Si alguien quiere saber cómo fue y cómo vivieron los soldados aliados el desembarco de Normandía, solo tiene que ver la primera media hora de "Salvar al soldado Ryan" y se quedará con la boca abierta debido al hiperrealismo con el que nos lo cuenta Steven Spielberg. Hay otras películas sobre el desembarco, como por ejemplo "El día más largo", pero en ninguna de ellas tendremos la sensación, sobre todo si se ve en pantalla grande, de estar asistiendo casi en primera persona a lo que allí sucedió.
Esa primera media hora es, probablemente, uno de los grandes momentos que nos ha dado el cine bélico. Para Spielberg tuvo que suponer un reto el mantener el nivel después de haber puesto el listón tan alto. Pero las sorpresas continuarían en lo que resta de película. Me explico. Todos los momentos en los que entra en acción el grupo de rescate están magistralmente narrados (la escena del francotirador, la irrupción de los tanques... En ambas creo que se puede apreciar la influencia de un buen filme de Robert Aldrich: "Attack"); pero, además, Spielberg le da la vuelta a uno de los grandes temas del cine bélico. En este género lo habitual es que el individuo se sacrifique por el grupo. En "Salvar al soldado Ryan" sucede justamente lo contrario: es el colectivo el que se sacrifica por el individuo.
Spielberg creo que conseguía así una de las cimas no solo de su carrera como director sino también del cine bélico.

"El viaje a ninguna parte" es un magnífico homenaje a las compañías de teatro ambulante (los llamados "cómicos de la legua") que, hasta la irrupción del cine y de la televisión (Internet todavía quedaba lejos), fueron el principal entretenimiento ya no solo de las personas que vivían en el rural sino también de las que lo hacían en las ciudades de "provincias".
A su vez, el otro gran tema de la película sería el de la validez de los recuerdos, ya que esta se construye a partir del testimonio, ya de anciano, de uno de los componentes de dicha compañía, interpretado de forma más que correcta por José Sacristán, dándonos a entender, en ocasiones, que lo que se nos muestra en la pantalla puede no corresponderse exactamente con el relato del narrador, debido a que el paso del tiempo y la subjetividad del que narra muchas veces pueden distorsionar lo que se recuerda.
Además cabe señalar las buenas actuaciones de todo el elenco de actores, así como la acertada mezcla de drama y comedia en una película que acaba dejando un poso de tristeza al reflejarnos las desventuras de este grupo de actores, que nunca llegarán a estrellas, y que están viendo cómo el medio que les daba trabajo y sustento toca a su fin a causa de la llegada de la modernidad, es decir, del cine.
Sigo en el spoiler.

Reconociendo que el cine social no es uno de mis géneros favoritos, quizás porque con excesiva frecuencia deriva hacia un cine militante y discursivo que puede resultar, a veces, ideológicamente un poco cargante y maniqueo, "La clase obrera va al paraíso" tiene, para mí, aspectos positivos como el reflejo de la alienación (debida a las agotadoras jornadas de trabajo) que sufren los trabajadores de una fábrica o la posterior toma de conciencia sindical de uno de ellos, tras haber sufrido la amputación de un dedo en el trabajo. También es muy interesante ver las divisiones existentes entre los diferentes sindicatos de la izquierda, siempre a la gresca, y más preocupados, en ocasiones, por sus propios intereses que por los de los propios trabajadores. Además destaca la utilización del humor en algunas escenas (podría haber sido más explotado todavía) para restarle dramatismo a lo que se cuenta.
En el otro lado de la balanza estaría la forma un poco desquiciante de contar la película por parte de Elio Petri, con escenas un poco repetitivas, como las continuas arengas de los sindicatos a la entrada de la fábrica. Este desquiciamiento también se podría relacionar con que los personajes están continuamente gritando o con la propia actuación de Gian María Volonté, quizás excesivamente intenso en su intención de reflejar la desesperación del personaje a lo largo de buena parte de su actuación.
Algunos dirán que precisamente ese desquiciamiento es lo que quiere reflejar la película, pero a mí me resulta, en muchas ocasiones, demasiado repetitivo y obvio.

A la hora de juzgar esta película creo que hay que contextualizarla debidamente en la filmografía de Steven Spielberg: fue el primer telefilme que rodó; el presupuesto que manejó fue mínimo; y el peso de la acción lo llevan un actor, un coche y un camión. A pesar de esta escasez de medios, Spielberg da una lección de intriga que logra crear una sensación de angustia y de agobio en un espectador que vive con incertidumbre la persecución a la que es sometido un viajante por parte de un diabólico camión por una zona desértica de Estados Unidos. La carga simbólica de la película está clara, con el camión representando un mal con el que podemos topar en cualquier carretera perdida y en cualquier momento de nuestras vidas.
Además, ya se avanza en cierto modo, con esa personal mezcla de acción y de intriga cercana al terror, lo que confirmaría después en "Tiburón". Un gran cineasta, sobre todo de acción, se estaba forjando.

Dejando claro que el racismo es un grave problema, que los del Ku Klus Klan me parecen una banda de tarados y que Trump no me cae especialmente bien, Spike Lee toca estos tres palos en la película con no demasiada sutileza. Pareciéndome interesante la mezcla de comedia e intriga en la trama relacionada con el policía infiltrado en el Klan, lo mismo que lo relacionado con que el protagonista sea el primer negro que formó parte de la policía del estado de Colorado; Spike Lee creo que estropea todo esto con el tono sermoneador que adopta en buena parte de la película. Este tono es especialmente molesto, creo yo, porque, de la acción que estamos presenciando, cualquier espectador, sin necesidad de ser muy avezado, podría sacar parecidas conclusiones a las que ya nos da, bien machacaditas, el director de Atlanta.
Si bien es cierto que la tendencia al sermoneo se da ya en algunas de sus películas anteriores, en esta o parece tomar al espectador por tonto o, lo que es lo mismo, debe de pensar que no le va a quedar claro el mensaje que le quiere trasmitir. Este estilo queda muy lejos, desde luego, de la que quizás es una de sus mejores películas: "La última noche". Y es que los sermones pueden funcionar bien en la iglesia o (lo dudo más) en la escuela, pero en el cine o en la literatura pueden resultar un poco cargantes.