Un buen director no necesita de muchos artificios. A veces la verdadera habilidad consiste en colocar una cámara en el lugar adecuado y soltarla a la deriva por el rostro de un intérprete. Esto es lo que hace Fernando Franco en la que es seguramente una de las mejores películas españolas del año. "La herida" es un film duro, doloroso; y el rostro en el que se pierde el objetivo es en el de Ana, una joven conductora de ambulancias que padece un trastorno límite de personalidad. El rostro de Ana es bonito y dulce, se lleva bien con su simpático compañero de trabajo, trata a los ancianos y discapacitados con los que trabaja con cariño y humanidad; pero en tan sólo unos segundos Ana cambia y se transforma en un ser atormentado y agresivo con los demás, y sobre todo consigo misma.
"La herida" es una película valiente, con un guión que pretende hacer preguntas y no dar respuestas; no sabemos los motivos ni las causas del trastorno de la protagonista, y en ningún momento aparece el nombre de la enfermedad que padece.
La interpretación de Marian Álvarez es asombrosa, una interpretación arriesgada que sólo una gran actriz puede llevar con éxito, dejándose la piel en todos y cada uno de los planos y sosteniendo la película sin que en ningún momento decaiga. Ver como su rostro se transforma en cuestión de segundos, sin efectos especiales, es mucho más impactante que una versión del Dr Jekyll y Mr Hyde con el mejor de los actores. No es de extrañar que la película se llevase el premio especial del jurado y la concha de plata a la mejor actriz en el festival de San Sebastián; y es que estamos ante uno de los directores más prometedores del momento, ante una de las mejores interpretaciones de los últimos años; pero sin duda, ante uno de los mejores retratos femeninos del cine español de todos los tiempos.

La condesa Bathory ha pasado a la Historia como una de las asesinas más sangrientas y despiadadas de toda la humanidad. A esta señora feudal del siglo XVI, su anhelo de recuperar la belleza de su juventud le llevó a asesinar a cientos de muchachas vírgenes para bañarse en su sangre, método bastante macabro (y con pocos indicios de autenticidad) para hacer retroceder el tiempo. La pronta escasez de jovencitas entre el campesinado y la servidumbre dio lugar a que buscase entre sus víctimas a doncellas procedentes de la baja nobleza, lo cual puso en evidencia el horror de sus crímenes.
Julie Delpy ha demostrado ser una actriz extraordinaria, pero en su aún breve carrera detrás de las cámaras ha demostrado ser una guionista y directora muy a tener en cuenta en el futuro. Su retrato de la condesa Erzsbét Bathory posee un buen trabajo de ambientación, con excelentes decorados y vestuario, acompañados de una fotografía que realza la atmósfera fría y gótica que la historia requiere. Delpy además se rodea de actores consistentes como Daniel Bruhl, William Hurt o Anamaria Marinca, y ella misma se ocupa de encarnar a la noble del título con gran eficacia, mostrando a una condesa humana: altiva y poderosa, y sin embargo frágil y vulnerable; amante devota, y a la vez sádica torturadora y cruel asesina. Pero ahí es donde Delpy tiene su talón de Aquiles. En su insistencia por defender al personaje y justificar su locura en el amor, la película que podría haberse convertido en un interesante retrato psicológico o en un terrorífico thriller, va perdiendo fuelle y acaba deviniendo en un melodrama gótico aceptable, bien resuelto y con estilo, pero que seguramente no acabe destacando en la (muy posible) brillante carrera de Julie Delpy como directora.

Dos presos encerrados en la lúgubre celda de una cárcel sudamericana. Valentín, un revolucionario que cree en la libertad y lucha por el bien común; Molina, un homosexual que cree en el amor y pugna por su propia felicidad y la de los suyos. Dos seres antagónicos condenados a entenderse, a cuidarse en la enfermedad, a quererse y a aprender el uno del otro, para no estar solos. Las noches encerrados se hacen eternas, pero Molina, cual Scherezade, relata a su compañero historias sacadas de viejas películas que una vez vio y que hacen más llevadera la ausencia de libertad. Así Molina teje una fina y casi invisible tela que atrapa los sentidos de Valentín, creando un vínculo entre ambos que ni la misma muerte podrá cortar.
"El beso de la mujer araña" es sin duda una de las películas más bellas del cine brasileño, y el primer film independiente que consiguió más nominaciones a los oscar, hasta entonces. La dirección de Héctor Babenco es soberbia y el guión de Leonard Schrader es fiel a la extraordinaria novela de Manuel Puig, convirtiéndose en una de las adaptaciones literarias mejor llevadas al cine, evitando (al ser el original una novela dialogada) que la teatralidad empañe las virtudes del celuloide, para lo cual también hay que destacar la espléndida fotografía de Rodolfo Sánchez, que alivia la crudeza de una sudamérica urbana oprimida y feista con el glamouroso ambiente de las superproducciones europeas de los años cuarenta y las paradisíacas playas tropicales.
William Hurt ganó el oscar al mejor actor y el premio de interpretación en Cannes gracias a su sensible y romántica interpretación de Molina. Pero sería injusto no destacar a Raúl Juliá que también está soberbio como el rudo y a la vez tierno Valentín. Mención aparte merece también Sonia Braga, que interpreta a modo de diosa tríada al amor imposible de Valentín, a la heroina de la película narrada, y a la mujer araña, el alter ego de Molina.
En definitiva, una película imprescindible, una película que emociona, embruja y enreda... como una tela de araña.

Basada en un relato de la interesante escritora Lolita Bosch, "Elisa K" habla sobre los abusos sexuales en la infancia pero no es su tema principal. El objetivo de Jordi Cardena y Judith Colell es hablar sobre los extraños recovecos de la mente, de la capacidad que tiene el ser humano de aliviar el dolor escondiendo un suceso traumático en la zona más oscura del pensamiento, y cómo la memoria, tan cruel a veces, puede abrir la caja de Pandora dejando salir los viejos fantasmas del pasado.
Con dos partes bien diferenciadas y filmadas de forma individual por cada uno de los dos cineastas, la parte de Jordi es en blanco y negro, habla sobre Elisa cuando es niña, y utiliza un tipo de narración más clásica acompañada de una voz en off que cuenta la historia y que aunque se utiliza correctamente, resulta un modo fácil de relatar lo que no se ve; la interpretación de la joven Claudia Pons es fantástica, y denota un excelente trabajo de dirección.
La segunda parte, rodada por Judith es más arriesgada aunque más irregular. Rodada en color, con iluminación natural para darle más realismo, en ocasiones abusa de tiempos muertos pero no llega a hacerse pesada gracias a Aina Clotet, que realiza una excelente interpretación como la Elisa adulta.
En definitiva, un merecidísimo premio especial del jurado en San Sebastián (las dos actrices que encarnan a Elisa eran firmes candidatas al premio de interpretación femenina, pero claro, allí estaba la espléndida Nora Navas de "Pa negre"). La película tiene su mayor logro en no caer en carnaza telefilmesca (más al contrario, a primera vista tiene pinta de peli "gafapasta" para intelectuales pedantes) y tratar el tema de los abusos sexuales con sensibilidad y elegancia.

Si Tolstói decía que existen tantas formas de amar como corazones, también podemos decir que cada corazón sufre de manera distinta. De esto habla "Rabbit Hole": de las diferentes formas de afrontar el duelo por la muerte de un ser querido, de convivir con el dolor de la ausencia día tras día. Y cada cual lo hace de manera distinta: algunos necesitamos actuar como si el ser que nos ha dejado aún siguiese con nosotros; mantenemos intactas sus cosas, vemos una y otra vez sus fotografías… Otros decidimos alejarnos de cualquier vestigio de su presencia, apartando todo aquello que nos lo recuerda, buscando la paz y anhelando el olvido.
Estamos sin lugar a dudas ante una de las mejores películas independientes del actual cine americano. Es triste pensar que un drama tan consistente y lleno de virtudes ni siquiera aspirase a un buen puñado de premios de la Academia. Aquí tienen un puñado de razones por las que debería haber triunfado:
En primer lugar el guión (escrito por David Lindsay-Abaire, el propio autor de la pieza teatral en la que basa) introduce de manera inteligente escenas que se intuían o simplemente se mencionaban en escena, consiguiendo que se desprenda de su origen teatral y se convierta en un ejemplo de buen gusto cinematográfico.
Por otra parte, John Cameron Mitchell demuestra una absoluta maestría en la dirección. A pesar de la crudeza, la narración no está exenta de ciertos toques de humor que no sólo proporcionan mayor realismo a la historia, sino que contribuyen a que ésta se desarrolle de forma ligera, evitando caer en un ritmo plomizo y aburrido.
Y por último, Mitchell también cuenta con unos actores extraordinarios a los que sabe llevar a buen puerto de forma elegante, con interpretaciones dolorosas pero contenidas, evitando recrearse en la tortura de los personajes. Aaron Eckhart está fantástico como Howie, con una interpretación tan llena de ternura que nos hace olvidar a los caraduras que interpretó en títulos como "En compañía de hombres" o "Gracias por fumar". Nicole Kidman está absolutamente arrebatadora; de hecho fue la única de todo el elenco que aspiró a un oscar como mejor actriz, en la que tal vez sea la mejor interpretación de su carrera. Su Becca es un prodigio interpretativo en el que conviven elementos opuestos: fuerza y vulnerabilidad, comprensión y censura, esperanza y desesperación. Sólo una actriz verdaderamente grande puede dar credibilidad a esa cantidad de sentimientos contradictorios en una película que no llega a la hora y media de metraje.
En definitiva, cine duro que encoge las tripas, pero equilibrado y sutil, y adornado con grandes dosis de sabiduría cinematográfica.