Me tropecé con Colonia Dignidad que la recomendaba Netflix. No soy mucho de mirar las producciones de Netflix, pero me dije: a ver que pasa...Y la verdad que me dejó un sabor raro. El tema es interesante ya que toca el tema de las sectas, en este caso en Chile.
Como se va organizando este lugar por este supuesto "padre", o guía, es en parte lo que lleva gran parte de la serie: aunque luego de instalado la colonia, el secuaz genera vínculos con la dictadura de Pinochet. Y es ahí dónde para mí vienen los problemas con el documental porque comienzan a quedar hilos por la mitad. Es una serie que quiere abarcar mucho en poco tiempo, y termina quedando un pastiche de situaciones. Schafer es de lo que trata, y como terminó sus días, pero en el medio hubo muchas personas que aparecen en el documental y el film apura la trama.

Si me parece muy interesante que hay una bitácora de material audiovisual de los propios colonos que registra la vida en el lugar. Vuelve el documental hacía el interior de la vida de la comunidad para mostrarnos ese aire irrespirable que vivían las victimas de ese monstruo que fue Paui Schafer.

Y puse el título entre signos de preguntas porque no hay un final para esa tragedia. Es sólo Paul Schafer el único que llevó tales actos? El documental para cerrar con el encarcelamiento del acusado, pero hay más situaciones inconclusas que no han sido tratados. ¿Cuántas personas más han sido parte de esos actos?

Es la segunda película que veo de Tanaka. Lo más distinguido de la película me pareció que está en las interpretaciones de los actores; como ocurre también la ópera prima de Tanaka, Carta de amor con grandes actuaciones de Masayuki Mori, Yoshiko Kuga. Tanaka fue una exponente del cine japonés de los años 30, 40 como actriz y luego como cineasta. Musa del director Mizoguchi que supo relucir su trabajo actoral por fuera del tipo de actuación doméstica japonesa.

Tanaka sobresalió en la actuación e impuso una mirada particular detrás de cámara. En la segunda película que llevó al cine, La luna se levanta, bajo el guión de Ozu, Tanaka describe mediante una mirada personal, casi podríamos decir que corriendose del argumento de Ozu y poniendo el acento en la liberación sexual femenina antes del matrimonio. Esa soltura de los cuerpos que se ven en detalle en las actuaciones de las hermanas, sobre todo de la menor. Este tipo de interpretaciones no eran comunes en Japón por aquellos años. Y esto está dado por la democratización que hubo luego de la segunda guerra mundial. Hay una nueva figura de la mujer mucho más liberada, pero que Tanaka remarca en la película que la tradición y costumbre japonesas se siguen manteniendo. Eso lo podemos notar en el personaje de la hermana mayor que sigue al lado de su padre quien quiere seguir quedándose en la pequeña ciudad y que sus hijas se vayan a la urbe como es Tokio. Tokio es el futuro plasmado entre las oposiciones de la ciudad y el campo.

La luna se levanta gira en torno a un drama romántico entre personajes que se desean pero para ello deben abandonar el pasado, signo de todo lo han sido durante años. El paso de dejar por amor las tradiciones familiares es la caracterización que pone en foco Tanaka en el film. Setsuko sigue a Shoji, para casarse y tener una nueva vida, pero eso le deparará ser una mujer de su casa. O sea que casarse y vivir en la gran ciudad deriva de nuevo en lo en la retórica tradicional. Este mundo de drama familiar está bien conllevado por la estética impregnada por Tanaka. Cartas de amor tiene una fuerza mucho más particular que este segundo film, pero debo destacar que el trabajo de las actrices tiene matices muy interesantes en cómo salen de posiciones pasivas a llevar y decidir sobre sus propios deseos.

No es de las mejores películas que he visto de Hitchcock, pero debo decir que contiene casi todos los géneros. Me lo pongo a pensar y no sabría cómo clasificar este film, porque tiene acción, aventura, intriga, suspenso y hasta humor. Creo que Hitchcock pone todo en el asador, sin dejar nada afuera.

La película es muy entretenida, con una trama llevadera, y sobretodo (y es una de las cosas que más me llamó la atención) que posee momentos que uno puede pensar que es exagerado, y con tintes ridículos; y aún así uno quiere saber más sobre la película. ¿Por qué sucede esto? Porque la intriga y la tensión es magistral entre plano y plano, dejando los detalles por sobre las acciones superfluas.

Las actuaciones están acordes al tinte del film. Un Cary Grant desfachatado, bordeando lo James Bond, pero sin querer serlo, porque la película tiene de interesante que el personajes principal no sabe a quién están buscando los maleantes, pero el tiempo transcurre y Roger O. Thornhill quiere saber más sobre lo que está ocurriendo. Eva Marie Saint, en un papel que sobresale sin sobresaltos, como apoyo baluarte de Grant, que hace un dúo irresistible de la cinta.

Un conocido hace tiempo me dijo: tenés que ver x películas de Eric Rohmer. Nunca recordé cuáles eran esas películas que me dijo. Entonces me fuí a sus primeros trabajos realizados; el de los 6 cuentos morales. La Panadera de Monceau es el primer film de los cuentos. Es una especie de experimento sobre los actos de las personas en situaciones sentimentales y cotidianas.

Creo que cuando comencé a ver la película estaba un poco distraído que me quedé observando en detalle cómo Barbet Schroeder, el actor protagonista, tiraba los papeles que comía a la calle. Pensé: una ciudad como París, cosmopolita, siempre ha sido muy limpia como sus ciudadanos. ¿De dónde habré sacado ese pensamiento? Es que era tan abusiva la acción que me costaba entender que el personaje, un estudiante de derecho, al salir de comprar en una panadería tirara lo que consume como si nada, al suelo. Creo que ese pequeño gesto que se quedó en mí; era parte de la conducta del propio personaje. Y que la verdad le pintaba bastante bien en sus cualidades. Y de a poquito se me fue el greenpeace de la cabeza y me tullí en el hueco del sillón cuando la voz en off como registro central de la pelí me fue metiendo en situación.

El relato de la voz en off en primera persona es central en la película. Una voz íntima que juega en las contradicciones del personaje; generando un clima interesante en esa voz moral interior. También me pareció interesante los planos y la fotografía que se adentra en las calles de la ciudad. Ahí el ruido de los autos, la caminata rápida de los transeúntes se mezclan con el amor del protagonista que se cruza con Sylvie que por un golpe de suerte consigue hablar con ella y abrir el camino a una cita. Cita que no ocurrirá. Sylvie no vuelve a aparecer por las calles parisinas. Es así que el protagonista en su andar sin un centro, dónde sus pensamientos sólo estaban en como hacer para reencontrarse con la rubia de la esquina que se había cruzado, decide ingresar por azar a una panadería a comprar. Ahí conoce a la vendedora. Este se entremezcla con la joven en encuentros sensuales para poder conquistarla. El juego se vuelve incesante con los días, más extremo a la conquista. En el medio de la situación donde el personaje hace uso de su conquista, Rohmer hace uso de planos tan poéticos y sutiles que uno quiere saber un poco más a pesar que uno como espectador quiere empezar a alejarse del conflicto. ¿Por qué? Porque duele saber que podría haber sido.
Las actuaciones son medidas. El vínculo entre la panadera y el protagonista entre la distancia de los cuerpos y la mirada de costado hacen vibrar los pequeños diálogos.
Buen comienzo para este primer film que he visto de Rohmer.

Me tomé un pequeño permiso por fuera de la lista de pelis, y fui al cine a ver The Batman. Un salto grande de venir mirando películas de Svankmajer y pasar a ver Batman de Matt Reeves, pero tiene su lindo vértigo. Dos años sin ir al cine por la pandemia, y me llevé un buen momento.
No soy muy fan de los cómics, y tampoco veo películas de superhéroes últimamente, pero con Batman me pasa que lo veo distinto a otros personajes de su semejanza. Quizás sea la lucha que tiene Batman con Bruce Wayne, esa lucha interna del ser mortal que lo alinea al común cotidiano. Pero Wayne, como vi en esta entrega, no puede ser uno más aunque así lo quisiera. Es más bien como lo menciona en su monólogo del comienzo: - “Piensan que me escondo entre las sombras, pero yo soy las sombras”. Parece ser que Batman se nombra a sí mismo como un sujeto por fuera de los ciudadanos de ciudad gótica; un volver a la raíz para cuestionar su pasado. Accionar entre preguntas, como el detective que parece estar inmerso en ese niño huérfano de padre y madre. Se excluye de su presente, pero los asesinatos que están ocurriendo lo harán tener que socavar las tumbas del acertijo.
El director Reeves da una vuelta de tuerca a otras versiones de Batman y nos da un nuevo aire; con un Batman que necesita de los demás ante los caminos a descubrir. Un Batman aprendiz y más detective que nunca.

Guión. A mi me parece que es el punto flojo. Hay buenos momentos en la trama pero se sale del foco de atención que entre el asesinato del integrante del gobierno y el rapto de la mujer. Entre el conflicto del acertijo y los problemas que trae la mafia de Falcone hay ruido en lo que está pasando. Aún así hay escenas muy bien logradas, como cuando Batman le da unos anteojos especiales a Gatubela cuando se adentra en el Bar que es dueño Falcone y su secuaces.

Actuación. Los actores están bien elegidos. Mucho ruido ante Pattison, es cierto que no es sobresaliente a otras actuaciones pero está muy bien en su rol como un Batman más Noir. Ese caminar erguido, y los gestos minuciosos son parte del estilo que se busca en esta nueva cinta.
El pingüino, protagonizado por Colin Farrel me pareció rescatable pero un personaje que entiendo son los comienzos del Pingüino es su faceta como villano. Me hubiese gustado más de los momentos cómicos que tiene como característica Oz (Pingüino)
En cuanto a trabajo actoral el dúo Batman-Gordon (Teniente) me sorprendió. Esos breves diálogos cómicos entre ellos y los demás policías de ciudad gótica que generan nuevos colores a las características de los personajes.

El Batman de Matt Reeves trajo algo distinto, más allá de momentos de guión y un final que me dejó poco, es entretenida en los 175 minutos de cinta.