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El inicio de X-Men: Días del futuro pasado es notable. En diez minutos nos ponen en situación mientras los mutantes del futuro tienen una pelea con los centinelas. Hace muchos años que no disfrutamos de verdad con una cinta sobre superhéroes Marvel y esta introducción nos despereza. La aparición del joven Xavier, enganchado a la jeringuilla, entre otros detalles, nos obliga a abrir bien los ojos. Entonces, ¿ X-Men: Días del futuro pasado no es otra peli para niños o espectadores infantilizados borrachos de nostalgia?

Tal vez la cinta de Bryan Singer sea una de las primeras películas de superhéroes de la última década con argumentos suficientes para gustar a espectadores que no tragan a los superhéroes. Y eso es mucho. No solo es la jeringuilla de Xavier… X-Men: Días del futuro pasado maneja bien la combinación de drama, acción y humor. El último aspecto queda cubierto con la aparición de Quicksilver y algún chascarrillo de Lobezno. Las peleas del inicio y la entrada en el Pentágono están rodadas con encanto. ¿Y el drama? Bueno, al menos al principio logra que nos interesemos por la historia, especialmente apoyada en la eterna pugna de dos amigos con objetivo bien diferentes: Xavier y Magneto.

Ahora bien, una vez que avanza la película y se acerca el final, X-Men: Días del futuro pasado pierde su potencia inicial. Una película de superhéroes Marvel siempre tiene que tener su estropicio final. Suponemos que son las reglas. En este caso, el RFK Stadium es el peor parado de la batalla… El montaje en paralelo de la fase final tampoco nos convence, tal vez porque nos había gustado demasiado el inicio y esperábamos más de los centinelas del futuro. Y Xavier se sienta en la silla de ruedas, deja las drogas y empieza a ponerse pesado con sus homilías. Pero esto último no es achacable a la peli, Xavier siempre ha sido así…

El apartado interpretativo hará las delicias de los aficionados a X-Men y convencerá a los profanos. Ahora bien, Lobezno no es Hugh Jackman, no el Lobezno que yo conocí con Claremont. Wolverine es bajito y un cabrón. Pero sobre todo, bajo. Son cosas que nunca entenderemos, por mucho que nos guste Jackman. A su lado el siempre elegante Fassbender, la bella Jennifer Lawrence, James McAVoy, Tyrion Lannister, etc.

En definitiva, X-Men: Días del futuro pasado entusiasmará a los fans del género y despertará interés en muchos espectadores ajenos al Universo Marvel. No obstante, la cinta no logra mantener el nivel en lo más alto hasta el final.

Lo Mejor: El inicio. El sentido del humor y muchas secuencias de acción. Es una cinta de superhéroes apta también para público no habituado a este género.

Lo Peor: Al desenlace le falta el encanto que le sobra al inicio. Los sermones de Xavier siempre nos han cortado el rollo. Pero el hombre es así, qué le vamos a hacer.

[crítica publicada en alucine.es]

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Pero Miyazaki pasa de puntillas por las cuestiones políticas y bélicas que se ocultan en el trasfondo de su relato y decide concentrarse en la historia individual de Jiro: sus fracasos y éxitos laborales, su determinación, sus anhelos, y su amor por Nahoko. De esta forma, la melancolía va creciendo en la película, mientras el espectador deja de soñar y se da de bruces con uno de los sucesos más dramáticos de la historia de la humanidad, que los japoneses vivieron muy de cerca… Demasiado cerca.

Miyazakai no justifica la actuación de su país en los años previos al estallido de la guerra… Pero tampoco hay una condena directa. Jiro y otros personajes de la cinta son conscientes de que su país se dirige al abismo, pero siguen viviendo… Y trabajando. Trabajando en aviones de guerra que tendrán una importancia capital en el desarrollo de la guerra.

Al no tomar partido y centrarse en la historia personal de su protagonista, la película acusa una cierta falta de profundidad que perjudica el resultado final. Es cierto que estamos ante la trama más compleja, tal vez más clásica, desde el punto de vista narrativo, en una película de Miyazaki. Pero creemos que El viento se levanta podría haber sido un poco más ambiciosa. Pero ¿quiénes somos nosotros para decirle a Miyazaki como debe plantear sus historias?

Tal vez sea la propia tristeza de despedirse de un genio como él la que nos lleva a buscar defectos donde tal vez no los haya. Un genio que ha creado un universo estético y narrativo único. Mi vecino Totoro, Porco Rosso, La Princesa Mononoke, El Viaje de Chihiro… Es difícil encontrar películas en las que un espectador se sienta tan a gusto. Siendo niños vivimos experiencias inolvidables acompañando a sus personajes. Cuando volvimos a ellos, años más tarde, la emoción seguía ahí. No es nostalgia, es cine con mayúsculas.

A nivel estético, El viento se levanta es una obra majestuosa, en la línea de sus mejores proyectos. Seguimos vibrando como el primer día, surcando los cielos, soñando sus sueños, creyendo que un día, al fin, la vida será como una película de Miyazaki. Pero El viento se levanta, presenta la otra cara de la moneda. La otra realidad, la dramática, la trágica y la violenta. Y debemos despertar del sueño. Miyazaki se va, como el viento. Pero hay que intentar vivir…

Lo Mejor: Estéticamente maravillosa, como siempre.

Lo Peor: El guión no vuela tan alto como nos gustaría.

[crítica publicada en alucine.es]

Cuando estás deseando que una película termine, no es buena señal. Divergente tiene algunos momentos entretenidos, pero globalmente es mediocre. Tampoco esperábamos mucho de la adaptación de la novela homónima de Veronica Roth, que al parecer es la primera parte de una trilogía, no faltaba más.

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Teniendo en cuenta que está esencialmente dirigida al público más joven, suponemos que Divergente reflexiona sobre las dificultades que tiene el ser humano para reivindicar su identidad y personalidad en una sociedad uniforme y estructurada en clases. Y para desempeñar un rol social para el que no estaba, en principio, encaminado. Resumiendo, en la vida tienes dos opciones: encajar o no, pertenecer a la manada o ir por libre. Ambas opciones tienen sus pros y sus contras. También ofrece una visión sobre la emancipación familiar, con los conflictos que de ella deriva.

Beatrice toma una decisión y debe asumir sus responsabilidades. En principio lucha por encajar en su nueva facción. Se esfuerza en la interminable primera parte de la película por superar las pruebas pertinentes para convertirse en un miembro válido de la sociedad. Pero cuando lo consigue se da cuenta de que tal vez su esfuerzo no haya merecido tanto la pena.

Divergente no es la peor película de ciencia ficción de los últimos años. Está bastante bien rodada y tiene algunas escenas de acción de nivel, pero su trama es vulgar, su trasfondo no da para mucho y su pareja protagonista no convence. El caso de Shailene Woodley es singular. No sabemos si en otras películas está mejor, pero en Divergente es sosa, tirando a rancia. Hilando fino, creemos que es una actriz con la que el público femenino joven puede empatizar. Pero le falta encanto. Lo mismo cabe decir de Theo Jones. No hay ninguna química entre la pareja protagonista, parecen hermanos… Y así no se puede. Por su parte, la presencia de Kate Winslet es testimonial.

Divergente tiene sus momentos ridículos, como casi cualquier cinta juvenil actual. La actitud de los policías del futuro, los osados, es un poco absurda. Saltan, brincan y dan vueltas al aire. Y van de negro. La controversia entre Erudición y Abnegación queda sin definir, mientras el guión dedica casi dos tercios de metraje a las pruebas que tiene que pasar Tris para enrolarse en su nueva facción. Y al final, un poco de Blade Runner…

Pero claro, ya se está trabajando en las secuelas de Divergente: Insurgent, Allegiant Part I, Allegiant Part II. Para los que hayáis disfrutado de Divergente, estáis de suerte. Hasta 3 pelis nuevas se avecinan. Para los que no, tenéis tiempo para preguntaros: ¿Por qué?

Lo Mejor: Que Tris deja de pasar pruebas. Alguna secuencia de acción. El final no está mal.

Lo Peor: La pareja protagonista. Previsible. Un poco ridícula en algunos momentos. Larga. Kate Winslet no se desnuda.

[crítica publicada en alucine.es]

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¿El cine como entretenimiento? Es un concepto equívoco. Upstream Color entretiene, entretiene el cerebro y el alma. Y los sentidos. El cine también debe dejar huella. Si no, solo es un pasatiempo, un juguete de usar y tirar. Una gran parte de las propuestas que llegan cada semana a las carteleras no son más que caramelos, golosinas para chupar durante 90 minutos. Y olvidar lo más pronto posible.

El cine se infantiliza y el espectador asiente. Espectáculos visuales y ligeros que explotan la mitomanía y la nostalgia cinéfila. Siempre lo mismo y de la misma manera.

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Upstream Color es un soplo de aire fresco en la cartelera. Una cinta ambiciosa y original dirigida a un espectador exigente. Cine que traza un camino diferente, que explota nuevas posibilidades de este maltratado arte. Carruth combina ciencia-ficción, estructura elusiva, puzles narrativos y romanticismo marginal.

¿De qué va Upstream Color? La película de Shane Carruth reflexiona sobre la identidad, sobre el ciclo de la vida, sobre la vinculación física y espiritual entre seres humanos. Y sobre nuestra conexión con la naturaleza. Upstream Color aborda también el amor como salvación, como esperanza, pero sobre todo como unión espiritual, como refugio de las almas perdidas.

Kris vive una vida sencilla, independiente, volcada en su trabajo. La terrible experiencia vivida con su captor cambia abruptamente el escenario. Llegan las pastillas, el aislamiento. Pero Jeff entra en su vida. Poco a poco, Jeff descubrirá que ambos están unidos por algo más que por la atracción física. Ambos comparten vigilante…

Upstream Color maneja una estructura narrativa singular, extremando los hallazgos de su imprescindible Primer. Son las imágenes, y no las palabras, las que cuentan la historia. Cine. Carruth rechaza la tiranía del guión clásico como vertebración de una narración cinematográfica. El director californiano sincopa escenas para construir un relato intelectual y emocional. Es fácil detectar el influjo de Terrence Malick a nivel formal, pero Carruth maneja otra sensibilidad y persigue otros objetivos. Tal vez Upstream Color sea laberíntica, pero tiene un final. Solo hay que poner un poco de empeño para llegar. Merece la pena.

Lo Mejor: cine que se toma en serio a sí mismo. Y al espectador. La música. El final.

Lo Peor: algunos de sus diálogos, más que crípticos, son antinaturales.

[crítica publicada en alucine.es]

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Cuando Jimmy P. da sus primeros pasos, mecido por la intrigante partitura de Howard Shore, creemos que la historia promete. El cine es un instrumento muy poderoso para reivindicar sucesos históricos olvidados. Y esa parece ser una de las facetas de Jimmy P: recordar la tragedia vivida por un pueblo. Pero cuando pasan 15 minutos de metraje, el ritmo empieza a decaer y la historia se pierde en una madeja de jerga psiquiátrica. Ya no se recuperará…

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El problema es que no todas las historias basadas en hechos reales, por muy reales que sean, dan para una película. No sabemos que vio Desplechin en este asunto. A lo mejor el libro es interesante, pero el tratamiento que le da el director y coguionista galo en su película es completamente errado.

Decir que Jimmy P. es aburrida, es decir poco. Es plúmbea. Incoherente. Farragosa. En ningún momento encuentra el tono adecuado. El espectador cree que va a descubrir algo importante a medida que avance la historia. Todo es muy serio desde el comienzo. Pero nada de nada. Mientras la partitura de Howard Shore va por un lado, las situaciones van por otro. Los secundarios (el equipo de psiquiatras, la novia de Devereux) no aportan nada, no sabemos cuál es su papel en la historia.

Y los dos personajes principales no logran emocionar…Se supone que su relación es el pilar de la película. Dos personas de dos mundos diferentes que deben llegar a entenderse. Parece que al final se entienden, pero nosotros a ellos, no… Tanto Benicio del Toro como Mathieu Amalric no están muy finos, perjudicados por un libreto lamentable. Del Toro es una roca, aunque tal vez era lo que Jimmy P. pedía y Amalric sobreactúa, siempre nervioso. Su personaje agota, tal vez porque tampoco nos ofrece ninguna conclusión firme.

Mención aparte merece la música. Estamos hasta las narices de partituras aparatosas para películas que no lo piden. Howard Shore es un clásico, especialmente célebre por sus colaboraciones con Cronenberg y Peter Jackson. Lo que ha perpetrado para Jimmy P. es totalmente incongruente. Parece una banda sonora intercambiable con cualquier otra película. El tono de la música no se relaciona con la historia. Es como si pones la música de Psicosis en una película de Aki Kaurismaki.

Y así con todo en Jimmy P. A pesar de sus buenas intenciones, la cinta de Desplechin es un quiero y no puedo constante. No es críptica o enigmática. Está mal hecha. No hay más.

Lo mejor: Formalmente correcta.

Lo peor: El guión, no encuentra el tono ni el pulso narrativo. Pretenciosa. Aburrida. La banda sonora no concuerda con la historia.

[crítica publicada en alucine.es]