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Críticas de santos
30 de junio de 2011
6 de 7 usuarios han encontrado esta crítica útil
Mark Renton es un joven escocés heroinómano y sin más proyecto que conseguir día a día el pico que necesita para ir tirando; junto a él está su pandilla, todos muy peculiares, genuinos y con sus excesos correspondientes. A lo largo de la película acompañaremos a "Renti" por muchas etapas de su vida en general y relacionadas con la droga y su grupo de amigos.
Descarada adaptación de la novela de Irvine Welsh, autor que si va a ser recordado por algo es por la crudeza con la que aborda en sus novelas temas como la drogadicción, pornografía, alcoholismo..., realizada por Danny Boyle que tras su apasionante Tumba abierta, consigue su trabajo supremo, una joya de culto que no deja indiferente a nadie y con la que pasas dos horas acompañando a este antihéroe por un mundo desconocido para casi todos pero que te fascina y te atrapa y del que deseas saber más y más.
Welsh describe en su libro una Escocia que no aparece en los folletos de viajes, viciada y mugrienta; Boyle capta el mensaje y te transmite eso exactamente, un lugar deprimente, poco recomendable y al que Renton detesta.
Otro tanto es la minuciosa exposición del día a día de un adicto, con métodos para conseguir la dosis, el síndrome de abstinencia, su relación con el resto del mundo (incluidos amigos, chicas y familia) del que se sienten alejados y cuando se paran a observarlo, lo hacen con extrañeza y escepticismo, efectos de una sobredosis, el sida... está cargada de temas que la hacen rica y variada.
El guión corre a cuenta de un habitual de Boyle, John Hodge que hace una labor formidable, con un texto plagado de gags, humor negro y situaciones tan imborrables como impactantes para el espectador (el bebé es un claro ejemplo). La fotografía y escenografía son todo lo casposas que necesitaba la película, por lo que son perfectas.
Me parece muy adecuado e inteligente el uso de Flashbacks que dinamizan mucho el ritmo de la historia y que son muy ocurrentes y oportunos.
Pero un punto aparte merece la banda sonora, es una de las mejores selecciones musicales que una película pudiera tener. Aparecen clásicos como los de Iggy Pop, New Order o Primal Scream junto con temazos del calibre de Mile end de Pulp o el antológico Born slippy de Underworld.
De los personajes hablaré más detalladamente en el Spoiler, pero si que debo hacer hincapié en el trabajo de los actores, que sin ser maravilloso, es convincente y están muy bien seleccionados.
Descarada adaptación de la novela de Irvine Welsh, autor que si va a ser recordado por algo es por la crudeza con la que aborda en sus novelas temas como la drogadicción, pornografía, alcoholismo..., realizada por Danny Boyle que tras su apasionante Tumba abierta, consigue su trabajo supremo, una joya de culto que no deja indiferente a nadie y con la que pasas dos horas acompañando a este antihéroe por un mundo desconocido para casi todos pero que te fascina y te atrapa y del que deseas saber más y más.
Welsh describe en su libro una Escocia que no aparece en los folletos de viajes, viciada y mugrienta; Boyle capta el mensaje y te transmite eso exactamente, un lugar deprimente, poco recomendable y al que Renton detesta.
Otro tanto es la minuciosa exposición del día a día de un adicto, con métodos para conseguir la dosis, el síndrome de abstinencia, su relación con el resto del mundo (incluidos amigos, chicas y familia) del que se sienten alejados y cuando se paran a observarlo, lo hacen con extrañeza y escepticismo, efectos de una sobredosis, el sida... está cargada de temas que la hacen rica y variada.
El guión corre a cuenta de un habitual de Boyle, John Hodge que hace una labor formidable, con un texto plagado de gags, humor negro y situaciones tan imborrables como impactantes para el espectador (el bebé es un claro ejemplo). La fotografía y escenografía son todo lo casposas que necesitaba la película, por lo que son perfectas.
Me parece muy adecuado e inteligente el uso de Flashbacks que dinamizan mucho el ritmo de la historia y que son muy ocurrentes y oportunos.
Pero un punto aparte merece la banda sonora, es una de las mejores selecciones musicales que una película pudiera tener. Aparecen clásicos como los de Iggy Pop, New Order o Primal Scream junto con temazos del calibre de Mile end de Pulp o el antológico Born slippy de Underworld.
De los personajes hablaré más detalladamente en el Spoiler, pero si que debo hacer hincapié en el trabajo de los actores, que sin ser maravilloso, es convincente y están muy bien seleccionados.
SPOILER: El resto de la crítica puede desvelar partes de la trama.
Ver todo
6 de abril de 2011
6 de 7 usuarios han encontrado esta crítica útil
Tengo que tirar de memoria, para encontrar una película que me dejara tan buen sabor de boca como el que me dejó Cayo Largo; está tranquilamente entre las 3 mejores de un director tan variado y polifacético como John Huston, y porque no decirlo, entre las 5-10 mejores películas de la década de los cuarenta.
Para empezar, combina un plantel de actores amplísimo y derrochante de talento, encabezado por un Humphrey Bogart en lo más alto de su carrera, y con el que ya había trabajado en el Halcón Maltés o El tesoro de Sierra Madre y años después colaboraría en La Reina de África, junto a él, su mujer, Lauren Bacall, demostrando que era capaz de interpretar algo más que una femme fatale, el gran Edward G Robinson, extraordinario como siempre. Y para cerrar está una enorme, y digo enorme porque es la que roba la película, Claire Trevor, y un veterano de lujo, Lionel Barrymore. Con estos mimbres, ¿quién puede fallar?
Pero si a todo lo dicho antes, ponemos en la dirección al todoterreno John Huston, que para mi ha sido el director más versátil de la historia, y que en esta hace gala de un dominio y un talento, propio de un genio, pues para que más.
De la historia, habló más en el Spoiler, pero para mi es francamente soberbia y desde el minuto uno, ya te tiene pegado al sillón.
Para cerrar, sólo puedo alavar, la gran creación de los escenarios, el calor que se vive dentro de ese hotel se te pega al cuerpo como si fueras un huesped más.
Indudablemente es un peliculón y es de mis favoritas.
Para empezar, combina un plantel de actores amplísimo y derrochante de talento, encabezado por un Humphrey Bogart en lo más alto de su carrera, y con el que ya había trabajado en el Halcón Maltés o El tesoro de Sierra Madre y años después colaboraría en La Reina de África, junto a él, su mujer, Lauren Bacall, demostrando que era capaz de interpretar algo más que una femme fatale, el gran Edward G Robinson, extraordinario como siempre. Y para cerrar está una enorme, y digo enorme porque es la que roba la película, Claire Trevor, y un veterano de lujo, Lionel Barrymore. Con estos mimbres, ¿quién puede fallar?
Pero si a todo lo dicho antes, ponemos en la dirección al todoterreno John Huston, que para mi ha sido el director más versátil de la historia, y que en esta hace gala de un dominio y un talento, propio de un genio, pues para que más.
De la historia, habló más en el Spoiler, pero para mi es francamente soberbia y desde el minuto uno, ya te tiene pegado al sillón.
Para cerrar, sólo puedo alavar, la gran creación de los escenarios, el calor que se vive dentro de ese hotel se te pega al cuerpo como si fueras un huesped más.
Indudablemente es un peliculón y es de mis favoritas.
SPOILER: El resto de la crítica puede desvelar partes de la trama.
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25 de septiembre de 2011
5 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
En una fría y nevada noche un anciano se declara a gritos culpable de asesinato y trata de suicidarse, pero es detenido y trasladado a un sanatorio. Días después un sacerdote acude para confesarle y aliviar su sufrimiento; dicho hombre resulta ser Antonio Salieri, uno de los compositores más prestigiosos de su época y la persona a la que asegura haber matado es Wolfgang Amadeus Mozart, un virtuoso genio que todo el mundo recuerda y al que siempre envidió.
Portentosa obra de Milos Forman basada en el texto de Peter Shaffer en la que se realiza un acercamiento a la impresionante figura de Mozart y a su rival Antonio Salieri, un buen creador relegado a un segundo plano. No soy el mayor conocedor de la vida del prodigio austriaco, pero me parece demasiado ácida la visión de los celos del italiano y la inmadurez y soberbia del de Salzburgo; tampoco me convence las continuas referencias que hace el viejo Antonio a Dios durante su relato.
Pero son las únicas pegas que se le pueden encontrar a esta magnífica obra del checo que vuelve a dar en la diana y que se saca de la chistera la película del año y una de las mejores de la década. Todo parece estar medido y planificado al detalle porque muchos son los aspectos que brillan: el vestuario es delicioso, la banda sonora de auténtico lujo, las escenas de la ópera en el teatro nacional son apabullantes y cortan la respiración, la ambientación y puesta en escena son de cátedra y trasladan durante dos horas a la época clásica.
El apartado interpretativo va completamente ligado a la excelencia de la cinta, porque el duelo de los protagonistas es realmente formidable, duelo con claro vencedor ya que F. Murray Abraham transmite con una simple mirada un torrente de emociones y sentimientos y su Salieri es la viva imagen de los celos y la rabia, pero también de la admiración y del profundo respeto hacia su enemigo. Tom Hulce hace un papel sensacional como un engreído, caprichoso e irresponsable monstruo de la música; verle dirigir la Ópera con ese entusiasmo, seguridad y pasión resulta colosal, tanto como debió ser el propio genio de risa floja. Lo más curioso del asunto es que tras semejantes interpretaciones ninguno volvió a tener papeles destacados y ambos andaban sobrados de cualidades y talento. En fin, para la historia quedan sus meritorios trabajos en Amadeus.
No hay suficientes Salieris, mojigatos capellanes o detractores en el mundo que consigan desprestigiar la música que regaló Mozart al resto de la humanidad. El tiempo es sabio y coloca a cada cual en el puesto que merece y Wolfgang está y permanecerá en el suyo: la élite.
Portentosa obra de Milos Forman basada en el texto de Peter Shaffer en la que se realiza un acercamiento a la impresionante figura de Mozart y a su rival Antonio Salieri, un buen creador relegado a un segundo plano. No soy el mayor conocedor de la vida del prodigio austriaco, pero me parece demasiado ácida la visión de los celos del italiano y la inmadurez y soberbia del de Salzburgo; tampoco me convence las continuas referencias que hace el viejo Antonio a Dios durante su relato.
Pero son las únicas pegas que se le pueden encontrar a esta magnífica obra del checo que vuelve a dar en la diana y que se saca de la chistera la película del año y una de las mejores de la década. Todo parece estar medido y planificado al detalle porque muchos son los aspectos que brillan: el vestuario es delicioso, la banda sonora de auténtico lujo, las escenas de la ópera en el teatro nacional son apabullantes y cortan la respiración, la ambientación y puesta en escena son de cátedra y trasladan durante dos horas a la época clásica.
El apartado interpretativo va completamente ligado a la excelencia de la cinta, porque el duelo de los protagonistas es realmente formidable, duelo con claro vencedor ya que F. Murray Abraham transmite con una simple mirada un torrente de emociones y sentimientos y su Salieri es la viva imagen de los celos y la rabia, pero también de la admiración y del profundo respeto hacia su enemigo. Tom Hulce hace un papel sensacional como un engreído, caprichoso e irresponsable monstruo de la música; verle dirigir la Ópera con ese entusiasmo, seguridad y pasión resulta colosal, tanto como debió ser el propio genio de risa floja. Lo más curioso del asunto es que tras semejantes interpretaciones ninguno volvió a tener papeles destacados y ambos andaban sobrados de cualidades y talento. En fin, para la historia quedan sus meritorios trabajos en Amadeus.
No hay suficientes Salieris, mojigatos capellanes o detractores en el mundo que consigan desprestigiar la música que regaló Mozart al resto de la humanidad. El tiempo es sabio y coloca a cada cual en el puesto que merece y Wolfgang está y permanecerá en el suyo: la élite.
SPOILER: El resto de la crítica puede desvelar partes de la trama.
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7 de septiembre de 2011
5 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
En una rutinaria quedada entre dos matrimonios sale a la luz la ruptura de uno de ellos, a partir de este suceso ambos matrimonios experimentarán muchos estados diferentes a nivel de pareja e individual y la sombra de los celos, infidelidades y manías e inseguridades estará siempre presente.
Buen trabajo de Woody Allen, que resulta mucho más grandioso al fijarse en el contexto personal y sentimental que atravesaban Allen y su pareja y compañera de reparto en gran parte de sus últimos trabajos: Mia Farrow. Si tomamos en cuenta el agitado momento que vivían ambos es mucho más meritorio el buen resultado y la química que demuestran en pantalla.
El guión del genio neoyorquino es brillante, como no podía ser menos, pero hay una gran carga de amargura, reproche y resquemor que sirve para conseguir secuencias de auténtica tensión y para crear una atmósfera agobiante y muy lograda.
El movimiento de la cámara que al principio es mareante, acaba siendo un gran acierto para transmitir ese desasosiego y para que el producto final sea más parecido a un documental que a una película convencional.
Otro tanto a favor son las secuencias de entrevistas personales de los protagonistas con un psicólogo anónimo, en las que cada uno desnuda sus pensamientos y sentimientos y que funciona muy bien para hacernos cómplices de ellos y para empatizar o no con cada uno.
El reparto es muy solvente y variado, a parte del tandem Allen-Farrow hay que sumar al siempre polivalente Sidney Pollack, a Liam Nelson que no me convenció, a la siempre atrayente Juliette Lewis y a una soberbia y apabullante Judy Davis.
Buen trabajo de Woody Allen, que resulta mucho más grandioso al fijarse en el contexto personal y sentimental que atravesaban Allen y su pareja y compañera de reparto en gran parte de sus últimos trabajos: Mia Farrow. Si tomamos en cuenta el agitado momento que vivían ambos es mucho más meritorio el buen resultado y la química que demuestran en pantalla.
El guión del genio neoyorquino es brillante, como no podía ser menos, pero hay una gran carga de amargura, reproche y resquemor que sirve para conseguir secuencias de auténtica tensión y para crear una atmósfera agobiante y muy lograda.
El movimiento de la cámara que al principio es mareante, acaba siendo un gran acierto para transmitir ese desasosiego y para que el producto final sea más parecido a un documental que a una película convencional.
Otro tanto a favor son las secuencias de entrevistas personales de los protagonistas con un psicólogo anónimo, en las que cada uno desnuda sus pensamientos y sentimientos y que funciona muy bien para hacernos cómplices de ellos y para empatizar o no con cada uno.
El reparto es muy solvente y variado, a parte del tandem Allen-Farrow hay que sumar al siempre polivalente Sidney Pollack, a Liam Nelson que no me convenció, a la siempre atrayente Juliette Lewis y a una soberbia y apabullante Judy Davis.
8 de junio de 2011
5 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
Billy Tully es un boxeador semi-retirado, alcohólico, triste y que fracasa cada vez que trata de rememorar sus días de gloria como púgil. En su vida aparecerá Ernie, un sencillo muchacho que empieza en el boxeo y Oma, una mujer alcoholizada y autodestructiva.
Desgarradora película de John Huston que vuelve a reinventarse para brindar un filme completamente fresco pero con el oficio de siempre.
John siempre fue un director con especial capacidad para retratar vidas de gente perdedora y con sueños e ilusiones que jamás se cumplirán. Para la memoria quedan muchos personajes de anteriores trabajos que son ejemplo de dicho patetismo y vencimiento.
Fat city es el duro cuadro de la desolación y el fracaso, porque todos sus protagonistas son auténticos derrotados, no simplemente en el cuadrilátero, sino en su día a día.
El guión fue adaptado por el propio autor de la novela Leonard Gardner y con una poco usual fotografía pero que es un claro reflejo del mensaje de toda la obra. También es muy correcta la inclusión del tema inicial de Kris Kristofferson que son las notas de la derrota, de esa ciudad Stockton donde vemos a indigentes, borrachos y a Billy Tully abatido en una mugrienta habitación.
Uno de los puntos que más me llamó la atención fue el rodaje de los combates, de una forma poco convencional, con golpes duros y transmitiendo la impresión de que el resultado no es tan importante porque no cambiará nada.
Los actores están francamente bien. Desde Stacy Keach que borda su papel y su Billy Tully te provoca verdadera compasión y lástima, pasando por el muy joven Jeff Bridges pero que también está fabuloso, Susan Tyrrel que se muestra arrolladora y que coloca un nudo en el estómago y Nicholas Colasanto como el iluso entrenador.
Notable película que es una de mis favoritas de Huston.
Desgarradora película de John Huston que vuelve a reinventarse para brindar un filme completamente fresco pero con el oficio de siempre.
John siempre fue un director con especial capacidad para retratar vidas de gente perdedora y con sueños e ilusiones que jamás se cumplirán. Para la memoria quedan muchos personajes de anteriores trabajos que son ejemplo de dicho patetismo y vencimiento.
Fat city es el duro cuadro de la desolación y el fracaso, porque todos sus protagonistas son auténticos derrotados, no simplemente en el cuadrilátero, sino en su día a día.
El guión fue adaptado por el propio autor de la novela Leonard Gardner y con una poco usual fotografía pero que es un claro reflejo del mensaje de toda la obra. También es muy correcta la inclusión del tema inicial de Kris Kristofferson que son las notas de la derrota, de esa ciudad Stockton donde vemos a indigentes, borrachos y a Billy Tully abatido en una mugrienta habitación.
Uno de los puntos que más me llamó la atención fue el rodaje de los combates, de una forma poco convencional, con golpes duros y transmitiendo la impresión de que el resultado no es tan importante porque no cambiará nada.
Los actores están francamente bien. Desde Stacy Keach que borda su papel y su Billy Tully te provoca verdadera compasión y lástima, pasando por el muy joven Jeff Bridges pero que también está fabuloso, Susan Tyrrel que se muestra arrolladora y que coloca un nudo en el estómago y Nicholas Colasanto como el iluso entrenador.
Notable película que es una de mis favoritas de Huston.
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