Rob Zombie no necesita presentación. Pero hubo un tiempo, hace ya 20 años, en el que sí la necesitaba. Su primera exhibición en el mundo del cine fue esta casa de los horrores y nadie sabía muy bien qué esperar de la súbita incursión de un metalero de renombre en el universo del cine. Hubo expectación máxima ante tal intrusismo, pero podemos decir que Zombie conquistó a casi todo el mundo con esta obra que supuso un enamoramiento instantáneo de su universo.

El Capitán Spaulding es un curioso personaje que regenta una gasolinera de mala muerte en medio de la nada, cuya decoración son un montón de cachivaches estrafalarios dignos del museo de los horrores. Una noche, cuatro amigos que se encuentran de viaje paran en su gasolinera a repostar…

Empecemos hablando de su dirección artística, impecable y llena de elementos. Máscaras, trajes, trastos de todo tipo, muñecos, huesos, calaveras, telas de araña… decorados excelentes en los que no falta detalle y que le dan una ambientación de mucho nivel a la peli. Costó 7 millones de dólares, que no es una suma enorme pero tampoco pequeña si tenemos en cuenta que han pasado dos décadas. Se nota que hay nivel de producción en esa estética tan cuidada.

Otro aspecto fundamental es el elenco: Sid Haig, encarnando al Capitán Spaulding, crea en los pocos minutos que aparece en pantalla a un personaje que se convirtió ipso facto en un referente de la cultura de nuestra generación. Karen Black, una actriz olvidada que había trabajado con Jack Nicholson o DeNiro, Rainn Wilson, un par de años antes de convertirse en Dwight Schrute, Walton Goggins encarnando al sheriff y Bill Moseley que ya había dado vida a un personaje terrorífico en La Matanza de Texas 2, sin olvidar a Sheri Moon, que aparece en todas las películas del autor. Zombie hizo aquí lo que Tarantino, recuperar a figuras un poco perdidas, dándoles un lugar en el Olimpo del terror.

A todo esto, hay que sumarle la personalidad que muestra el director. Su estética estrambótica, sus luces, sus insertos de videoclip por en medio, su rollo grotesco a la par que espeluznante. Es todo muy Rob Zombie y aunque en algunos aspectos no comulgo para nada, son marca de la casa, y se agradecía mucho en su día ver algo diferenciador y especial. El uso que hace Zombie de la música nos ha dado también momentos inolvidables (véase el final de la secuela de esta película, Los Renegados del Diablo) y en La casa de los 1000 cadáveres ya hay muchos momentos donde la música eleva la película.

Lo más flojo puede resultar ser el guion (porque no deja de ser la enésima versión de algo que ya conoces) y la estética de Zombie si no te gusta y te parece cargante. Pero, aun así, Zombie fue capaz de marcarse una trilogía con estos personajes, y de depurar su estilazo partiendo de este guion. La parte final dentro de la casa es un auténtico paseo por los infiernos que me sigue poniendo los pelos de punta, aunque la cinta también tiene elementos de humor y diálogos graciosos. Cabe mencionar también el montaje, picado y extraño a ratos, que le da un dinamismo original.

Así comenzaba el líder de la banda White Zombie su andadura por el celuloide. Tardó 4 años en llevarla a cabo, y se convirtió en uno de los cineastas de terror más importantes de los 2000.

https://www.terrorweekend.com/2024/03/la-casa-de-los-1000-cadaveres-review.html

Frontier(s) es, sin lugar a dudas, el nuevo exponente del genial cine de horror llevado a cabo últimamente en el país vecino, donde cintas como A l’Interieur o Martyrs helarán la sangre al más curtido espectador. Sin llegar al nivel alcanzado por estas dos obras, Frontier(s) no dejará indiferente a nadie, a pesar de sus paralelismos con la saga de Hostel y también, porque no decirlo, las irreverentes Wrong Turn, deja a estas bastante atrás, en cuanto a barbarie y casquería se refiere.

Un guion sencillo y sin demasiadas pretensiones escrito por Xavier Gens, narra la problemática actual de los suburbios de París, atestados de jóvenes hijos de inmigrantes, con escasas opciones de futuro y dentro de una sociedad que no les permite prosperar, a pesar de ser nacidos en Francia. Ante semejante panorama la única salida posible, para los chicos, es abocarse a la delincuencia.

Mostrando unos efectos visuales más que correctos, los movimientos de cámara de las escenas de acción son frenéticos, el sadismo y la crudeza de algunos fotogramas se sale de lo común y, en definitiva, una calidad técnica que roza la perfección. En el apartado de interpretaciones la joven actriz Karina Testa realiza un papel muy meritorio y en general el resto de los actores están a la altura, también Samuel Le Bihan, como ex-oficial nazi y patriarca de la familia de dementes que, aunque a veces algo sobreactuado, le da a su trabajo un realismo bastante acusado.

Un grupo de jóvenes, de origen árabe, perpetra un robo aprovechando los disturbios causados en Paris, a raíz de la victoria en las elecciones francesas, entre un partido conservador y otro de extrema derecha. En su huida a la tolerante Amsterdam, deciden pasar la noche en un aislado hostal cerca de la frontera con Luxemburgo. La hospedería está regentada por una familia un tanto peculiar que hará que pasen una noche realmente inolvidable.

Buena película de terror gore, que además destapa problemáticas sociales de la actualidad, como es la escalada del racismo y el choque de culturas en el viejo continente. La producción hará las delicias de cualquier aficionado al cine francés de los últimos años.

https://www.terrorweekend.com/2012/02/frontiers-review.html

Tras el suicidio de su mentor, el psiquiatra James Martin debe asumir la misión que este dejó sin cumplir: determinar la locura o la cordura de un asesino múltiple que dice llamarse Nefarious y ser un demonio. Tras el juego del gato y el ratón entre el psiquiatra y el preso, Nefarious será ejecutado en la silla eléctrica o internado en una institución psiquiátrica. Las fuerzas se ponen en juego y antes de las once de la noche, siniestros sucesos tendrán lugar.

Nefarious arranca dinámica e interesante, aunque todo este principio es muy deudor de El Silencio De Los Corderos, con la llegada del protagonista a la cárcel y los primeros compases del “enfrentamiento” que tendrá lugar entre los dos protagonistas principales. El arranque de los diálogos también es rápido; como si de un partido de ping-pong se tratara, el turno pasa del preso al psiquiatra y viceversa.

Hay ideas interesantes a lo largo de este primer tercio que, como si de una obra de teatro se tratara, la relectura de la historia de la humanidad bajo el prisma de un demonio que tiene muchas quejas acerca de Dios y su supuesta “no beligerancia”. El libro en el que se basa Nefarious, The Nefarious Plot de Steve Deace, trata acerca de la creación y ascenso de Estados Unidos desde un punto de vista (muy) conservador, ya que el propio autor – con la voz de “su” demonio – avisa de los problemas que traerá el ascenso de la izquierda para la nación; sin haber leído el libro, independientemente de ese tono a conservadurismo, los comentarios destacan su capacidad de contar la historia de Estados Unidos con gran sentido del humor… Algo de lo que carece la adaptación a película llevada a cabo por Chuck Konzelman y Cary Salomon, dos tipos bastante peligrosos si atendemos a sus guiones anteriores: Dios (no) está muerto que trata sobre las dialécticas entre un chaval muy cristiano y el ateo de su profesor, y el panfleto antiabortista Unplanned, apadrinada por la productora evangélica Pure Flix.

Si partimos de aquí, encontramos joyitas a lo largo de Nefarious: ese tono grave con el que el demonio recuerda al psiquiatra sus “pecados” como dejar que su novia fuera sola para abortar ya que a él no le molaba tener hijos, o que hizo la eutanasia a su madre para quedarse con su dinero… Uff. No hay terror en Nefarious, sino una alargada conversación en la que, de pronto, se sale al exterior con personajes como el alcaide de la cárcel que hace una apasionada defensa de la pena de muerte aunque el acusado esté como unas maracas; entre los personajes solo faltaba un miembro de la asociación del rifle para tener el repoker del terror retrógrado en Estados Unidos.

La dirección de Konzelman y Solomon es competente e incluso brilla en las secuencias de la ejecución, pero todo está al servicio de la “palabra” y eso resta puntos. Sean Patrick Flannery se pasa con sus guiños, porque unos dicen que su personaje está tarado y él asegura tener el alma petada de demonios; Jordan Belfi tiene un palo metido en el recto durante parte del metraje, y el resto pone cara de sufrimiento extremo. Tom Ohmer es el alcaide y solo le falta escupir tabaco de mascar para ser más duro. El locutor radiofónico y conservador Glenn Beck aparece en el epílogo de Nefarious, solo para dejar más claro el mensaje de la película: Dios te ama, sé bueno.

Cuidaos de las películas de cristianismo extremo reconvertidas en películas de terror, son ovejas disfrazadas de lobos feroces.

https://www.terrorweekend.com/2024/02/nefarious-review.html

Los faros tienen un algo atrayente, para qué negarlo, puede utilizarse para el bien salvando barcos o para el mal si lo apagas cuando las embarcaciones están cerca de la costa y les dejas a ciegas para que se destrocen contra los acantilados.

Un faro es un escenario muy sugerente, pero hay que saber utilizarlo de forma correcta. ¿Lo habrá logrado la directora Ángeles Hernández?

Tras la trágica muerte de su mujer, este arquitecto y su hija se refugian de la tristeza y la culpa en el faro familiar, que se encuentra en el rincón de esta paradisiaca isla que, como cada invierno, se queda vacía.

Cada noche el faro se enciende e ilumina los alrededores, pero en su interior mora una presencia que ronda a la familia, que puede ser buena o mala… Aunque tal vez las mayores amenazas vengan del exterior.

Ángeles Hernández buscaba una historia de terror cuyo motor fuera la culpa, una culpa que levantará muros entre los protagonistas y les impidiera hablar acerca lo que les ocurría. Pero vaya por delante que aunque la intención es buena Faro se va un poco de madre ya que los tres guionistas, la propia Hernández junto a David Matamoros y José Pérez Quintero, crean enormes de guion al intentar meter demasiados elementos – la hija, el padre, el primo, las desapariciones, el tono familiar, el fantasma – que obliga a la historia a saltar entre el drama, el thriller, una historia de fantasmas clásica imbricada con un coming of age e incluso jugueteos con el elemento social… y cada uno de estos géneros resta al otro.

Los guionistas parecen acordarse del fantasma cuando necesitan hacer de bisagra en la historia, acumulando elementos de ruido continuo y jumpscares al tiempo que rozan un J-horror muy resultón gracias al moho, las algas y todo ese elemento de podredumbre que asola el lugar… pero realmente el espectador no siente la amenaza en cualquiera de estos momentos, ya que una secuencia lleva a la siguiente y sucesivamente mientras personajes dicen frases lapidarias como la tendera interpretada por Noelia Blanco quien suelta perlas estilo “ese faro no trae nada bueno”, “debería salvar vidas y hace lo contrario”, sin que tenga continuidad o peso en la historia.

¿Obedece todo esto, junto con la trama del chaval desaparecido, a continuas reescrituras de guion que hacen perder el norte? O ¿Es tal vez el miedo de los productores a un producto puro de terror que espante a los espectadores? En ese sentido a la película le falta foco ya que salta de forma caprichosa entre el mundo adulto y adolescente sin decidirse por uno de los dos.

A nivel puesta de escena, Ángeles Hernández se mueve con soltura (aunque abusa de los planos aéreos cada vez que los personajes se trasladan de un lugar a otro) acompañada por la gran labor de la directora de fotografía Gina Ferrer cuya paleta de colores es impresionante al generar esos dos mundos condenados a jamás entenderse como la tierra firme y el mar.

A nivel actoral, Faro va más justito ya que Hugo Silva se nota un poco perdido ante una joven muy potente a nivel imagen como es Zoé Arnao; el tercero en discordia, Sergio Castellanos, interpreta al primo y aunque da bien de físico su papel es terrible mientras Irene Montalá funciona siendo el motor de la historia

Tal como nos enseña Faro, la culpa es un gran motor que empuja a reconciliarse, matar, cometer locuras… La culpa suele llevar consigo un punto de drama que suele funcionar dentro del terror, pero nunca cuando la historia da tantos bandazos y se pasa de frenada.

Imposible terminar sin el recuerdo para un clásico olvidado, una película también ambientada en un faro y con muchos puntos en común con Faro, y que debería haber servido como espejo para la película que nos ocupa: Paperhouse de Bernard Rose.

https://www.terrorweekend.com/2024/02/faro-review.html

Los perezosos de tres dedos son unos asombrosos mamíferos que habitan en zonas tropicales del continente americano. Su amorosa apariencia, así como sus característicos movimientos nos han encandilado en múltiples documentales, sin embargo, su presencia en la ficción es prácticamente inexistente (me viene a la cabeza la película de animación Zootrópolis en la que un perezoso protagonizaba los mejores chistes de la película). Slotherhouse, o Perezoso Amoroso, viene a cubrir ese hueco, y quién sabe si ha abierto las puertas de una nueva franquicia.

Emily Young, estudiante de último curso, quiere ser elegida presidenta de su hermandad. Adopta un simpático perezoso, pensando que puede convertirse en la nueva mascota y ayudarla a ganar, hasta que una serie de muertes implican al perezoso como principal sospechoso de los asesinatos.

Castores zombis (Review), ovejas asesinas, osos cocainómanos (Review) han sido algunos de los animales exóticos que han poblado el cine de género en los últimos años. Ahora es el turno del perezoso, un animal de apariencia amable que se viste de asesino implacable en este slasher cómico con aroma a serie B. Ambientada en el mundo de las fraternidades universitarias, Slotherhouse homenajea a numerosas películas. Desde el título, un juego de palabras que hace referencia a un clásico del género como Slaughterhouse (El Matadero), hasta referencias (poco sutiles) a títulos como La noche de Halloween, El Resplandor e incluso E.T.

Lo mejor de esta alocada película es el diseño del perezoso. Es un acierto que no incluya casi ningún retoque digital (recuerdo algún plano puntual de CGI). Dan ganas de abrazarlo y en todo momento deseas que acabe con todos los humanos que aparecen en pantalla. Incluso con la insulsa protagonista. Me gustaría comprarme uno, pero el manido mensaje de la película me ha dejado bien claro que no hay que sacar a animales exóticos de su hábitat natural.

El reducido metraje del largometraje juega a su favor aunque he de señalar que Slotherhouse no tiene la mala baba que cabría esperar. Para mi gusto la película hubiera ganado muchos puntos con alguna escena gore (las muertes resultan un tanto sosas) y mostrar algún que otro desnudo masculino o femenino, algo habitual en el cine que retrata ambientes universitarios. Se nota que han querido obviar estos aspectos para mantener la calificación “no recomendada para menores de 13 años”.

En definitiva, es un título sin muchas pretensiones para disfrutar entre amigos acompañados de alguna cerveza mientras esperamos a que llegue Cocodrilo Fentanilo.

https://www.terrorweekend.com/2024/02/perezoso-amoroso-review.html