Primera película sonora de King Vidor, con un reparto compuesto por actores de color. Muestra el esforzado trabajo en las plantaciones sureñas de algodón, llevado con religiosa animosidad y alegría, ensamblando habilmente las canciones y los bailes con la narración. A ritmo de Godspel se suceden los acontecimientos.
El argumento principal trata sobre un hombre honesto e ingenuo, que es estafado en el juego después de ser seducido y embaucado por los encantos de una bella mujer de vida fácil y su compinche, provocando una reyerta en la que muere su hermano.
Los remordimientos de conciencia le llevan a tomar el camino de la predicación, pero vuelve a caer en la tentación y abandona a su familia para irse con ella.
Drama que aúna el costumbrismo con la religión, la pasión con el crimen y la música con la redención. Filmado con una bella fotografía que ofrece estampas de gran lirismo, enmarcadas en los paisajes naturales. El desconocido reparto hace interpretaciones con cierta teatralidad en los momentos emocionales, pero ello va a tono con la musicalidad de la narración. Vidor dirige con maestría, componiendo escenas de hermosa factura y exprimiendo intensidad de los actores cuando lo necesita. A destacar la labor de Daniel L. Haynes y la desinhibida presencia de la preciosa Nina Mae McKinney.

Utilizando elementos fantásticos, Carné aborda el tema del amor trasladándonos a la Francia del siglo XV, en la cual dos trovadores (un hombre y una mujer) enviados por el diablo, llegan a un castillo con la misión de crear cizañas.El hombre, Gilles, se enamora de una doncella contrapronóstico y provoca la irrupción del diablo en la figura de un viajero.
La cinta posee un tono jovial, de gran iluminación, como el castillo, de una blancura diáfana, y plantea el dilema amoroso como algo perecedero, efímero. Los personajes son víctimas de engañosas confabulaciones. El amor puro de Anne y Gilles se verá agredido por el poder sobrenatural del diablo, celoso y humillado por la dama, dando lugar a un final de poético romanticismo.
A destacar la belleza de sus dos protagonistas femeninas, Arletty como la enigmática emisaria y compañera de Gilles y Marie Déa como la enamorada doncella. Filme de agradable visionado.

La habilidad del director para montar un espectáculo fastuoso se resiente de cierta falta de vigor narrativo, a pesar de contar con algunas escenas espléndidas y un reparto con tres de las estrellas de la época. Impregnada de un sensual erotismo mediante detalles de cámara sobre los cuerpos voluptuosos de las féminas que van apareciendo.

La cámara de pasea por las calles y el circo romano con gran soltura, gracias a la estupenda fotografía que planea sobre unos magníficos decorados. Destacar la escena del baño en la piscina de leche por parte de Popea-Colbert, muy atrevida en aquellos tiempos; la breve caracterización de Charles Laughton como Nerón y el solvente protagonismo de Fredric March.

Contiene las típicas escenas en el Coliseo con gladiadores, leones, elefantes, cocodrilos y víctimas cristianas. Tiene algunos buenos momentos pero, en definitiva, adolece de brío en el desarrollo de la acción. Buena película a pesar de todo.

Magnífica película que muestra los entresijos y especulaciones en una familia aristocrática e industrial en pleno auge del nazismo. La lucha por el poder, dosis de pedofilia, decisiones incestuosas, traiciones... Todo condensado en un argumento de connotaciones cercanas a la tragedia griega, reforzado por un reparto infalible que dota de veracidad una ficción que se desarrolla en un entorno histórico y verídico: el antes y el después de la purga que Hitler hizo contra la SA, una organización paramilitar que se interponía en los planes del dictador, aniquilando a decenas de miembros en la llamada "noche de los cuchillos largos".

Pulcra escenografía que consigue una gran ambientación, con una fotografía preferentemente oscurecida que resalta los vistosos colores de las constantes esvásticas que decoran las mansiones, calles y fachadas del decorado. Elegante barroquismo habitual en Visconti.

Resaltar la actuación de Helmut Berger, como hijo heredero, perturbado por falta de amor materno, de enfermizas tentaciones (la relación con una niña y el momento edípico con su madre). También la pareja formada por Ingrid Thulin y Dirk Bogarde añade un plus de calidad a la solidez del filme, pero en general todo el reparto encaja perfectamente en sus roles.

El ascenso industrial y político de la alta sociedad bajo el nazismo es retratada bajo una mirada a la depravación de unos seres podridos, consumiéndose en el vicio, la traición y el crimen. Una parábola que sube hacia una cumbre de moral contaminada y desciende, por su propio peso, a un tétrico infierno cubierto de patetismo.

La miseria en la Italia ocupada por los americanos durante la II Guerra Mundial. Entrañable y conmovedora historia de dos niños que se buscan la vida entre la destrucción, los delincuentes y el hambre.

Primera de la trilogía neorrealista que De Sica nos dejó con El ladrón de bicicletas y Umberto D. Una infancia desoladora, la inocencia arrebatada por la guerra y vergonzantes prisiones de la injusticia social.

Los niños protagonistas ofrecen una actuación creíble gracias a la maestría del director en la dirección, mostrando la desolación de las almas y obviando un posible resquicio de esperanza.