*El terror de las nuevas tecnologías

Target nos presenta a un psicópata asesino que se dedica a estafar a la gente a través de una aplicación de compraventa de artículos de segunda mano. Aunque la trama se presenta de forma un tanto inverosímil, el parecido con los crímenes de la IA actuales en Corea del Sur es bastante aterrador.

Corea atraviesa una situación complicada con los crímenes cibernautas de pornografía e imágenes pornográficas de personas reales, en su mayoría niñas menores, modificadas con la IA. El descontrol de las nuevas tecnologías se materializa en Target mostrando la facilidad de manipular, estafar y aterrorizar desde el anonimato de internet.

El filme de Park Hee-gon aparece en un momento turbio para el país, especialmente para las jóvenes. Uno nunca sabe de quien se puede fiar, especialmente cuando todo el mundo tiene acceso a tú información a través de las redes sociales.

*Un thriller policial con buena acción

No podían faltar, siendo este un thriller surcoreano, unas buenas secuencias de acción. Ya sea una persecución policial en coche, un intento de secuestro o un forcejeo violento con el antagonista, Target las tiene todas.

A las peleas coreografiadas al detalle, se le añade una excelente dirección de sonido. Los coreanos hacen muy buen uso de los elementos sonoros en sus películas, un hecho especialmente reconocible en thrillers y películas de acción.

Como bien comentaba el cofundador del Korean Film Festival Barcelona Enrique Garcelán durante la presentación de Target, las escenas de lucha o peleas están milimétricamente preparadas. Cada golpe, cada acción y movimiento tiene un propósito que hace que luego se aprecie la homogeneidad de todos los elementos en la pantalla, dando profundidad a las escenas.

*Un tercer acto cuestionable

Durante el transcurso de Target, algunas de las decisiones tomadas por la protagonista parecen un tanto absurdas, aunque no lo suficientes como para sacarte de la historia. Las emociones y sucesos que está viviendo la protagonista pueden justificar ciertas acciones.

Pero no se puede decir lo mismo del tercer acto de Target. El camino la clímax es cuestionable, tanto por parte de la protagonista como por parte de los secundarios, especialmente de la policía. Las decisiones son tan absurdas que hace perder credibilidad a la historia.

Uno puede creerse ciertas acciones para conseguir los objetivos, especialmente en thrillers. Pero abandonar los recursos más lógicos al alcance de los protagonistas, hace perder del todo la conexión con la realidad. Una resolución diferente o un giro más inesperado hubiera dado a Target un toque final más sorprendente.

*Conclusión

Target es una mirada escalofriante al anonimato de internet y el uso de las nuevas tecnologías. La película escrita y dirigida por Park Hee-gon es un thriller policial con grandes dosis de acción y terror. A pesar de tener un tercer acto cuestionable, la película consigue su objetivo angustiando al espectador con jefes acosadores y psicópatas anónimos. Además, el filme cuenta con un reparto de grandes actores surcoreanos como Shin Hye-sun, Kim Sung-kyun y Kang Tae-oh. Target ha podido verse en cines durante los pases de la cuarta edición del Korean Film Festival Barcelona.

Escrito por Gemma Rubio Massó

*La vuelta a los orígenes

Tengo la impresión que en los últimos años o décadas el tema de la vuelta a nuestros orígenes se ha amplificado en artes como el cine, la literatura o el teatro. Y es algo que me genera bienestar emocional pues aún produce esperanza en un humanismo que parece que se nos está yendo de las manos. Los teléfonos móviles, las redes sociales o la tan temida Inteligencia Artificial parecen imponerse a las relaciones entre las personas y las familias.

Treasure es el medio usado para la búsqueda de algo tan universal como es la vuelta a nuestros orígenes. El regreso al pueblo donde nacimos, la vuelta al país donde nos criamos o se criaron nuestros padres o el reencuentro con objetos familiares deseados es el retrato que con naturalidad nos presenta esta hábil propuesta independiente.

*Basada en la novela de Lily Brett

Treasure está basada en la novela de Lily Brett Too many men’ (Demasiados hombres). La cinta se centra en la curiosa relación entre un padre y su hija que emprenden un viaje muy personal hacia Polonia, en busca de sus orígenes y de unos objetos muy especiales para ellos.

La acción se sitúa a principios de los 90 y aún se ve a un país -Polonia- muy deprimido e intentando levantar cabeza de la influencia rusa en los años duros del 'Telón de Acero'. También hablamos de una mirada a la Europa del Este de la citada época. Hoy en día su evolución es más que positiva en la equiparación social con el resto del viejo continente.

Esta agridulce historia está narrada con una tonalidad ligera y cómica, sin enmascarar el profundo dolor que arrastran nuestros protagonistas. Por tanto, la cineasta apuesta en Treasure por la tragicomedia para narrar uno de los asuntos más serios y graves ocurridos en la historia de la humanidad: el Holocausto y exterminio del pueblo judío.

*Estupendas interpretaciones y técnica de rodaje

El dúo protagonista de Treasure son un padre y su hija, formado por los interpretes Stephen Fry y Lena Dunham, al que acompañan, entre otros, Zbigniew Zamachowski, actor polaco que participó en la trilogía 'Tres colores', de Krzysztof Kieślowski. En general el reparto brilla y solo cabe felicitar la gran selección realizada en el casting actoral. Los personajes son muy contradictorios, pero en definitiva se mueven por esa vuelta y recuperación de su memoria personal en la que varios objetos y un tesoro tendrán la clave del viaje emprendido.

En la técnica de rodaje destaca la imponente presencia de Auschwitz. Aunque a los equipos de rodaje no se les permite entrar, von Heinz obtuvo un permiso especial para rodar en el aparcamiento y fuera de la valla a lo largo de la frontera. Además, se permitió al equipo tomar fotografías cerca de los barracones para que el equipo de efectos visuales pudiera insertar imágenes en la postproducción. La música, deliciosa y rítmica, nos lleva en volandas y a pesar de ello el metraje se siente algo pasado de frenada.

*Conclusión

Treasure es una película con un aire tragicómico muy especial. Los personajes se van haciendo adorables y el espectador no tardará en empatizar con ellos. Treasure logra narrar una tierna historia familiar en un territorio que aún era inhóspito en los años 90. Con un reparto excelente y una música muy cadenciosa, nos hallamos ante un filme que desde su condición de cine intimista logra emocionar y conquistar los corazones de los espectadores más sensibles.

Escrito por Miguel Pina

*El guion y el director

La compleja y profunda historia de Marcello mio, es idea del guionista y director Christophe Honoré. Él mismo le propuso realizar la historia a Chiara Mastroianni. Y al grupo de actores que como Chiara, se interpretan a sí mismos. Para realizar una película de esta envergadura, todos tienen que tenerse, mucha confianza. Christophe Honoré dirige magistralmente a Chiara Mastroianni y a todos los actores. Toca temas muy profundos, que tienen que ver con la identidad de una persona. Chiara en un momento de la película, dice:

“Me he dado cuenta de que mi cara no se corresponde con mi interior”

Y está hablando nada más y nada menos, que de su propio padre. El parecido que Chiara Mastroianni tiene con su padre Marcello, es muy sorprendente.

*Identidad

Habla de temas muy íntimos, familiares en tono de ficción y de comedia. Su madre Catherine Deneuve lidia con el cambio de identidad de su hija Chiara, que de ahora en adelante elige ser su padre: Marcelo Mastroianni. Catherine recibe todo lo que hace su hija en tono de comedia. Y como en toda buena película, ese tono se rompe “hasta que sucede algo”.

*No solo

Con un guión muy sólido y poderoso, Christophe Honoré crea una película mágica. No solo por toda la nostalgia que trae al citar constantemente el cine clásico italiano. Sino por lo que es tener encima, el peso y la imagen de Marcello Mastroianni. Crea una historia, a través de un fantasma que se apodera de Chiara (que al fin y al cabo es la esencia del cine, proyectar todo el tiempo fantasmas sobre un soporte blanco) que nos hechiza.

No solo por el magnetismo de la imagen de Chiara que genera escalofríos en algunos fotogramas por el parecido y por su interpretación. Sino por la esencia del cine, la historia del cine y la bellísima música.

*Chiara

Chiara Mastroianni está realmente increíble en Marcello mio. Pasa de ella misma, a parecerse a alguien que conoció muy bien, su padre. La forma de caminar, los gestos, deja de hablar en francés y empieza a hablar en italiano. Chiara nada en aguas conocidas y nos divertimos con ella.

Una suerte de alquimia que se conforma dentro de ella y que a nosotros como espectadores, nos genera un misterio y un atractivo audiovisual, difícil de volver a generar. Más aún en las personas que tienen en su memoria cinematográfica, toda la historia del cine italiano y las películas que realizó Marcello Mastrorianni. La sonrisa es “ese espectador”, dura mucho tiempo.

*Marcello

En cuanto al Marcello verdadero dentro de la película, es un ícono del cine mundial que filmó películas memorables. Deseamos a todas las nuevas generaciones que se predispongan a disfrutarlo. Mastroianni filmo con Fellini, Di Sica, Visconti, Scola, directores que realizaron un cine lleno de poesía, sensibilidad y calidad cinematográfica. Un cine que pensaba en el espectador como individuo, y no en los espectadores como monstruos sin cabeza que dejan su dinero en las boleterías. A los nuevos espectadores, curiosos ante el cine italiano clásico. Les espera unas cuantas horas, días cargados de grandes películas. Porque la presencia que él tiene cada vez que aparece en el fotograma de una película, es un imán hacia los ojos de las personas.

*El cine y la metafísica

Inevitablemente, caemos frente al hechizo del director y guionista, que nos propone hacer un viaje a través de la protagonista. Que ella misma, sea el fantasma de su padre. El reaparecer de un ser humano que murió, siempre es algo que conmueve. Estar vivo, es algo más sencillo, más cotidiano de procesar y esto no es más que la esencia del cine. Estar siempre vivo. Traer fantasmas constantemente a la cotidianidad.

Viajamos por momentos muy tiernos, muy cómicos, muy oscuros. La escena del espejo en el baño, es digna de una película de terror. Tocando temas profundamente personales, aunque lo han explicado en entrevistas y conferencias de prensa, que son personajes que hablan de ellos mismos pero son personas de ficción. Eso no quita que Catherine sea su madre en la vida real y que Chiara sea su hija (y el fantasma de su pareja). Eso genera un interés aún mayor. Ir más allá de los tiempos que la vida misma nos propone.

*El cine y la metafísica II

O sea cuando uno ve una película, está frente a actores interpretando la realidad de un guion escrito previamente. Y en ese momento real, en ese presente, se filman las escenas que luego, será el presente del espectador. Pero cuando la protagonista dice, que a partir de ahora, no es quien todos conocen, sino un personaje conocido por el cine mundial como Mastroianni. No es un personaje cualquiera, es un personaje con el cual compartimos muchos recuerdos y nada mejor que la nostalgia para sentirse seguro. Tener la seguridad del recuerdo completo, inalterable.

Los momentos que Marcello (Chiara) habla con Catherine y pelean como pareja, son muy divertidos y están muy bien los diálogos. Entonces esta historia va más allá de filmar momentos con este nuevo Marcello que vuelve a la pantalla y vuelve a la vida. Marcello mio juega con nuestros recuerdos, los mismos recuerdos que compartimos con el cine clásico y con los recuerdos de la familia Mastroianni y Deneuve. Y eso es lo que la vuelve tan especial. Porque no es una biopic, es ficción.


*Conclusión

Una película muy poderosa, con una generosidad infinita por parte de los actores hablando de sí mismos e interpretando el rol que un director escribió para ellos. En un momento el director Christophe Honoré en la conferencia de prensa de Cannes dice que es como una compañía de actores que se ríen de ellos mismos. Marcello mio coquetea con las fronteras de la ficción y la realidad, magistralmente. Porque una cosa es hacer una película. Pero otra cosa es hacer una película inolvidable.

Escrito por Sabrina Odoguardio

*Straight outta Belfast

Mo Chara y Móglaí Bap son los nombres artísticos de dos chavales del oeste de Belfast que desde el 2017 han acercado el decadente idioma irlandés a las generaciones más jóvenes. Las letras son un aluvión constante de referencias a drogas de toda índole y el desprecio a la autoridad es omnipresente. Especialmente a la que representan las instituciones del Reino Unido en Irlanda del norte (claro que para Mo Chara y compañía el término adecuado es el norte de Irlanda).

Drogas por doquier y estilo de vida descerebrado. El descontrol y la provocación por bandera. No son muy distintos a otros tantos artistas. Pero nunca antes se había hecho en gaélico. Como se esfuerza en señalar la película, esa mera decisión ya es un acto político y reivindicativo. Aunque la historia está mucho más dramatizada de lo que probablemente fue la realidad, eso no quita que Kneecap sea con éxito una patada en la entrepierna al gobierno de Londres. Y no solo tienen para los ingleses, también para las entidades irlandesas conservadoras y puritanas, a las que les importa un pimiento que los chavales rapeen en gaélico si solo es para hablar de cómo se meten MDMA y esnifan ketamina.

Sin ir más lejos, el término ‘kneecap’ hace referencia a recibir un tiro en la rodilla, método de castigo favorito de los radicales republicanos irlandeses contra los narcotraficantes durante la época de the Troubles.

*Flow gaélico

Rich Peppiatt asume la dirección, después de haberse encargado de la realización de un videoclip de la banda (Guilty Conscience). Aunque navega entre la ficción y la realidad, la película acierta al engrandecer la historia de Kneecap para que se integre dentro de la eterna tensión y confrontación con las que se identifican Belfast en particular e Irlanda del Norte en general. Las canciones de estos tres fenian cunts son en sí mismas un desafío al estado británico, que desde luego ha oprimido la identidad y la lengua de la isla esmeralda durante siglos.

Lo cierto es que las licencias que se toma el guion para aumentar la épica de la banda son a veces demasiado forzadas. Demasiadas coincidencias. Especialmente el rol de Michael Fassbender, quien es el mayor reclamo de la película para aquellos que no vengan interesados por el hip hop irlandés. Fassbender cumple su parte, pero la trama más solemne y política que representa parece más bien material para otra película. Algo similar pasa con el ligue de Mo Chara, la joven británica Georgia (Jessica Reynolds). Eso sí, su trama resulta mucho más divertida que la de Fassbender gracias a la imaginativa dinámica sexual entre el rapero y ella.

*Raperos, actores, y lo que haga falta

Kneecap consigue trasladar el ritmo de vida narcotizado de sus protagonistas a la imagen. Es imposible no compararla con Trainspotting. Las drogas son un personaje más de la peli y esta hereda muchas de las características emblemáticas del clásico de Danny Boyle. Los efectos para reflejar el consumo de drogas, un monólogo del protagonista para hilar la historia o ingeniosas rupturas de la cuarta pared. En ningún momento se esconde la influencia de Trainspotting, pero Kneecap está lejos de ser una copia. Consigue sorprender y la trayectoria de los artistas es bastante interesante por sí misma como para que la película tenga una identidad propia.

Cuando les preguntaron por el consumo de drogas en la película, los integrantes de Kneecap respondieron con sorna que son actores de método. Bromas –quizá– aparte, cada uno de los músicos cumple con sorprendente solvencia, incluso en los momentos dramáticos. Destacamos en especial la interpretación de DJ Próvaí, el miembro más maduro y quien hizo que la banda fuese una banda. Entre que en todas sus apariciones públicas lleva un pasamontañas con los colores de la bandera irlandesa y lo bien que lo hace, hasta dudas de si se interpreta a sí mismo o han fichado a un actor.

*Conclusión

Si pasas Trainspotting a Belfast y le metes musica rap te sale Kneecap. No se puede equiparar a su referente y su historia no cuaja del todo cuando se aleja de la historia del grupo. Pero por otro lado es entretenida y con mucho estilo. El desempeño de los músicos te hace dudar sobre si son raperos que actúan o al revés. Como reivindicación del idioma irlandés, Kneecap funciona igual de bien que el grupo. Como un tiro a la rodilla a la Commonwealth. Especialmente recomendable si el hip hop es lo tuyo. Aprenderás unas buenas rimas en gaélico.

Escrito por Daniel Moya Calero

*Un slasher con un estilo visual único

El abominable doctor Phibes, dirigido por Robert Fuest, es una película de terror de serie B que ha logrado convertirse en un clásico de culto. La trama sigue al Doctor Phibes, un hombre que busca venganza contra los cirujanos que, según él, fueron responsables de la muerte de su esposa durante una operación fallida. Utilizando métodos inspirados en antiguos textos bíblicos, Phibes asesina a cada uno de ellos de formas terribles y extremadamente creativas. El abominable doctor Phibes mezcla horror, intriga y una buena dosis de humor macabro, con un estilo visual que la hace destacar dentro del género slasher.

*Vincent Price como un icono del horror

El personaje de Doctor Phibes no sería lo mismo sin la actuación inquietante de Vincent Price. Con su presencia imponente y su estilo sobrio, Price logra dar vida a un personaje terrorífico pero carismático. A pesar de que Phibes no puede hablar, su personaje utiliza un sistema mecánico para comunicarse, la actuación física de Price es tan poderosa que logra transmitir todo el odio, dolor y determinación del personaje. Su interpretación combina el terror con una elegancia gótica que le da al personaje un aura especial.

Peter Jeffrey como el detective de Scotland Yard que sigue las pistas de los asesinatos aporta un buen contrapunto a la locura del doctor Phibes. Aunque su personaje es más tradicional, su interpretación ayuda a anclar la narrativa en una investigación que parece estar siempre un paso detrás de Phibes. Joseph Cotten, como el doctor Vesalius, también aporta una actuación sólida, representando la culpa y el miedo de alguien que se da cuenta de que está en la lista de objetivos de Phibes.

*Venganza, horror y asesinatos creativos

La trama de El abominable doctor Phibes sigue un formato que ya es familiar en el género slasher: un asesino va eliminando sistemáticamente a sus víctimas, utilizando métodos únicos y brutales. Sin embargo, lo que distingue a El abominable doctor Phibes es la creatividad con la que se llevan a cabo estos asesinatos. Cada muerte está inspirada en las plagas de Egipto, lo que da lugar a escenas grotescas pero visualmente impactantes.

A lo largo de El abominable doctor Phibes, el público es testigo de cómo Phibes, con la ayuda de su asistente Vulnavia, ejecuta su plan de venganza mientras el detective y el doctor Vesalius intentan detenerlo. El contraste entre el comportamiento casi ritualista de Phibes y la desesperación de sus perseguidores añade tensión y mantiene al espectador intrigado sobre cómo se desarrollará la siguiente plaga.

*Un festín visual de serie B

Uno de los aspectos más notables de El abominable doctor Phibes es su estética visual. Aunque se trata de una película de terror de serie B, la dirección artística y el diseño de producción son sorprendentemente elaborados. La guarida del doctor Phibes es un espacio opulento lleno de relojes, autómatas y decoraciones art decó, lo que le da al personaje un aire de sofisticación que contrasta con la brutalidad de sus actos.

El abominable doctor Phibes utiliza colores vivos y una iluminación dramática que recuerda al cine gótico de la época, lo que añade una capa adicional de atmósfera a la narrativa. Robert Fuest combina la brutalidad de los asesinatos con un sentido estético casi teatral, lo que convierte a la película en una experiencia visual fascinante.

*La venganza y el poder de la muerte

El tema principal de la película es la venganza, y lo hace de una manera exagerada y casi operística. Phibes está motivado por su amor por su difunta esposa, y sus acciones, aunque grotescas, están impulsadas por un deseo de justicia a su manera. El abominable doctor Phibes también juega con la idea del poder de la muerte y cómo este personaje manipula la vida y la muerte con una especie de control sobrenatural.

Aunque se trata de un slasher, El abominable doctor Phibes evita caer en los clichés típicos del género al incorporar elementos de cine de culto, gótico y fantástico. Esto le da un toque de distinción que la diferencia de otros thrillers de venganza de la época.

*Conclusión

El abominable doctor Phibes es una joya dentro del cine de terror de serie B que destaca por su creatividad, estilo visual y la inolvidable actuación de Vincent Price. Aunque la trama puede parecer predecible en ciertos momentos, El abominable doctor Phibes compensa con su enfoque estilístico y su capacidad para combinar lo macabro con lo absurdo de manera elegante. La dirección de Robert Fuest y el diseño de producción crean una atmósfera envolvente que atrapa al espectador, mientras que los asesinatos temáticos mantienen el interés y añaden un toque de ingenio a la fórmula del slasher.

Es una película que, aunque no perfecta, merece su estatus como un clásico de culto en el género del terror. Si bien su narrativa puede ser simple, su ejecución visual y la actuación de Vincent Price la convierten en una experiencia cinematográfica entretenida y memorable.

Escrito por Pablo Veiga Carpintero