Toda una agradable sorpresa. Así podíamos haber titulado la reseña de esta ocasión. Quién hubiera esperado una película tan deliciosa (Lavender Mob Hill) en un viaje con la British Airways.
Se trata como bien dicen algunos de mis colegas de toda una obra maestra del género de robos a gran escala. Un tímido funcionario de banco narra desde su opulenta vida la consecución de un plan maestro. El argumento es simple, lineal el desarrollo y algo previsible el final. ¿Cuál es entonces el secreto del film? El secreto reside en unas magníficas interpretaciones, en una divertidísimas situaciones y en una encantadora ingenuidad. Maravilloso Alec Guiness (casi como siempre), maravilloso también Holloway (a quien recordarán como padre de Elisa Doolittle en "My Fair Lady") y estupendos secundarios (sí, mi amada Audrey también sale).
Entre las situaciones memorables una persecución al Hitchcock por las escaleras de la Torre Eiffel, y una hilarante parodia de la burocracia de controles y aduanas con la pareja protagonista y una odiosa caterva de niños.
Sencillamente maravillosa.

ABC emite el primer capítulo de su nueva serie y, hasta el momento, ya adolece de defiencias comunes a otras series "Terranova" (alias "Terra-Jurassic-Lost"), un cierto sabor a refrito de experiencias visuales conocidas. Aquí nos cabe en suerte un futuro distópico (tipo "The Road"), con chica protagonista a lo "Hunger Games".

La premisa es prometedora. En un mundo cada vez más alienado por el mal uso de la tecnología, la serie ofrece un reverso interesante: ¿qué pasaría si pasáramos del i-phone a la nada electrónica más absoluta?

Sin embargo, hay una impresión muy temprana de desaprovechamiento. La primera secuencia es hábil y prometedora con un apagón mundial bien filmado. Se nota ahí las tablas de Favreau ("Iron Man") y el imaginación de Abrams. Pero dura muy poco. Una elipsis fílmica nos sitúa quince años después. El espectador se sitúa ante una Mad Max blandita, edulcorada y formulaica. Tanto el dibujo de personajes (con la excepción del malo, el interesante capitán Neville protagonizado por Giancarlo Espósito), como en la actuación de los actores, tanto en la redacción de diálogos como en las flojas escenas de acción se observa una tendencia al piloto automático, a dar lo mínimo para que funcione. Ya sabemos que es un piloto, pero de momento, da mala espina que empiece a desaprovechar recursos.

Me parece destacable el aire nostálgico de ciertos elementos: con evocaciones de los años 80 (pantallas en verde, referencias al "Retorno del Jedi"). Igual por ahí la serie va tomando cuerpo. Hasta ahora, sin embargo, la serie parece bastante regular. Veremos si el aire nostálgico ochentero le da un poco de carne al pellejo.
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Una última nota, el nombre de uno de los protagonistas, Matheson, parece homenajear al escritor Richard Matheson, creador de "I am Legend" "The Incredible Shrinking Man" y algunos capítulos de "Twilight Zone".

En el contexto de acertados comentarios sobre argumento y personajes, me animo a compartir con los lectores una notable característica estética que hacen de "Luther" un muestra audiovisual sorprendente: el hecho de que Luther disuelve el centro de plano.

Raras veces las series aportan de manierismos tan señalados como en "Luther". Si imaginan el centro de la cámara (el de la pantalla de su televisor), comprobarán que la serie privilegia las esquinas y el plano inferior (el tercer episodio es especialmente claro en este sentido). Este privilegio no es fruto de la casualidad. El seccionar de la cámara despierta una tensión creciente. Muchas veces vemos a Luther arrinconado en pantalla, ya hacia una esquina, ya en planos completos donde, a media distancia, su cuerpo apenas se asoma abajo de la pantalla. Con ello, sus creadores han decidido subrayar el desequilibrio que marca a sus personajes. Este recurso alimenta la tensión psicológica que caracteriza la serie.

Podemos ver en ello una cualidad, asimismo, simbólica. La cámara, como el ideal del detective equilibrada, pierden su centro dando lugar a una sintaxis del desasosiego.

Aporto este detalle como un rasgo más para valorar la originalidad de la serie: imperfecta a veces, retorcida en sus planteamientos, pero de brillante ejecución las más de las veces.

Sumamente interesante la propuesta que nos da Majidi sobre la incomprensión, los prejuicios de nuestros seres queridos, los valores de la diferencia y las distintas vías de conocimiento que aportan nuestros sentidos.
Bella por momentos, con fotografía excelente y escenas realmente conmovedoras (la del niño esperando a su padre, o leyendo un lenguaje secreto en las voces y en las voces de los pájaros, o el maravilloso diálogo con el carpintero), la película termina flaqueando por una dirección indecisa y reiterativa que no termina de rematar lo que quiere expresar.
Lástima. Lo que tan claro había quedado claro sobre la psicología de personajes, Majidi lo repite hasta la extenuación. No les permite crecer más allá de lo que un folletín haría posible.
No diré que carece de poesía este film iraní, simplemente que es un poema al que le sobran muchos versos prosaicos; es decir, que nos encontramos con una de esas películas mejor ideadas que filmadas. Hay, de un lado, una terrible torpeza en la cursilería de ciertas secuencias (la cámara lenta es ya pura retórica arcaica en cine; no diré nada del final de telenovela a través de los rápidos) y, de otro, una falta de talento a la hora de explotar situaciones que daban para más. Así, el aprendizaje del niño con el carpintero ciego, que muchas más lecciones de vida podía ofrecernos, se queda en una sola y memoriable escena; el fabuloso retrato de la educación en el colegio para ciegos da apenas un retazo de encanto... Falta continuidad en la belleza de la palabra, falta un mayor diálogo entre caracteres. Qué otra película hubiera sido si se hubiera mimado la palabra, o si se hubiera procurado un mayor intercambio de ideas entre los niños de uno y otro mundo, rural y urbano, videntes y ciegos!
Pero no, Majidi no da un paso más. Una y otra vez el director insiste en un mismo leitmotiv: el niño que lee un mundo desde su tacto y su oído, el padre frustrado por tener un hijo ciego. Tanta recurrencia da sensación de que el film fuera más largo de lo que es y de que hay ripios que estropean escenas de auténtica poesía.
A pesar de todo, una película recomendable que deja en el espectador la lección de que hay muchos modos de acceder a la belleza.

Considerada como una de las películas que devolvió vida al cine mexicano, Canoa constituye uno de los títulos más señeros del directo Felipe Cazals (autor de El apando, si mal no recuerdo).
El mayor mérito del film consiste en el poder de su denuncia social a pocos años del suceso acaecido en 1968. Cinco chicos que trabajaban en la Universidad de Puebla, deciden escalar el cerro de Malinche. Para poder realizar la escalada, deciden ir hasta el pueblo de San Miguel de Canoa, población muy cercana de la capital del estado, pero a años luz de la más mínima manifestación de progreso. Allí, instigados por la paranoia anticomunista sembrada por el Padre del pueblo, los habitantes en masa enfervorecida deciden apalear, acuchillar a "los enemigos de la fe cristiana". El espectador asiste a un supuesto documental basado en los hechos, en los que, de manera brillante, se ponen sobre la mesa los distintos elementos que dieron lugar a la tragedia.
Salvo la deficitaria interpretación de alguno de los excursionistas y la falta de vigor del actor que interpreta al Padre, resulta espléndida la elección de actores, la recreación de Canoa (se filmó, lógicamente en un pueblo aledaño). Muy hábil es la inserción de un personaje que interacciona con la cámara a modo de "narrador". Treinta años después y gracias a la masterización digital, se ha conseguido hacer esta obra cuyo negativo corría el riesgo de perderse.
Película, pues, para reflexionar sobre el manejo de las masas a través de la fe, sobre los resortes aleatorios que pueden conducir a la tragedia de unos inocentes, sobre cómo ese 68, tan afrancesado en la memoria, se vivió con fuerza propia en México.