Fresco Valle-inclanesco en tono viscontiano, estoy pensando en un film como “Senso”, así podría interpretarse esta adaptación, muy libre, de dos de las cuatro sonatas, luego publicadas conjuntamente, de Don Ramón María del Valle Inclán que había escrito para escandalizar a la sociedad estrecha e hipócrita de su tiempo (aunque el cineasta de ideología comunista estaba muy lejos del escritor), con una espectacular y cuidada superproducción, gran elenco de estrellas latinas, bien ambientada y de fotografía espléndida. Un melodrama aventuresco en un escenario sociopolítico reconocible, sembrado de violencia, nobles, caciques, dictadores, liberales, idealistas revolucionarios, traiciones, lealtades y amistades irrenunciables, todo ello a caballo entre Galicia y México. Bardem había adquirido un gran prestigio internacional, se encontraba en un gran momento creativo, nominado al Oscar por “La venganza” distribuida por la Metro.

El Marqués de Bradomin (un excelente Paco Rabal) es hombre apasionado y empujado por las circunstancias, que protagoniza estas dos sonatas (de Otoño y de Estio), una en la profunda y verde Galicia, relata la lucha de los liberales contra los absolutistas, la otra, seis años más tarde en el árido Mexico en plena agitación revolucionaria. Aunque Bardem no se ciñe estrictamente a la verdadera Historia, al cineasta lo que le interesaba era la lucha entre los defensores y los asesinos de la libertad. El capitán Casares (un correcto Fernando Rey), otro de los destacados protagonistas, no tiene nada que ver con el escritor, es un personaje típico del cine de Bardem que le sirve al director como la voz de la conciencia moral en la película, representa el triunfo de la solidaridad, la derrota del egoísmo, un personaje positivo cercano a la ideología del cineasta, que también está presente (la voz de la conciencia) en “Calle Mayor” y “La venganza”.

Las actrices (Aurora Bautista y María Félix) le dan al relato ese contrapunto femenino épico, mujeres que se revelan contra la tiranía y la opresión, aunque con distinta suerte. El folclore gallego y el mexicano está muy bien representados añadiendo más interés a la trama, la pega que yo encuentro en el personaje de Bradomín, es que su cambio de actitud ante las circunstancias, de ser un tipo egoísta y poco comprometido, pasa a ser un tipo vitalista, aventurero y romántico sin que se aprecie progresivamente ese sustancial cambio, noto una cierta ligereza en su profundidad psicológica que chirrea un poco. Por lo demás me parece una película correcta e interesante, con influencias cercanas a la elegancia formal de Visconti aunque no coincida estéticamente con la aristocracia decadente, del también director comunista italiano.

En el idioma catalán, “La botiga” es la tienda, en este caso una mercería como símbolo de una estirpe, los Esteve, reflejando la iniciativa comercial de la pequeña burguesía catalana. Edgar Neville fue un polifacético autor que cultivó todos los géneros artísticos: teatro, poesía, novela y cine. Neville hizo en todo ello, del humor su profesión, fue un maestro dentro de la comedia costumbrista habitualmente madrileña, pero aquí se atreve a retratar el costumbrismo catalán a través de esta familia de emprendedores y sus amistades desde una sutil ironía que en el fondo es pura ternura y humanismo por sus personajes. Este film es uno de sus más humildes y menos conocido y contado en poco más de una hora. Basada en una novela de Santiago Rusiñol “El auca del Sr. Esteve” que transcurre en la Barcelona del siglo XIX, cuando el negocio familiar pasaba de padres a hijos generación tras generación, con sus alegrías y penas, sus cotilleos, sus chascarrillos y sus anécdotas.

Alberto Romea encarna perfectamente al patriarca de los Esteve, su mentalidad austera y sus principios pragmáticos, que procura mantener su linaje desde las buenas costumbres, con su visión conservadora basada en el matrimonio, la familia, del trabajo bien hecho y su visión ilusionante de una Barcelona industrial de las más desarrolladas del mundo. El problema comienza cuando a uno de los nietos prefiere el arte al negocio, un descendiente díscolo que pone en peligro la saga de los Esteve. El film es simpático y entrañable, y recoge perfectamente las tradiciones populares y la idiosincrasia catalana, sus excursiones campestres además de sus rituales sociales. Los secundarios son fabulosos entre ellos Pepe Isbert y Julia Caba Alba. Sin olvidarnos de la Sagrada Familia cuya silueta preside la ciudad y nos anuncia la arquitectura de Gaudí.

Rusiñol fue un catalán universal, popular figura de la vida bohemia y hombre sabio, pintor y escritor que se sirvió del humor y la ironía para reflejar las flaquezas humanas. Nunca olvidaré la anécdota jocosa que me contó un amigo catalán ya fallecido de nombre Maurici al que dedico mi reseña, decía que en una ocasión Rusiñol entró en un café lujoso de la ciudad Condal, al parecer no muy elegantemente vestido, apresuradmente los responsables del local le invitaron a abandonarlo por su indumentaria poco apropiada para el lugar. Al día siguiente apareció por el mismo café, elegantemente vestido y se acercó a la barra para pedir un chocolate, cuando se lo sirvieron y ante el asombro del resto de los clientes comenzó a esparcirlo sobre su traje inmaculado mientras decía: “Toma el chocolate que me lo han servido gracias a tí”. Buena prueba de su desprecio por las apariencias. Sin más comentarios.

Dentro de la división por géneros con la que solemos clasificar las películas, el bélico es uno de los géneros que más obras maestras ha dado. En los últimos años, quizás sea la obra de Terrence Malick una de las más interesantes por sus profundas reflexiones filosóficas, un testimonio sobrecogedor de la verdadera catástrofe que toda guerra supone. Malick se interroga y a la vez nos interroga a nosotros, espectadores, sobre el verdadero origen de unos comportamientos desquiciados y mezquinos. Su título hace referencia a la línea que separa la cordura de la locura, donde la realidad se convierte en pesadilla. Una película sugerente que invita a indagar sobre el alma humana. Sentimos con los personajes, padecemos con el sufrimiento de esos inocentes, víctimas en su mayoría de los designios de unos cuantos políticos y el alto estamento militar. El miedo recorre nuestro interior cuando vemos a lo que el hombre, sin saber muy bien porqué, es capaz de llegar.

En un conflicto bélico no hay buenos ni malos, ni vencedores ni vencidos, pues todos son perdedores de una u otra forma. “La delgada línea roja” es una oda a la naturaleza y al ser humano en toda su pureza, además de una crítica a la maldad que hay en cada uno de nosotros. La guerra no ennoblece a los hombres, sólo los convierte en bestias por no encontrar otra solución para resolver cualquier conflicto por grande que sea. Así pues, el hombre es desbordado por los acontecimientos y degrada todo lo que le rodea, jugando con cosas que no tienen remedio. La inclinación de Malick por la poesía visual en lugar de la narrativa clásica produce en el espectador una confusión inevitable a lo largo de casi tres horas, donde no hay acción bélica, ni grandes batallas, tampoco pasión patriótica ni heroicidades extremas, porque así lo quiere el cineasta. Rodeados de los paisajes más idílicos jamás retratados por una cámara de cine, los soldados que aparecen ante nosotros, sean de uno u otro bando, son una sola alma.

La Naturaleza es inmortal e indomable, el hombre es insignificante ante su inmensidad nos viene a decir Malick. Los comentarios y frases están llenos de metáforas e interpretaciones subjetivas que cuestionan valores universales. A pesar de su compleja estructura argumental, las ideas filosóficas y religiosas en el fondo son bastante simples aunque no en la forma. Goza de un excelente casting que se parece a una superproducción, pero que seguramente todos trabajaron por debajo de su sueldo habitual en aras al tema artístico. Adaptada muy libremente de una novela de James Jones mucho más pasional a la hora de detallar la batalla de Guadalcanal, el cineasta se inclina por una visión más personal de los hechos. Su puesta es escena es sugerente y brillante junto a su banda sonora y fotografía que se convierten en secundarios de lujo. Es por todo lo expuesto por lo que recomiendo este film para aficionados al cine adulto y reflexivo, que no quiere decir aburrido ni pedante, porque invitarnos a pensar sobre lo que somos (el hombre y su obstinación por autodestruirse) no me parece tedioso, más bien todo lo contrario.

Con motivo del estreno de la nueva película de Sofía Coppola “La seducción” que me gustaría ver pronto, he decidido revisar la versión que de la misma novela hizo el el gran cineasta Donald Siegel, de la que tenía vagos recuerdos. Se trata de uno de los mejores trabajos del dúo Siegel/Eastwood para Malpaso, la recién creada productora de este último, un drama perverso lleno de metáforas y sugerencias, de comportamientos poco presentables, de pasiones irreductibles donde la Guerra de Secesión aparece mostrada en fotografías viradas como un apunte del pasado, en todo caso fuera de campo pero vinculado con los protagonistas, al mismo tiempo que da testimonio de una crueldad fijada en la memoria, que es narrado en clave de cuento infantil cuando una niña recoge setas en un bosque poco encantador.

El hallazgo de un soldado enemigo herido, primera metáfora del encuentro con un ogro pertrecho pero de un especial encanto, si bien la niña lo rescatara para su curación no debemos olvidar que es un ogro. Se trata del cabo John McBurney (un excelente Clint Eastwood), un yanqui poco ejemplar que se hace pasar por lo que no es (noble y pacifista) cuando llega a un internado de señoritas de varias edades que dirige la madura señora Martha (Geraldine Page). La naturaleza masculina y femenina entran en colisión en un mundo de represiones que con la llegada del cabo nordista provoca el despertar de la sensualidad adormecida por un grupo de mujeres sureñas.

Es la adaptación de la novela gótica de Thomas P. Cullinan “The Beguiled” (Los engañados). La amputación metafórica de la virilidad, mediante una pierna amputada, la gestión del deseo sexual, los mecanismos de la seducción. También la traición, el impulso de venganza y el reflejo en los personajes del odio, el dolor, el fango y el sentimiento de pérdida en el campo de batalla. A pesar de tener unas señas de autor muy fuertes, la película se mantiene fiel al género,  “El seductor” es gótico americano a la yugular. Es directa, salvaje, macabramente diáfana incluso cuando se adentra en el delirio. Es una pesadilla sin subterfugios, física, libidinosa, obscena.

Se trata de un cuento cruel, cuyo atractivo reside en las relaciones que ocurren dentro de una residencia cerrada, opresiva y claustrofóbica. Me ha gustado la detallada caracterización de todos los personajes que nos aclara los motivos de sus comportamientos, sus miradas y sus gestos. A diferencia de otras obras de Siegel, donde se imponía el dominio masculino, aquí es todo lo contrario, es el dominio de las féminas el que se impone. Gracias por leer unas opiniones que me sugieren invitar a ver este interesante film.

En 1955, España intenta abrirse culturalmente al exterior a través de los rodajes cinematográficos, la productora de los hermanos Sáenz de Heredia recibe una oferta de colaboración con una empresa británica para rodar “That Lady”, adaptación de una novela de Kate O'Brien sobre la relación entre la Princesa de Éboli, Felipe II y Antonio Pérez. Lo que parecía ser un gran negocio empieza a encontrar una serie de dificultades al no encajar el enfoque histórico de la película con la ideología oficial del momento. Al final, la versión estrenada en España con el título La princesa de Éboli será una elaboración totalmente distinta a la que se verá internacionalmente, desconozco si la versión emitida en la 2 de TVE es la versión definitiva.

Corrían los años cincuenta y el Cinemascope se imponía como formato nuevo para atraer público a la gran pantalla que estaba amenazada por la aparición de los televisores en los hogares norteamericanos. Aunque este film tiene más raíces teatrales que de cine de aventuras, lo que priva es la palabra y la caracterización de personajes por encima de la acción física, hasta se permite una corrida de rejones a caballo (actúa el rejoneador Angel Peralta), seguramente una concesión al gobierno y a la más pura tradición española. Terence Young, cineasta con oficio que filmaría más tarde algunas de James Bond, se amolda perfectamente al formato con buenos encuadres y bellas panorámicas exteriores en paisajes idílicos y castillos reconocidos como el de Segovia.

“That Lady” es un melodrama pasional e histórico, de intrigas palaciegas, secretos de estado y maniobras políticas. Narra los avatares de un personaje histórico controvertido como fue la princesa de Éboli (Ana de Mendoza) encarnado por una excelente Olivia de Havilland. Según la Historia fue una de las mujeres de más talento, y se la consideró como una de las damas más hermosas de la corte española, durante el reinado de Felipe II (un sobrio Paul Scofield). Entre las teorías sobre la causa de la pérdida de su ojo derecho, la más respaldada es la que asegura que la princesa fue dañada por la punta de un florete manejado por un paje durante su infancia. Pero hay quien sostiene que quizá no fuese tuerta sino estrábica, aunque hay pocos datos que mencionen dicho defecto físico. En cualquier caso, su parche negro no restaba belleza a su rostro; su carácter altivo y su amor por el lujo se convirtieron en su mejor etiqueta de presentación, y ejerció una gran influencia en la corte. Poco que ver con la película, pues se nos presenta como una mujer noble, dulce y abnegada capaz de sacrificarse por amor.

Lo que sí parece seguro es que, una vez viuda, en 1573, sostuvo relaciones con Antonio Pérez (el galán Gilbert Rowland), secretario del rey. Antonio tenía la misma edad que ella y no se sabe realmente si lo suyo fue simplemente una cuestión de amor, de política o de búsqueda de un apoyo que le faltaba desde que muriera su marido. Estas relaciones fueron descubiertas por Juan de Escobedo, su rival y opositor político secretario de Juan de Austria, el hijo natural del rey Carlos I de España, quien además mantenía contactos con los rebeldes de los Países Bajos Españoles. La película navega entre realidad y ficción histórica para ofrecernos un entretenimiento ameno al estilo de Hollywood, aunque era una co-producción hispano-inglesa rodada en España. Cuenta con un excelente equipo técnico y artístico, buena ambientación, la fotografía del maestro Krasker y la música del inglés Addison con aromas de folclore y guitarra española. Gracias por atender un puñado de pareceres.