Acabo de ver la película, en mi tableta, y pronto he acudido a ojear las críticas vertidas por los cinéfilos usuarios de esta plataforma... y me he encontrado de todo.

Antes de nada, quizá sea preciso reivindicar la figura del cine documental como contador de historias ciertas, en contraposición con el "falso documental" en el que se utiliza una narrativa propia del documental para contar una historia de ficción.

También, quizá, sería conveniente recordar que el creador de un documental decide qué desea y qué no desea narrar en su obra. No olvidemos que, al fin y al cabo, es suya, es fruto de su talento, conocimiento y trabajo y cuestionar su contenido no es labor de un crítico cinematográfico sino más bien de un sociólogo, un politólogo o un antropólogo.

Menciono este particular porque me he encontrado con críticas que abundan en la idea de si el autor debería haber narrado tales o cuales sucesos o haber tratado su narración desde tal o cual perspectiva y no de tal o cual otra.

Invito a todos ellos a que acometan el proyecto de narrar la misma historia desde sus propios puntos de vista y la sometan al juicio de sus semejantes. Más allá, les sugiero que guarden sus opiniones políticas y cíñanse al contenido de la obra.

Perfecta de ritmo y dotada de un rico muestrario de valiosas imágenes, la cinta se dedica a establecer y demostrar la hipótesis de que España fue el primer intento de "globalización" mundial a través de narración y contenido aportado por entrevistas a destacados historiadores, filólogos, políticos, economistas, etc.

Partiendo de la conquista española de "Las Américas", pasando por la primera vuelta al mundo protagonizada por el hombre, establece las bases para que los que somos iletrados comprendamos con sencillez cómo fueron aquellos hechos, qué consecuencias tuvieron para el orden mundial.

De forma didáctica, la película, además, establece las diferencias entre conquista y colonización, desmonta la falsedad de le leyenda negra, dibuja los trazos de las relaciones entre habitantes y conquistadores e invita a la reflexión acerca de la importancia de aquellos hechos en aquel tiempo.

No se trata de un manual de historia, se trata de un documental historia y, como tal, cumple su función de manera tan brillante que es comprensible que no haya obtenido premio alguno.

En su momento, se trató de comparar la violencia desplegada por tarantino en su Reservoir Dogs con aquella descarnada, e impropia para su época, de Peckinpah en películas como La Huída o Grupo Salvaje. Pues bien, cada maestro tiene su imitador y si August era el alumno aventajado de Bergman, Martin McDonagh pretende serlo de Quentin Tarantino. Desde la perspectiva del espectador no iniciado, el que no viese los guiones del de Knoxville para películas como Amor a quemarropa, Reservoir Dogs o Pulp Fiction, quizá pudiera llegar a pensar que éste es un cine tan original como alocado, tan violento como mundano y tan sagaz como trepidante. El único problema es que 7 Psicópatas no inventa nada nuevo, lo que no quiere decir que no sea una película más que correcta.

La forzada búsqueda de ese lenguaje cinematográfico en el que personajes extremos se pasean por el escenario del mundo real para forzar situaciones kafkianas no deja de ser sorprendente, máxime cuando estos personajes, SIEMPRE, son un puñado de perdedores.

El lenguaje soez, la mirada cuasi neorrealista de ese Estados Unidos que apesta, con sus matones, sus asesinos en serie, sus estrellas de medio pelo, sus dioses de barro y ese sentido justiciero de su cine también están invitados en la cinta, una cinta que, llegado a un punto concreto, pierde ritmo, nos traslada a una alocada introspección de los personajes para culminar con un final, para mí, más que predecible.

No obstante, la película transcurre con buenas interpretaciones, alocados momentos y un epílogo que cierra el círculo de una historia atractiva y bien rodada, en la que parece que la búsqueda de la etiqueta “Película de Culto” es la única motivación de sus autores.

Un hombre, con un estresante trabajo de gran responsabilidad en una mutua, presionado por su esposa, va a llegar tarde al cumpleaños de su pequeña hija retrasado por una intensa reunión en la que tanto él como la empresa se lo juegan todo. En vista de que va a perder el avión que le debía llevar de vuelta a casa, decide utilizar un coche para regresar por carretera,

Una joven de 17 años, rebelde, maleducada, furiosa con sus padres, y posiblemente con el mundo entero, tras una tremenda discusión, abandona su casa para salir de marcha con su mejor amiga y dos “apuestos” jóvenes.

Las vidas de ambos se entrecruzarán, transformando a ambos de una forma definitiva en una noche en la que los ángeles duermen.

Éste es el punto de partida del segundo largometraje del director sevillano Gonzalo Bendala que ya nos sorprendió en 2015 con su “Asesinos Inocentes”, un thriller urbano que contaba con gran reparto y que, a mi modo de ver, no fue tratado justamente por la crítica en su momento. Quizá el estreno de “Cuando los ángeles duermen”, sea la excusa perfecta para revisar su anterior largometraje y encontrar en él muchas de las grandes virtudes que se pueden apreciar en éste.

Encuadrar esta cinta en un sólo género se me antoja complicado, si bien el hilo conductor de la trama nos traslada al thriller más clásico, la capacidad de lectura del guión a diferentes niveles nos sumerge en un drama de introspección del personaje de Germán (Julián Villagrán) que sufrirá una paulatina transformación en un descenso a los infiernos sobre cuatro ruedas.

Y ese descenso se antoja lógico, casi obligado gracias al preciso retrato que Bendala, también guionista de la cinta, dibuja con todo detalle. Nuestro protagonista es un hombre que se debe enfrentar a sus circunstancias y debe tomar decisiones que le llevarán a convertirse en una nueva persona.

Además de la aventura personal del protagonista, Bendala nos sumerge en un ramillete de reflexiones a modo de subtramas que, de un vistazo rápido, pueden pasar desapercibidas pero que, con un poco de atención se muestra claras y nada discordantes con la historia.

El estrés laboral que tantas veces provoca el abandono de la atención a la familia, la rebeldía adolescente, la asunción de la responsabilidad de los propios actos, la defensa de la integridad familiar ante cualquier situación que la amenace por muy peligrosa que ésta sea, la incipiente infidelidad ante la ausencia, la presunción a causa de los antecedentes, y, más importante, la renuncia a los propios valores ante situaciones extremas; sobre todos estos temas reflexiona la cinta arropando a una historia que se desarrolla con una tremenda intensidad y que atrapa en la butaca al más curtido de los espectadores consiguiendo que, desde la butaca, se sienta identificado en todo momento con Germán y justificando en propia persona los actos del personaje.

Villagrán se alza como un titán en un papel que parece hecho a la medida de quien ansía desprenderse de sí mismo para enfundarse en una piel ajena, y a fé mía que lo consigue. Sus diálogos y la evolución de su personaje están milimétricamente medidos en cada plano, en cada escena, en cada movimiento. A lo largo de la cinta interpreta con maestría una sinfonía de registros anímicos para los que, en ocasiones, ni siquiera hacen falta palabras.

Pero la extraordinaria labor interpretativa quedaría desvirtuada sin la espectacular fotografía de Sergi Gallardo que convierte la oscuridad en una herramienta más al servicio tanto de la historia como de los personajes. Por momentos se adivina que tan importante es la interpretación del actor como el refuerzo que la imagen le proporciona en todos y cada uno de los sucesivos escalones que jalonan la transformación de Germán.

Poco más se puede pedir al segundo largometraje de Gonzalo Bendala, cuenta mucho, lo hace muy bien y dirige unas sensacionales interpretaciones.

Si algo se puede decir de Steven Spielberg es que es el mago de los éxitos de taquilla. Desde los albores de su carrera como director de cine ha sabido cómo conectar con el gran público bien a través de historias tiernas o desgarradoras, frenéticas o reflexivas, superficiales o introspectivas.

En Ready Player One, el “Rey Midas de Hollywood” despliega su buen saber hacer para proporcionarnos un artificio de entretenimiento puro con todos sus ingredientes fundamentales: una historia simple pero bien cimentada en unos personajes igualmente simples pero con apariencia de humanidad, acción a raudales con muy pocos descansos, una historia de amor, una espectacular imagen (muy grande, como siempre, Janusz Kaminski) en la que hay animación informática a raudales, un ligerísimo atisbo de reflexión acerca de los “mundos virtuales”, una simpática colección de éxitos musicales de décadas pasadas y una tonelada de homenajes a películas y videojuegos… en resumidas cuentas: UNA BREVE SÍNTESIS DEL ENTRETENIMIENTO MODERNO.

¿El resultado?

Como no podía ser de otra manera, un producto entretenido, poco más.

Enfrentarse a una película con una estructura narrativa compleja, a veces, puede suponer la renuncia a tratar de comprender la película. No es el caso de Todo a la vez en todas partes.

Para mí, el planteamiento es sencillo, mucho más de lo que parece.

Una emigrante china en EEUU, fracasada, con un matrimonio a la deriva, con una hija de la que se avergüenza y con un padre que la detesta, es arrastrada hacia una alocada aventura para salvar el futuro del multiverso a través de las artes marciales y su propia determinación. Durante la aventura, conocerá múltiples versiones de sí misma fruto de diferentes decisiones tomadas a lo largo de su vida y ellas le servirán de ayuda para lograr su objetivo.

Esta extraña mezcla de comedia, ciencia ficción y acción es, según lo veo, un ejercicio de originalidad que parece pretender llevar la historia por derroteros en ocasiones escatológicos, en ocasiones absurdos, en ocasiones absurdos… un poco de todo.

Una propuesta siempre excesiva, desde el comienzo hasta el final.

Eso sí, la estética está tremendamente cuidada. A nivel técnico no hay, por mi parte, reproche posible alguno aunque, a día de hoy, este particular no parezca muy sobresaliente, habida cuenta del excelente nivel técnico a disposición del creador.

Las interpretaciones no están nada mal. Sin embargo, quizá no sea ésta una de esas películas que exigen el máximo a los intérpretes, pero, desde luego, hay momentos en los que todos, absolutamente todos, muestran su talento. Y eso, en los tiempos que corren, ya es bastante.

Y las artes marciales…

En mi recuerdo quedan aquellas películas de artes marciales que veía de pequeño en el vídeo comunitario del pueblo los sábados por la tarde con imposibles saltos, complejísimas coreografías y eternas batallas entre el bien y el mal a ritmo de patadas y puñetazos.

Todo a la vez en todas partes es muchas cosas, pero también es una especie de homenaje a aquel género que llenó miles de salas de cine en Asia entreteniendo, divirtiendo y sorprendiendo a millones de espectadores y que, desgraciadamente, llegó con cuentagotas a las salas europeas.