En el 33 el maestro Lubitsch realizó su único drama sonoro: "The broken lullaby" ("Remordimiento) para la Paramount. Llevaba ya tres años en USA confirmando sus éxitos europeos y había conseguido la nacionalidad estadounidense. La cinta antibelicista sobre la obra de Maurice Rostand interpretada en sus papeles protagonistas por Lionel Barrymore y Nancy Carroll tuvo un éxito notable y es considerada una obra maestra de las muchas de su director.
El ecléctico, inquieto, prolífico y siempre sorprendente director francés Françoise Ozon se atreve con un remake de la cinta de Lubitsch del que sale airoso, aunque no llegue a la altura del maestro. Utiliza para ello una propuesta en un blanco y negro límpido y que transmite frialdad para una historia dividida en tres actos como la obra original de Rostand al que no se le acredita en la cinta, en la que cada uno de ellos ofrece un giro, un impulso y una perspectiva nueva sobre el mismo hecho. Utiliza dramáticamente el paso al color en momentos determinados para subrayar el cambio emocional en los personajes. El romanticismo se da la mano con el antibelicismo en una historia de expiación donde el ausente deja un hueco tan enorme que hace que todos los demás intenten llenarlo de forma desesperada devolviéndolo a sus vidas de una u otra forma y marcando sus destinos. Es imposible no encontrar en el padre del soldado alemán fallecido un referente directo con el profesor que arenga a sus alumnos para ir al frente en el clásico de Milestone "Sin novedad en el frente " / 1930 sobre la novela de Remarque del 29 y que seguro que Rostand y Lubitsch conocían.
Ozon dirige con mimo y eficacia narrativa y bajo la frialdad y contención de toda la cinta laten las pulsiones de los personajes bien interpretados por todo el elenco. A destacar el delicado y sutil tratamiento de la homosexualidad del soldado francés que en ningún momento aflora de forma explicita reflejo de la propia homosexualidad del propio Rostand.
Oportuna para los tiempos que corren y siempre se repiten sin que aprendamos, de exacerbados nacionalismos que acaban por buscar justificación y culpables en los otros y que  acaban cobrándose en sangre inocente un alto precio. 

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Clasificar de documental esta obra cinematográfica sería ir en contra del espíritu de la misma. El propio director no es partidario de las etiquetas y llega a decir, a mi juicio con acierto, que: "todo es cine". Dice también Herce que el embrión inicial parte de la idea de rodar algo sobre el movimiento, sobre la perenne inquietud humana de seguir hacia adelante aunque no tenga muy claro hacia donde va y la estela generalmente de destrucción que va dejando en su incesante caminar. Uno de los tripulantes filipinos en su mayoría de este carguero, matriz metafórica de todo aquello que el espectador pueda imaginar, llega a expresar con palabras esa idea del viaje incógnito. Palabras que afloran con parquedad solo para marcar la individualidad ante la inmensidad. La entrañas, el esqueleto del "Fair Lady" son contempladas en un ejercicio, como toda la obra, conceptual, donde lo contemplado cobra múltiples significados o deja de tenerlos como cuando se repite una palabra muchas veces o se observa un objeto demasiado tiempo.

Gran consumidor de todo de cine, las influencias y referencias a películas y géneros están presentes en compartimentos estancos que podrían valer para cualquier tipo género. Herce, director de fotografía antes que nada, ejerce como tal y saca el máximo partido jugando con las luces y las sombras que hacen que todo fluya a una velocidad vertiginosa en su aparente lentitud. El sonido es una baza fundamental que redimensiona todo el conjunto sobre todo en la primera mitad. El relevo que toman las voces en la "segunda parte" establecen un juego de contrarios entre lo personal, los sentimientos y la inmutable maquinaria, todo un juego de contrastes en el que si uno se deja llevar acaba por sentirse tan grande y tan minúsculo como lo que esta viendo, un viajero a bordo de una nave hacia una muerte lenta e inexorable. Un viajero que se esfuerza y lucha ante problemas ingentes en el camino de una nave que seguirá funcionando  mucho después de que ya no estemos.
Cine original, "puro", sensorial, primigenio. Las palomitas mejor dejarlas para otra ocasión.

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Probablemente la mejor comedia romántica del 2017 amén de hacerse un hueco en la historia de un género muy, muy sobado y explotado hasta decir basta, pero que cuando funciona como es el caso nos atrapa y es tan digno como el que más. En estas circunstancias tiene más merito del que parece haberlo conseguido. Indudablemente es el mimado guión de Emily V. Gordon y Kumail Nanjiani inspirado en su propia historia real con los aderezos de ficción correspondientes la base de su éxito.

Produce Judd Apatow, un señor que se ha hecho dueño y señor de un tipo de comedia gamberra, cuyos recursos, generalmente zafios para hacernos reír no son santo de mi devoción por mucho que triunfen en taquilla. Supongo que cumplida la cincuentena algo ha madurado y ha tenido el acierto por apostar por esta historia que en parte le reconcilia con el género.

Kumail Nanjiani asume la mayor parte del peso cómico y dramático del asunto interpretándose a si mismo en una composición notable, mesurada y emotiva, bien secundada por la carismática Zoe Valdés en el papel de la que hoy es su mujer y co-guionista de la cinta. Acertada mezcla de drama y comedia, de aires realistas, buenos gags y diálogos que nos lleva en volandas por una historia de amor y tradiciones, de familias y búsquedas de identidades en un mundo global que aún se empecina en evitar mezclarse sin pudor tomando lo mejor de cada uno de sus bagajes culturales. No puede evitar el director, actor y guionista fajado en la televisión Michael Showalter caer en algunos clichés del género que los giros del guión sortean con habilidad. El elenco que componen los compañeros monologuistas y las familias de la pareja en donde aparece una Holly Hunter algo desdibujada, cumple con sus roles al servicio de una historia de amor capaz de remontar corrientes y adversidades desde el respeto al otro dejando que el destino haga florecer aquello que se ha plantado con honestidad. Recomendable.

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El director francés parece que ha tenido que recurrir por segunda vez al universo del cine después de la oscarizada "The Artist" (2011) para volver a levantar cabeza. Las dos encaran momentos claves de la historia del celuloide. La primera el comienzo del sonoro en Hollywood y esta la revolución que supuso la "nouvelle vague" en la Francia de los 60. Por otro lado elige un personaje real como Godard a través del libro autobiográfico de una de sus mujeres, Anne Wiazensky con la que estuvo casado del 67 al 79. 
Como ya está empezando a ser habitual en el género del biopic, no sigue las reglas convencionales del mismo y se limita a un hecho o periodo de la vida del personaje principal. Aquí vivimos el Mayo del 68 en el que un Godard en permanente búsqueda y contradicción incluso de si mismo reniega de sus propios films iniciales que le dieron su prestigio e inicia un camino maoista, de cine colectivo y experimental que en una u otra medida le ha acompañado hasta los 87 años que tiene en la actualidad alejándole del publico mayoritario e incluso del mismo cine en su concepto más clásico. No trata la cinta de analizar el cine de Godard, ni enjuiciarlo, se centra más en la persona que en su obra, en su relación tormentosa con Wiazensky y en su idiosincrasia personal que le convierten en un personaje egocéntrico, gruñón y lleno de dudas y complejos. Tampoco es la intención de Hazanavicius hacer sangre sobre ello, sino llevarlo a su terreno de la comedia, hacernos pasar un rato agradable, divertido con un componente de iniciación didáctica a una época y unas gentes que se quisieron comer la vida y la vida se los comió y que si bien no consiguieron cambiar el mundo dejaron un poso cuyos rescoldos aún no se han apagado del todo.
Criticar la película comparando el trabajo de los dos directores es absurdo, no tienen nada que ver a pesar de que Hazanovicius juegue con recurso técnicos que evoquen el cine experimental del genio. Me ha parecido un trabajo interesante, notable y sobre todo divertido sobre "el temible" director y la "temible época" que acabaron engullidos como sucederá con todo por el realmente temible paso del tiempo.

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Dicen que la historia está condenada a repetirse. Alejandrina Victoria de Hannover, la reina Victoria con cuyo nombre se identifica toda una época referente a su reinado de más de 63 años caracterizada por el expansionismo británico, su revolución industrial y una férrea disciplina moral, no tuvo empacho en su cuarentena y una vez enviudado de iniciar una "fraternal" relación de décadas con su criado escocés John Brown que dio pábulo a todo tipo de dimes y diretes tanto dentro como fuera de palacio. A la reina se la llegó a llamar "Mrs. Brown". Este fue el título de la película dirigida por John Madden en el 97 en el que Judi Dench también encarnó a la soberana cosechando una nominación al Oscar, un BAFTA y un Globo de Oro.
Al igual que la actriz ha repetido su papel a la misma edad que tenía la soberana cuando falleció, está decidió cuatro años después de la muerte de Brown, repetir la historia y sustituirlo por Abdul Karim un criado hindú musulmán al que ascendió a "maestro" y "escriba". El revuelo, está vez de puertas para adentro volvió a agitar la Casa Real.
Frears lo cuenta de forma blandita, socarrona por momentos, amable, todo ello muy bien envuelto en una producción cuidada, donde el epicentro que mueve todo el asunto es la, una vez más, portentosa interpretación de Judi Dench, magníficamente acompañada por un casting de secundarios que aciertan en el tono divertido del asunto y un esforzado Ali Fazal que se cobija en la poderosa sombra interpretativa de La Dench.
Pieza menor de un Frears de carrera longeva y ecléctica, siempre interesante lejos ya  de aquellas "amistades peligrosas" del 88 que de vez en cuando nos recuerda que sigue aquí ("Philomena", también con Judi Dench / 2013) contando buenas historias.

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