Quien más y quien menos tiene sus malas experiencias del mundo laboral, y de entre todas ellas, suele resaltar especialmente lo traumático del despido. El choque emocional, económico y psicológico pude hundir a más de uno, más aún a ciertas edades. Tras entregar años de dedicación a un trabajo, por causas externas que no dependen de nuestro rendimiento, se nos dice “hasta nunca”, y eso es devastador. Tanto que en EE UU crea unos gastos exacerbados en concepto de demandas por parte de los recién parados hacia las empresas. Para paliar esto y minimizar posibles impactos, surge la figura del despedidor: alguien preparado para comunicar la mala notícia y afrontar las reacciones de los despedidos.

De entre ellos, seguimos a Ryan Bingham (estupendo George Clooney), quien se ha hecho un modelo de vida en constante movimiento, sin lazos afectivos, disfrutando de la libertad implícita de su profesión y soltería. Su sueño es conseguir una acumulación de 10.000.000 millas en vuelo, por lo que se le entregaría una exclusiva tarjeta y consecuente mención honorífica; sería la séptima en el mundo, algo excepcionalmente especial a lo que aspirar para él. Ni que decir tiene que en el transcurso del film, asistiremos a la evolución de Bingham, quien llega a cuestionarse su opción de vida y darse cuenta de lo que realmente le importa “¿Aquellos momentos que recuerdas haber sido feliz eran solo o en compañía?” Pero… ¿será tan fácil el cambio?

La segunda acometida de Jason Reitman en la dirección se salda con un resultado bastante superior a la sobrevalorada “Juno”; una película que retrata el lado más despiadado del mundo empresarial y la difícil labor de estos odiados personajes, los despedidores, que a diferencia de su apariencia fría y distante, resulta que son hasta humanos. El realizador maneja muy bien los mecanismos dramáticos y el tempo de la trama, a la vez que el triunvirato que sostiene la enjundia dramática del film, George Clooney, Vera Farmiga y Anna Kendrick, están excepcionales. La lástima es que en esta basculación entre exposición del mundo laboral y la personal de los protagonistas, se crea cierta indefinición de tono y contenido, todavía más acusada en una segunda mitad más floja que la excelente primera hora de metraje. A pesar de esto, estamos ante un drama notable con toques de comedia lo suficientemente inteligente y bien rodado como para seguir con interés los viajes de este entrañable viajero fóbico a los lazos afectivos.

Sobre la moral de "Up in the air", en spoiler (Se desvelan partes de la trama).

Espléndido mediometraje de Tod Browning en el se aprecia el valor seminal de su obra maestra “La parada de los monstruos”. Si es una cinta de culto del cine mudo, no es porque sí, y es que pocas veces se ha dado un cuento tan siniestro y bien construido como éste. Todo ello gracias a la acertadísima dirección de Browning, maestro hacedor de fábulas macabras, a la cual se le suma y apuntala una interpretación icónica de Boris Karloff; que clama al cielo lo que tendría que prepararse para un papel tan exigente a nivel tanto físico como emocional.

Un circo madrileño alberga entre sus filas a un enigmático manco, Alonzo, que maneja con insólita habilidad sus pies como lanzador de cuchillos. Él resta prendado de la belleza de Nanon, con la que comparte sus actuaciones; una muchacha con fobia a los brazos de los hombres. ¿Parecen la pareja perfecta, verdad? Pero también Malabar, el forzudo del lugar, está enamorado de la misma mujer. Alonzo, que oculta oscuros secretos inconfesables, obsesionado con ser el único hombre para ella, llegará a extremos inconcebibles con tal de poder pasar el resto de sus días con su amada.

Aún hoy día, tras más de 80 años de su estreno, “Garras humanas” no ha perdido un ápice de fuerza y contundencia, de poder impactante. A mí me recorrió por la espina dorsal más de un escalofrío, no tanto por lo mostrado, sino por las retorcidas implicaciones de lo que sucede en pantalla. Esa locura de amor que devora todo a su paso, el sacrificio devastador y fútil, la terrible venganza… Un modélico recital de horror y demencia que no se olvida fácilmente.

Y es que el cine de Browning posee una perenne consistencia en sus imágenes que pocos autores de terror han alcanzado. Pasan las décadas y ahí sigue, imperturbable, el poder estremecedor de su aciaga obra, custodiada bajo la desquiciada mirada de Boris Karloff, cuya siniestra carcajada vaga inexorable por los confines de la eternidad, aterrando a cuantos osen escucharla.

Tras la colosal trilogía del “Señor de los Anillos”, al amigo Jackson le quedaron más ganas de aventura XXL, así que aprovechando la buena racha, se enfrascó en su otro proyecto soñado: el remake de “King Kong”. Embarcarse a hacer nuevas versiones de films míticos u obras maestras ampliamente reconocidas como tales no es una idea que suene atinada, puesto que indefectiblemente el nuevo producto resultará inferior a su precedente. Y así es, porque el original es todo un clásico referencial de la aventura, el terror y el cine fantástico en general; pese a esto, la nueva versión dista mucho de ser mediocre.

El buen pulso narrativo del realizador se muestra firme una vez más a lo largo de sus tres horas de metraje, que a un servidor no se le hicieron nada pesadas, confirmando su valía de artesano de contingencias. Es una película comercial de entretenimiento y como tal no aspira a grandes cimas artísticas, sino a un entretenido vehículo en el que las modernas técnicas de efectos especiales llevan a buen puerto -la mayoría de las veces- apabullantes secuencias de acción. Digo la mayoría, porque la escena de carreras con velocirraptores y diplodocus o como demonios se llamen, se notan más trucadas que un trilero de las ramblas, y el enfrentamiento con los ¡tres! Tyrannosaurus Rex cae en el exceso y el absurdo. Aparte de estos dos defectos, el film se muestra espectacularmente efectivo en sus dos localizaciones, ya que Skull Island es magnífica, desde esos orc… perdón, tribus idólatras del simio, hasta la hambrienta fauna (especialmente brillantes los insectos y los murciélagos) y la escrupulosa reconstrucción de Nueva York es increíble, con un emblemático final en el Empire State de infarto.

Los puntos negativos están en los dos momentos mencionados, y en ciertos actores: Adrian Brody no da el pego y Jack Black, como de costumbre, es insufrible. En cambio, la elección de Naomi Watts fue de lo más adecuada, ya que en su interacción con el gigantesco primate está el meollo del relato. Si su interacción no funcionara, sería una mera barraca de feria; no es el caso, ya que nos brinda escenas que nos fuerzan a empatizar con el monstruo y por lo tanto, ofrecer cierta emoción al relato.

Artificiosa, divertida, pretenciosa, emocionante, excesiva, fascinante, megalómana y estupenda, un tour de force en el que, como si entráramos en un parque de atracciones, hemos de dejar los prejuicios aparte y simplemente sentarnos para pasar un buen (y largo) rato.

Que Woody Allen últimamente no es lo que era, hace tiempo que lo sabemos todos. Con ese ritmo stajanovista de a film por año, indefectiblemente la calidad de su producción se ha acabado resintiendo, resultando su reciente filmografía un irregular collage de calidades altamente dispares: en ocasiones mediocridades ("Vicky Cristina Barcelona", "Scoop"), en otras, incursiones meramente aceptables ("El sueño de Casandra") o incluso películas excelentes ("Match Point"); pero también films que sin ser obras maestras, son de lo más apreciables, como esta "Si la cosa funciona".

Un film que gira en torno a un personaje que funciona a modo de alter ego del neurótico Allen, en esta ocasión encarnado en la insondable amargura de Larry David, un insoportable lumbreras de la física cuántica, un rancio tocacojones que odia a la humanidad por defecto y que vive aislado en su torre de marfil, aislándose cuanto puede del mundo. Accidentalmente, conocerá a la joven e ingenua Evan Rachel Wood, una guapísima sureña que representa lo más opuesto posible a él, con la que convivirá e indirectamente influirá, transmitiéndole entre fobias y cabreos varios, parte de sus conocimientos y su filosofía existencialista; a la vez que poco a poco, ella conseguirá que él temple su radical posicionamiento nihilista.

Lógicamente, me ha gustado por la mala leche que destila el personaje de Larry David, ese huraño genio maniático que llama a sus congéneres gusanos, insulta a los niños tirándoles tableros de ajedrez por la cabeza y no ve más allá del pozo negro de su pesimismo, escupiendo diálogos de mandíbula batiente y reflexiones que congelan la sonrisa por la carga de verdad que transmiten. Es un guión escrito por Allen en los setenta y se nota, porque a retazos recuerda a la pericia de la que solía hacer gala, aunque desgraciadamente no llega a alcanzar las cotas de maestría de antaño.

Si bien es cierto que la estructura básica es prototípica, el personaje amargado que descubre que no todo lo que existe es malo y que puede ser feliz gracias al amor y bla, bla, bla, Allen consigue dotar a la filmación de una frescura y un ritmo destacables, que hacen revalorizar la manida trama mediante detalles dignos de elogio, como los hilarantes desarrollos de algunos personajes, que inesperadamente pasan del más exaltado puritanismo retrógrado a la liberación sexual más estrambótica.

Y que coño, suelo ser alérgico a las moralinas, pero me ha gustado el mensaje, la moraleja del film. La vida es azar que accidentalmente puede reconducir nuestras vidas contra todo pronóstico y darnos la oportunidad de mejorar si lo intentamos, si nos agarramos con uñas y dientes a todos esos instantes que, si la cosa funciona, hacen que la vida valga la pena. Pues sí, Woody, pues sí.

Coger a un personaje mítico, sobreexplotado hasta la saciedad, y llevarlo a su mejor traslación en pantalla no es moco de pavo y menos hoy día, en que las pelis de superhéroes surgen como churros con resultados mayoritariamente deleznables (daredeviluchos, complejos de electra, fantásticos de nombre, lobeznos sin garra, motoristas cadavéricos...)

El director no se conforma con dar simple continuidad a la notable Batman Begins, sino que crea un film con entidad propia, independiente del primero en fondo y forma. Los hermanos Nolan han hilvanado un thriller sobre el poder del caos, sobre la fragilidad de los valores que damos por sentado precisamente porque la comodidad de la que gozamos nos permite actuar conforme lo moralmente aceptable. Jocker se presenta como una fuerza de la naturaleza, pura anarquía que resquebraja el orden social establecido sin necesidad de sofisticados artilugios, sino con gasolina, balas y una actitud que no contempla límites. Harvey dent/Dos caras, el único personaje que evoluciona en la función, pasa de ser un fiscal maniatado a la hora de administrar "verdadera justicia" por esos límites de los que Jocker carece, a una versión desquiciada y libre de justiciero disfuncional, a un alto precio. Batman representa la rectitud que mantiene lo correcto aún costa de sacrificar aquello que más le importa en pro del bien mayor.

La interacción entre este triunvirato es el motor del film, que como hemos expuesto, funciona a varios niveles: como excelente thriller, con evidentes reminiscencias del "Heat" de M. Mann, como cómic de trepidantes aventuras, y como metáfora social, aderezado todo ello por una profundidad en los personajes inusitada para una cinta de estas características. La única pega, lo que impide que sea una obra maestra, es que el tramo final no está a la altura del resto del film, ya que no se llevan hasta sus últimas consecuencias ciertos postulados del párrafo anterior (ver spoiler).

Definitivamente una gran obra por temática, técnica, puesta en escena, fotografía, banda sonora, interpretaciones (mención especial tanto a Heath Ledger como a Aaron Eckhart), pero ante todo, y esto es lo más raro: guión.