Este film es el ejemplo perfecto de cómo una historia absurda, con un guión ilógico e indigerible, se convierte en los últimos minutos en una película de un asesino en serie del montón. Pero al menos tiene un hilo conductor y reconocible. Porque hasta esos últimos minutos no te explicas nada, ni por qué la protagonista hace lo que hace, entre otras cosas dejar a sus compañeros de trabajo por el morro, ¿de qué vive?, encontrarse con cadáveres sin venir a cuento, o sospechar de un pobre desgraciado que pasaba por allí. Impagable la escena en que con la camisa y las manos manchadas de sangre un colega le comenta que si ha estado jugando con barro. Un absoluto desastre. No merece la pena ni hablar de las interpretaciones. Y esa largas tomas, tontas y vacías. Hacía tiempo que no veía una película con un guión tan sin sentido. Malísima. No es ni pretenciosa:

Las películas de Amat Escalante no aburren, son estimulantes y siempre hablan de Méjico. Por lo menos de la sociedad mejicana.
Que sean películas impactantes, violentas, que los hombres carguen con su papel de macho y las mujeres vivan una vida ajena, aunque sea la suya, ya es lo habitual en su cine.
Él lo único que hace y es mucho, es cargar las historias de fuerza arrolladoramente visual y expresiva, introducir algún ingrediente extraño, como se hace en las comidas, para potenciar el “sabor” del plato y una libertad total para hilar los sucesos. Sin ninguna barrera.
Aunque parezca mentira Amat Escalante mima al espectador, aunque lo mime para ponerle delante lo más sórdido que uno se pueda imaginar.
Esta película más simbólica que “Heli” y menos reivindicativa que “Los bastardos” y por lo tanto menos acomodada al hilo de la actualidad latente mejicana es sin embargo más reflexiva. No para en un momento determinado de la historia de Méjico, si no que la abarca, contempla su lugar en el mundo.
El estrambótico extraterrestre es una excusa que pone sobre la mesa las carencias, los tabús, que como país ha arrastrado Méjico hasta el momento actual.
Para eso sirve el arte, para que el artista traduzca lo innombrable, lo raro, lo malévolo al lenguaje de la emoción y los sentimientos.
Toda esta intensidad narrativa de Amat Escalante oculta o deja en la sombra lo que viene a ser la técnica cinematográfica: Interpretación, guión, fotografía, música, ritmo, armonía, etc., etc. Está por encima de todo la historia. Por eso ciertas inexactitudes, ciertas imágenes, las interpretaciones planas, la falta de guión, no se tienen en cuenta a pesar de estar ahí. Cine de autor con todas sus consecuencias.
Por ahora no hay que perderse ninguna película de Amat Escalante. Por ahora. Todo cansa.

De la misma manera que había que haber leído a William Carlos Williams para degustar con más intensidad “Paterson” de Jim Jarmusch, para poder apreciar esta película de Terence Davies en todos sus matices y recovecos, sobre todo para poder valorar la complicada personalidad de su protagonista, se hace necesario haber leído la poesía de Emily Dickinson.
Podemos dar una vuelta por una ciudad que nos atrae, admirar sus monumentos, disfrutar sus calles recoletas o sus calles animadas, ver como sus gentes enfrentan la vida, pero seguramente hay unas razones, hay un motivo, hay una historia detrás, hay más.
Terence Davies hace otra de sus cuidadísimas películas, cargada de intensidad, de emoción, de sentimientos, con una fotografía que convierte cada fotograma en un cuadro, muchas veces de luz mágica. Los encuadres estudiadísimos reflejan muy bien el ambiente represor, costumbrista, tradicional de una sociedad puritana y autoritaria. Las largas tomas, los personajes envarados, rígidos, casi de madera, reflejan un momento de los Estados Unidos en que la libertad era cartón piedra.
En medio de ese ambiente, constrictor como una anaconda, sobrevivió Emily Dickinson, seguramente una de las poetisas más atormentadas e infelices de la literatura universal. Nacida inteligente y con talento, de escaso atractivo y educación religiosa su alma atravesó un calvario del que no dejó otra cosa que sus poemas. Los poemas más inexplicables, misteriosos y mágicos de la poesía de todas las épocas.
¿Cuál es la pasión de la que habla el título?
No lo sabemos, pero sí sabemos que fue el motor que puso en marcha la creatividad de Dickinson. Aquello que la vida no le daba o que le sustrajo, aquello que deseaba, que inundaba su alma de tristeza y pesadumbre, que seguramente tiene que ver con la desesperación de vivir sin saber muy bien para qué. Todo un cumulo de insatisfacciones que la actriz Cynthia Nixon interpreta maravillosamente.
El cine de Terence Davies capaz de revestir de intensidad y emoción hasta el vuelo de una mosca, en esta película tenía un tema a la altura de su talento y creo que lo ha bordado. Léanse algunos poemas de Emily Dickinson, no se preocupen si no los entienden, siéntanlos, y después vean la película, verán que Terence Davies, seguramente sin tenerlo muy claro, con el corazón del artista, ha conseguido reflejar yo creo que con mucho acierto lo que debió ser la personalidad de esta escritora enigmática e inextricable. Les dejo un fragmento de uno de sus poemas:

Me fui temprano -llevándome a mi perro-
de visita al mar.
Las sirenas del sótano
salieron a mirarme
y, en el piso alto, las fragatas
tendían manos de cáñamo,
creyéndome una rata
atrapada en la arena.
No huí, a pesar de todo. Después el flujo
me llegó a los zapatos,
al delantal, al cinturón
y luego al corpiño,
como si intentara devorarme….

¿La pasión?
El cine de Terence Davies en su plenitud. Si te gusta lo disfrutas, si no, aprendes a ver cine.

De las películas de Paul Verhoeven, algunas convencionales hasta lo más habitual y hoolywoodiense que uno pueda imaginar, ésta es con mucho la más intranquilizadora y por lo tanto enriquecedora que ha dirigido hasta el momento. Además entra en el grupo de las inequívocamente amorales en las que lo único que tiene validez es la fortaleza interior para sobrevivir en un mundo en que todo, incluida justicia y compasión, es anecdótico. Todo menos sobrevivir. Mandato sagrado. Contra todo y contra todos. La vida convencional, con sus pilares, la familia, la justicia, etc., etc., saltan hechas cisco.
La protagonista, Isabelle Huppert ha entendido perfectamente lo que se esperaba de ella y lo borda, fue colocada en su niñez en una situación de desprotección, desvalimiento y abandono, que nunca queda clara en el film, que para siempre le dio una perspectiva de la vida muy poco corriente y sobre todo nada influenciable: Lo que no te mata te alimenta pero lo que no te aniquila te convierte en un ser humano blindado que no hace asco a nada que pueda satisfacerla. La moral se convierte en un grupo de normas para colegiales y todos los lazos emocionales que puedas construir carecen de futuro, esperanza y fiabilidad….pura naturaleza.
Pues esta protagonista sufre un asalto en su casa y es violada. Lejos de acogerse a las reacciones típicas de esas situaciones, contemplamos intrigados y un tanto excitados, durante dos horas y pico, la existencia de esa “victima” que nos es expuesta con todo detalle. Una existencia que no se ve alterada por el hecho en lo más mínimo por la simple razón de que el picotazo de una avispa en la piel de un elefante pues….ni cosquilleo. Aunque ella tiene deseos de saber quién puede haber sido el asaltante. ¿Para qué?
En ese paraqué Paul Verhoeven se mueve como pez en el agua. Es cruel, impredecible, irónico, cínico…vamos, muy entretenido. Teje una narración que cuelga permanentemente de la expresión de Isabelle Huppert que cual cicerone nos va guiando por la historia sin dejar en ningún momento de intrigarnos. Y de ni tan siquiera al final del film dejarlo todo meridianamente claro… ¿O sí? No lo sé, pero no tiene la menor importancia. En el escenario que ha tejido el director, dónde va la vida y si se comen perdices o no, carece de importancia. Lo imprescindible es el banquete que nos hemos dado.
Una de las constantes de estas películas inquietantes de Verhoeven: “El cuarto hombre”, “Instinto Básico” es que los hombres son todos unos pringados, unos mandilones. No sé si tomármelo a bien, un mundo de mujeres fuertes sería así de desangelado, o mal, en un mundo tan equivoco como este del film los hombres no tienen nada que hacer si no padecer, débiles y predecibles.
De todas formas hay que ir a ver la película. Hay mucha enseñanza…se tenga aptitud para ello, o no.
Y una moraleja: Si vas de fiesta y hay algún extra en el espectáculo, encárgate de que todo el mundo que asista esté enterado porque si no puede ser que algún despistado te la joda.
O eso me ha parecido que quería decirnos Paul Verhoeven.

No sabía si hacer una reseña de esta película o no porque me incomoda poner en solfa la calidad del cine de uno de los directores más personales que tenemos. Un director que marca la diferencia con el resto por su puesta en escena, sus temas, su intensidad dramática, en fin, es cine de autor.
Y en el cine de autor todo está al servicio del autor. No intenta contar cualquier historia, intenta contar una historia en la que de una forma u otra pone mucho de sí. Lo que tiene como resultado normalmente una obra artística constreñida; a fuerza de repetirse las intenciones, nada original; en la que los actores no están al servicio de su personaje si no de ese particular matiz del personaje que al director le obsesiona con lo que el actor termina resultando impostado y nada natural.
El encuentro de los protagonistas por primera vez en el vagón restaurante del tren, su diálogo, es una de esas típicas escenas de Almodóvar, artificiales y de cartón, que suelen ser marca de la casa y que a mí no me gustan nada. O la entrada en el departamento del tren de la protagonista y el dialogo que mantiene con el viajero que ya está instalado. Escenas que a buen seguro a un estudiante de Ciencias Audiovisuales le valdrían un suspenso.
Después están esos colores puros, esos pliegues, esas canciones de Chávela Vargas, esas demostraciones un tanto pedantillas de un cuadro de Lucien Freud, una novela de Alice Monroe que se deja ver al abrir un cajón, el cameo de su hermano, la aparición de una de sus actrices fetiche, muerta Chus Lampreave pone a Rossy de Palma, y algunos fallos de guión, como ese suicidio que se produce de una manera harto improbable y poco creíble…
El cine de autor, o te gusta o no, y a mí no me gusta especialmente. Soportaba a Federico Fellini a duras penas cuando se ponía gamberro o existencial, a Ingmar Bergman por su estudio de los personajes, Carlos Saura me aburría y Luis Buñuel sólo si captaba su simbología no me hacía bostezar.
A veces pienso que si fuese extraño a nuestra cultura, o sea, si fuese ruso o francés, seguramente el cine de Almodóvar me parecería más interesante. Por lo exótico. Pero como soy de aquí pues lo personal de este director me suena a cantinela de abuela, tardes de domingo apedreando nidos y mujeres intensas y silenciosas, sufrientes y místicas.
Con todo y eso Emma Suarez consigue un milagro. Y es hacer un papel equilibrado, con un dominio de las emociones que afloran a su rostro que me ha gustado mucho. Se hará mayor y cinematográficamente hablando tiene mucho que decir.
Adriana Ugarte sin estar mal no se ha podido librar de ser una "chica almodovar".
En fin, otra película de Pedro Almodóvar. Irregular y nada cinematográfica, si lo cinematográfico es que te emocione, te haga olvidar que es una peli y que por una hora y pico te saque de este mundo duro y traidor. Y es que hay directores de cine artistas y directores de cine artesanos y dependiendo de si buscas arte o cine habrás de seguir a unos o a otros.
Generalmente las obras maestras del cine caen del lado de la artesanía, aunque sean las pelis de autor las que abren nuevos caminos, lo que por otro lado es una responsabilidad incuestionable del arte.