Me too es una película dirigida por Aleksei Balabanov, estrenada 6 de septiembre de 2012. Aleksei Balabanov murió el 18 de mayo de 2013, ocho meses más tarde. Aunque un paro cardíaco le causó la muerte, esta no le alcanzó por sorpresa. El estado de salud del director se había deteriorado visiblemente en sus últimos años y, viendo esta película, queda claro que este lo tenia presente.
La trama de la película gira en torno a un disímil grupo de personas que emprende un viaje en busca de la felicidad. Afortunadamente para nuestros protagonistas, en la realidad de la película este intangible atributo puede ser alcanzado en un lugar físico: una iglesia, en el centro de una zona que quedo sumida en un perpetuo invierno a causa de una misteriosa catástrofe, barriendo con todos sus habitantes en el proceso. Según la leyenda urbana, al llegar a la iglesia, el individuo tiene una posibilidad de hallar la felicidad o morir en el proceso.
Aunque la temática de esta película es claramente fantástica, Balabanov la dirige fiel a su estilo. Este nunca fue particularmente adepto a la sutileza o las metáforas, y esta película no es la excepción. La fantástica y metafórica temática es presentada como otro acontecimiento de la vida cotidiana y el director no parece tener una reflexión final para compartir al respecto. Este es el aspecto más flojo de la película, Balabanov tiene una buena idea sobre el tema que quiere tratar, pero falla a la hora de desarrollarla, resultando en una historia que da la sensación de estar vacía de contenido.
En última instancia, la emoción más fuerte que me transmite esta película es impotencia. Esta sensación no carece de sentido, es cruel e inhumano exigirle total claridad a un hombre que se ve cara a cara con la muerte. vista en contexto, Me too tiene mucho más sentido. Sirve como ventana de la mente de una persona que plantea incontables conceptos, tratando de sacar una gota de verdad a su existencia antes del final. A esto me refiero cuando hablo de impotencia, ver esta película se asemeja a escuchar a un borracho narrando los motivos de su desgracia, tiene más de desahogo que de reflexión. En este sentido me recuerda a alguna de sus obras anteriores como Ruleta rusa (2005).
En conclusión, Me too tiene más valor como ventana a la mente del director que como película. Recomendada para conocedores y admiradores del cine de Balabanov.

En retirada es la segunda película de "la trilogía de Ranni", una seguidilla de tres películas muy inspiradas en el cine americano de la época, dirigidas por Juan Carlos Desanzo y protagonizadas por Rodolfo Ranni.
La película está ambientada en Argentina de finales de 1983. El Proceso de reorganización nacional, la dictadura brutal que gobernó Argentina desde 1976 hasta 1983, está llegando a su fin. Tras años de mala gestión y represión ilegal, el país ya no aguanta más y los criminales en el poder están en una carrera contra reloj para atar todos los cabos sueltos antes de huir definitivamente.
Este es el contexto en el que se ve envuelto el Oso, un torturador de un "grupo de tareas" que se ve abandonado por sus socios y superiores de la noche a la mañana. Acostumbrado a la total impunidad, el protagonista debe enfrentarse a un mundo que ya no tiene tolerancia para personas como el.
Tristemente, este es un caso en el que la idea sobrepasa ampliamente a la ejecución. El ritmo de la película sufre por la falta de dirección clara: El segundo cuarto de la película se siente totalmente desconectado del resto. También hay personajes que son introducidos al comienzo y parecen tener papeles importantes, pero cuya influencia en el desenlace de la historia termina siendo casi nula.
Un gran punto positivo son los personajes, muy originales y cuyas interpretaciones enaltecen el contenido del guión. Rodolfo Ranni está magnífico en su papel protagónico, interpretando a un psicópata irredimible que se ve acorralado y obligado a luchar para sobrevivir al cambio de los tiempos. Julio De Grazia también brinda una muy buena actuación, aunque su personaje esté desaprovechado.
Un detalle a mencionar es la crudeza con la que la que se retrata la época. El protagonista es un torturador y un asesino, y la película no se censura a la hora de retratar sus acciones. Debido a esto la película puede llegar a ganarse el rechazo de los espectadores más sensibles.
En conclusión, En retirada es un caso muy interesante; una película contemporánea al fin de la dictadura, que retrata este momento histórico sin miedo a resultar cruda. La recomiendo para quienes estén interesados en el tema, aunque vuelvo a resaltar que la idea es más interesante que la ejecución.

The Stocker es una película del reconocido director ruso Aleksei Balabanov. Después de experimentar con distintos géneros el director vuelve a la carga con un thriller delictivo como los que lo lanzaron al estrellato ¿Estará a la altura de las circunstancias?
La trama sigue los pasos del carbonero (el título de la película, traducido al español, es "El Carbonero"), un viejo veterano de la guerra de Afganistan que pasa sus días alimentando la caldera de un decrépito edificio en San Petersburgo. Además de su monótono trabajo, el protagonista tiene una hija que solo lo visita para pedirle prestado dinero y un viejo amigo, compañero de guerra, que se aprovecha de sus calderas para deshacerse de los cuerpos de los hombres que asesina para la mafia. El carbonero es un hombre que se contenta con subsistir sin quejarse aunque lo ninguneen o aventajen, pero las acciones de su antiguo compañero le despertarán de su letargo.
Conociendo como conozco la filmografía de Balabanov esta película me dejó perplejo. Todos los elementos propios de su estilo de dirección están presentes pero se unen sin cohesión alguna, como si esta producción hubiese sido escrita y dirigida por una inteligencia artificial haciéndose pasar por Aleksei Balabanov.
Este director es conocido por sus guiones contemplativos, llenos de conversaciones "banales", y ritmo narrativo "relajado". Balabanov descompone sus historias en pequeñas escenas de la vida cotidiana que conforman un rompecabezas que el espectador debe armar. Con esto no me refiero a que sus guiones estén llenos de giros argumentales, sino que suele haber algún tipo de conclusión a extraer al final de sus películas, tristemente este no es el caso. Esta producción puede ser definida como banalidad en su peor expresión, quince de los ochenta minutos de metraje están dedicados a seguir a los personajes por las calles de San Petersburgo mientras caminan de un lado al otro, sin diálogo, solamente acompañados por la banda sonora.
Otra característica común de este director es su falta de aprensión a la hora de incluir desnudos en sus películas. Pero mientras que en el resto de sus producciones estos suelen estar justificados y acompañar al peso del guión aquí simplemente aparecen incluidos como por obligación contractual. Resulta verdaderamente chocante, no porque estas escenas resulten particularmente faltas de tacto, sino porque no sirven en nada a la trama y podrían ser eliminadas sin problemas.
Para completar la valoración del argumento, la trama en si es prácticamente inexistente. Los dos primeros actos tienen conexión prácticamente nula con el climax del tercero y, para colmo, ninguno de ellos resulta muy entretenido.
En conclusión, The Stocker es una película extraña, casi una parodia de las anteriores producciones de su director. Tristemente no puedo recomendarla, ni siquiera a los más fanáticos de Aleksei Balabanov.

Tenet es una película del célebre director Christopher Nolan. Gracias a los elevadísimos presupuestos, la inclusión de grandes actores y los sugestivos guiones, que tratan temas pocas veces vistos en el cine, ninguna de las producciones del director británico pasa desapercibida; se las puede amar u odiar, pero nunca obviar.
La trama de Tenet sigue los pasos de un anónimo agente de la CIA que, tras ser dado por muerto, es reclutado por una misteriosa organización con objetivos inciertos. La misión que se le asigna lo llevará a recorrer medio mundo y relacionarse con todo tipo de poderosos individuos que controlan el destino del mundo.
El ritmo de la película solo se puede calificar como vertiginoso. Desde el primer instante la trama avanza sin piedad, introduciendo conceptos, personajes y giros argumentales velozmente y sin derrochar ni un segundo. Este estilo de narrativa, que no me termina de convencer, habría fracasado completamente de no ser por el talento de los actores principales, que son capaces de interpretar los diálogos más enrevesados sin caer en el ridículo. Particularmente me gustaría destacar la actuación de Robert Pattinson, de las mejores de toda la película.
Sin lugar a dudas El Origen (2010) fue la película que cementó la reputación de Christopher Nolan como gran director de acción de alto concepto, y Tenet es lo más parecido a esta producción que el británico ha dirigido desde entonces. El punto donde la primera triunfó indiscutiblemente mientras que esta segunda se queda a medio camino es el tratamiento del concepto central del guión. En El Origen, Nolan fue capaz de expresar visualmente el intrincado proceso de los sueños dentro de sueños; en Tenet, las grandes escenas de acción en las que se pueden apreciar objetos y personas moviéndose hacia adelante y atrás en el tiempo se vuelven demasiado difíciles de seguir. Es difícil apagar el cerebro y disfrutar del espectáculo cuando el mero visionado de dicho espectáculo requiere un esfuerzo de traducción continuo por parte del espectador. Quizás viendo la película más de una vez estos problemas se vuelvan menos notables. No dudo que todas y cada una de las escenas de acción fueron planificadas y ejecutadas con extremo cuidado por Nolan y su equipo, pero no puedo pasar por alto el hecho de que, habiendo visto la película una sola vez, estas resultan poco disfrutables.
Casi no vale la pena mencionar el apartado técnico, predeciblemente impecable en todos los aspectos. La película se ve y suena genial, con una enérgica banda sonora compuesta por Ludwig Göransson, que recuerda a composiciones de Hans Zimmer, como la banda sonora de Blade Runner 2049 (aunque no llegue a superarla).
En conclusión, Tenet es una película de factura exquisita, con impresionantes efectos especiales y actuaciones de lujo, que en última instancia no es capaz de expresar satisfactoriamente sus conceptos en pantalla. La recomiendo para todo el que disfrute del cine del director o de las producciones del estilo de James Bond. La película en si no es mala, pero la expectativa formada en torno a ella fue demasiado grande.

El rey del once es una película de Daniel Burman. Con un marcado estilo costumbrista, esta se zambulle de cabeza en el submundo de la comunidad judía de la zona del once, ubicada entre los barrios de almago y balvanera, en Buenos Aires capital.
La trama de esta película sigue los pasos de Ariel, un economista argentino que vuelve a su Buenos Aires natal para comenzar una familia con su prometida después de vivir por años en Nueva York. Al poco tiempo de llegar Ariel se da cuenta de que las cosas no van a ir de acuerdo con lo planeado y las circunstancias lo empujan a involucrarse en los negocios de su padre, el director de una fundación sin fines de lucro que se dedica a ofrecer ayuda a familias judías de pocos recursos. Es así que Ariel se verá embarcado en un viaje que lo llevará a reconectar con sus raíces y a comprender a su padre por primera vez en su vida.
La historia es sumamente simple e intrincada a la vez. La serie de acontecimientos que conforman esta película se suceden secuencialmente, no hay grandes revelaciones ni giros inesperados y todo lo que sucede es completamente creíble. Pero detrás de la simpleza del guión se esconde un entramado infinitamente complejo. Esta película es corta pero ancha, y es capaz, en sus escasos ochenta minutos de metraje, de sintetizar un mundo entero conformado por mil personas individuales con sus penas y sus alegrías, con sus odios y amores, viviendo mil vidas que se entrelazan formando las historias de las que somos espectadores.
Todas las actuaciones y los diálogos de los personajes son naturales y creíbles, la película está filmada exclusivamente en locaciones reales. Si a esto le sumamos una banda sonora casi inexistente, un guión creíble y una factura técnica prácticamente invisible, obtenemos una producción que nos transporta de lleno al mundo que retrata.
En conclusión, El rey del once es una película muy particular que aborda un tema pocas veces tratado con un estilo pocas veces visto. La recomiendo para todo el que esté dispuesto a ver algo distinto.