obras más carismáticas siendo una película muy querida por el pueblo mexicano al abarcar un tema tan arraigado a sus tradiciones como es el culto a los muertos y a la propia muerte a la que se respeta y se rinde pleitesía de una manera conmemorativa y festiva a través de la celebración del Día de los Muertos.

En este ámbito se inicia el cuento alegórico de Macario un leñador humilde que tras tener un encuentro con La Muerte recibirá de manos de esta un agua milagrosa capaz de curar los males de los moribundos. A partir de ahí comenzará Macario su andadura como sanador pero siempre bajo la batuta de la propia Muerte a la que Macario tras su trato con ella ha sido atado de manera perpetua siendo esta la que tenga como ocurre con todos nosotros la última palabra.

La película funciona en todo momento pues la historia es atractiva y no está exenta de humor, negrura o crítica social entre otros muchos matices. Apunta además a sobrepasar la barrera del relato fantástico para adentrarse en posibles teorías sobre lo sobrenatural vistas siempre desde nuestra condición de seres mortales no estando en este sentido su último tercio demasiado alejado de las atmósferas e inquietudes recogidas por Bergman en El Séptimo Sello. El final que es a su vez abierto y cerrado confirma esta intención de darle al relato un marcado toque metafísico.

Tal vez se nos presente eso sí la película algo deslucida debido al paso del tiempo. Evidentemente una producción mexicana de los años sesenta en un género a menudo tan visual como el fantástico puede resultar excesivamente ingenua y poco elaborada para el espectador actual. Como mero ejemplo de la escasez de medios puede citarse por ejemplo la forma escogida para representar a Dios y al Diablo, apariciones que también experimentará Macario en ciertos momentos del film. En otras escenas estas carencias intentan suplirse echando mano de juegos de luces y sombras bastante efectivos, imaginería onírica como la que constituye un sueño tenido por Macario o secuencias elaboradas de manera artesanal como la de las velas donde se sitúa el escenario del desenlace de la historia.

Curiosamente y aunque las revisiones de películas clásicas me parecen casi siempre innecesarias y fallidas pienso que tal vez una posible adaptación de Macario podría resultar interesante siempre que se respetase el esqueleto sustancial que constituye el relato y fuera llevada a cabo por un equipo estrictamente mexicano, diferente sería en el supuesto de que dicho proyecto cayera en otras manos pues en este caso se resentiría seguramente el especial tacto que tienen los mexicanos a la hora de tratar de tu a tu con la muerte.

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- Papá.
- Dime hijo mío.
- No entiendo el mundo.
- ¿Qué es lo que no entiendes exactamente?
- Pues... nada, por ejemplo ¿Por qué la escuela es tan aburrida? Me gustaría que allí aprendiéramos cosas cantando canciones. Mi profesor es tan rutinario...
- Ya, ¿Y que más cosas no entiendes?
- No sé, umm a las plantas.
- Las plantas...
- Sí verás, las plantas, los árboles, los vegetales crecen en la tierra pero ¿Por qué no brotan seres humanos?
- Ay, ay, ay...
- ¿Qué pasa padre?
- Nada hijo mío...
- Y por ejemplo ¿Por qué igual que elegimos a nuestro alcalde no podemos elegir otras cosas?
- Como que, como que...
- Pues al cura por ejemplo, piensa padre que solo vamos a la iglesia media hora a la semana si nuestro cura fuera digamos... un poco más competente pues a lo mejor acudiríamos a oírle decir misa todos los días.
- ¿Y desde cuando te preocupan estas cosas?
- La verdad creo que nunca me he sentido a gusto aquí todo lo veo demasiado extraño. Además hay algo que siempre quise decirte y nunca me he atrevido.
- Pues dime, dime...
- Hoy que me llevas a la feria es un buen momento, papá, siempre me ha dado miedo el tiovivo, creo que debería ser mayor para poder subirme en él.
- Tienes 10 años hijo...
- Sí 10 años y llevas desde los 3 subiéndome al tiovivo cuando yo ni siquiera ahora me siento todavía preparado.
- Hijo... me parece que...
- Que...
- Es el momento que conozcas a tu madre...
- ¿Madre?
- Sí, sabes que siempre te respondí con evasivas pero llegados a este punto te diré que tienes una madre.
- ¿Dónde está?
- En un pueblo de España donde estuve dos veces, una vez con tu abuelo, otra vez regresé para ir a buscarte a ti.
- ¿Y como es mi mama?
- Pues era una mujer pública, hijo...
- ¿Mujer pública?
- Sí bueno, es algo complicado de explicar el caso es que en un corto lapsus en el que conseguí esquivar a tu abuelo le hice una visita...
Pero es una mujer buena, ya lo verás.
- ¿Hay mujeres malas, padre?
- Pues no, no lo creo en eso no he salido a tu abuelo que sí tenía esa concepción.
- Entonces vas a llevarme a ese pueblo de España.
- Sí. Creo que te encontrarás bien allí.
- ¿Está muy lejos de Oklahoma?
- Un poco pero no tenemos prisa.
- Mira ya se ve la feria.
- Ahí está el tiovivo, cuanta razón tienes hijo, no estás en la edad, me subiré yo y me observarás desde abajo.
- Gracias padre, ¿tu no crees también que es muy raro el mundo?
- No en todas partes, mañana comenzamos el viaje y encontrarás tu lugar.
- ¿A que hora salimos padre?
- Al amanecer, será el último amanecer que veamos en Oklahoma.
- Al menos amanece padre, tal vez sea lo único que eche de menos cuando estemos en España.
- O tal vez no, hijo mío...

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Si hay un tema recurrente en el cine de Polanski ese no es otro que la mente humana y ha sido él, sin duda, uno de los más hábiles a la hora de intentar penetrar en ella a través de sus películas. Como muestra están sus tres primeras obras, El Cuchillo en el Agua, Repulsión y Callejón sin Salida que no constituyen si no un tríptico de lo psicológico a través de diversas vías tales como el erotismo sugerido, la ambigüedad, o el absurdo, reincidiendo sobre ello en casi toda su filmografía posterior y especialmente de manera casi obsesiva en títulos como La Semilla del Diablo, Lunas de Hiel y La Muerte y la Doncella.

El Quimérico Inquilino es una pieza más en el mosaico, mostrando en esta ocasión el descenso de un hombre corriente al infierno de la paranoia, el aislamiento y la locura en otra vuelta de tuerca a los entresijos de la mente, y que, si bien relacionada con todas las cintas anteriormente citadas guarda especial analogía con el que experimenta Catherine Denueve en Repulsión, del que viene a ser su homólogo masculino, aunque ambos personajes se caractericen por tener a su vez diferentes perfiles psicológicos.

De nuevo a su vez el espacio donde va tomando forma y desarrollo el trastorno del protagonista es cerrado y opresivo, un edificio que constituye un elemento esencial en la trama como lo era el Dakota en La Semilla del Diablo o el apartamento londinense de Repulsión, así como el yate, el castillo, el crucero o la isla lo son en sus películas respectivas. La habilidad que tiene Polanski para mostrar la claustrofobia a través de dichos escenarios queda patente al no mostrar signos de repetición, sabiendo construir historias originales con peculiaridades singulares para cada uno de ellos aún manteniendo los nexos comunes.

Proyecto muy personal en el que Polanski se adueña por completo de la función dando rienda suelta a su vena actoral, echándose sobre los hombros todo el peso de la película, realizando en mi opinión una gran interpretación en su punto justo de inquietud, humor negro y locura, con unos minutos finales de auténtico placer cinéfilo que habría que situar entre lo más significativo a la par que arriesgado de toda su filmografía, suponiendo como resultado un sonado fracaso de crítica y público en el día de su estreno y recuperando con el paso de los años el lugar que le corresponde no sólo dentro de la obra de su autor si no también entre las decenas de películas de temática parecida, de mucha menor profundidad artística y emocional, y tan deudoras de esa forma única que tenía el maestro polaco de entender la psique.

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La televisión solía hasta hace unos pocos años emitir regularmente no sólo los clásicos más conocidos de Hitchcock, si no también cualquiera de las películas que englobaban su etapa americana, desde Rebeca a La Trama, incluyendo asimismo su regreso a Gran Bretaña con Frenesí, a través de ciclos que tenían periodicidad semanal extendiéndose en el tiempo durante varios meses. De esta manera me familiaricé con el mago del suspense siendo muy niño y me fascinaban sus historias de crímenes, resultándome muy difícil seleccionar una sola de sus obras como mi preferida. Lo que desconocería hasta unos años más tarde es que Hitchcock tenía una etapa inglesa anterior mucho menos difundida que ya provenía de los tiempos del mudo, y una serie de películas que aún siendo posteriores a 1940 aún no había tenido oportunidad de ver. Una de ellas era Náufragos considerada obra menor y semiolvidada al igual que otros patitos feos Hitchconianos tales como El Proceso Paradine y Matrimonio Original, a las que solo tuve ocasión de acceder una vez pasados los veinte.

La paradoja de este acercamiento tardío a algunas de las cintas de Hitchcock es que aunque mi base cinéfila era mucho mayor y la defensa de los clásicos una de mis posturas más inamovibles no me conquistaron como lo habían hecho todas aquellas que había visto en la infancia. Náufragos tenía en principio una buena historia, un escenario tan original como atrayente, un guión que podía dar mucho juego y una ambigüedad que tocaba de manera sutil muchísimos aspectos de la naturaleza humana, sin embargo a mi lo que me gustó de verdad fue una actriz que no había visto antes en ninguna parte y que me cautivó por completo: se llamaba Tallulah Bankhead.

Tallulah es a mi entender el pilar que sustenta toda la película y tal vez nunca ha tenido Hitchcock tan buena mano como en Náufragos a la hora de escoger a la chica. Por encima de su belleza de témpano su interpretación es brillante. Tendría que investigar por mi cuenta para descubrir quien era esa mujer y el resultado obtenido fue desde luego bastante interesante y revelador. Mujer torbellino, sin apenas carrera en el cine por decisión propia, aplaudida como inmejorable actriz teatral, bisexual y ninfómana, alcohólica, cocainómana, independiente y salvaje, totalmente revolucionaria para su época, Tallulah exprimió su vida entre la fama y el escándalo sin remordimiento ni retracto posible.

Pudo haber tenido Hollywood a sus pies pero allí había demasiadas normas que no eran de su agrado y límites insoportables para su ferocidad escénica, siendo sin embargo tal vez en el interior de un bote salvavidas donde se sintió más cómoda durante los años que intentó amoldarse al cine, al poder al menos encontrar paralelismos en tan reducido espacio con su querido teatro.

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