"Detour" (en castellano "El Desvío") es una película de auténtico cine negro, en ella se cuenta la historia de Al Roberts, el pianista de un club de NY que parte en busca de su novia Sue Harvey, cantante de su número, que se ha mudado a Hollywood.

Por supuesto la trama se complica cuando Al es recogido por un tipo de costumbres afables y buenas maneras, aparentemente un buen samaritano en la carretera, Charles Haskell Jr, que oculta algo.

Con este punto de partida el director Edgar G. Ulmer desarrolla una historia de celos, odios, chantajes, extorsión, violencia, asesinatos y crímenes sin resolver; por supuesto la función cuenta con varias de las constantes del género, voz en off del protagonista, música jazz (ese saxofonista), escenarios asfixiantes, y por supuesto, una femme fatale a la altura de las circunstancias interpretada por Ann Savage. Y todo ello en la friolera de 67 minutos, casi nada.

Film totalmente recomendable que sin ser una de las obras principales del género, sí que se puede considerar una auténtica joya a descubrir por cualquier amante de este tipo de cine.

Crepuscular western, su título ya lo presagia, del gran Robert Aldrich, aunque para muchos es considerada una obra menor creo que alberga no pocas cualidades que hacen de ella una mención más que especial.

El director afrontó el proyecto tras labrarse un nombre gracias a producciones de género más o menos conocidas como “Apache” con Burt Lancaster, “Veracruz” con Gary Cooper o “¡Ataque!” ese clásico antibelicista olvidado con un sobrecogedor Jack Palance como protagonista. Supone un punto de referencia en su trayectoria ya que solo un año después asombraría al mundo con esa maravilla que es “¿Qué fue de Baby Jane?” y posteriormente con sus icónicas películas que todos conocemos “El vuelo del Fénix”, “Doce del patíbulo”, “Comando en el mar de China” o “El emperador del Norte”.

El guion corre a cargo de uno de los malditos de Hollywood, Dalton Trumbo, quien adaptó con certera visión la novela de Howard Rigsby dándole más peso a los personajes y a su relación con el entorno desértico (magnéticos paisajes y un trato del color exquisito, por momentos parece que el espectador está contemplando un cuadro expresionista).

El peso fuerte del film, no obstante, recae en los actores. La película no deja de tener una puesta en escena que bebe directamente del teatro y por lo tanto la historia se sustenta en las prodigiosas interpretaciones del triángulo protagónico, Dorothy Malone demuestra con creces que es muchísimo más que una cara atractiva, y el duelo entre Rock Hudson y Kirk Douglas es oro puro cinematográficamente hablando. Ambos actores desarrollan personajes poderosos, antagónicos y con una profundidad muy lejos de los westerns al uso.
Mención especial para Joseph Cotten que tiene un papel como secundario y ciertamente aporta veteranía y saber hacer.

La historia se desarrolla como un clásico más del Oeste con un forajido perseguido por un sheriff con quién le une una fatídica historia en el pasado, ambos tienen que unir fuerzas para entregar una partida de ganado y de esta forma, ayudar a madre e hija en apuros. Sin embargo, desde el mismo momento en que los personajes van desnudándose al espectador, asistimos a un laberinto de miradas furtivas, pasiones ocultas, odios y reproches multiplicados por el paso de los años que acabarán de forma dramática, una para nada velada aparición del incesto incluida, y un secreto inconfesable que irremediablemente saldrá a la luz.

El film cuenta con escenas que son puro cine clásico y que colmará al espectador más exigente, como el gran Kirk Douglas (que viste de un rockero traje negro durante todo el metraje) cantando “Cucurrucucú paloma” en un más que aceptable castellano o el vestido amarillo que lleva Carol Lynley.

Más cine, por favor.

Andrzej Wajda aborda esta segunda película de su particular trilogía sobre la guerra con una mirada límpida y desprovista de artificios para presentarnos los últimos días de un pelotón de resistencia en la ciudad de Varsovia, que como todos sabemos quedó completamente destruida tras la invasión Nazi en la II GM.

Sirva esta cinta como homenaje a los caídos, principalmente a aquellos, como los protagonistas del film, que murieron defendiendo la ciudad que amaban sin importar su origen o procedencia y que quedaron atrapados en la imposible miríada de túneles subterráneos que conecta la ciudad bajo su superficie. En Varsovia de hecho existe un complejo conmemorativo en el Monumento al Alzamiento de Varsovia que seguro sirvió de origen para esta película.

¿Y qué nos podemos encontrar, por lo tanto? Un film claustrofóbico, con una oscuridad latente que va haciéndose con el metraje de la obra mientras transcurre inexorable hacia un final que no por menos esperado deja de doler, un grupo de personajes pincelados en diversas escenas como si de un bosquejo se tratara, que derivan entre el horror, el amor, la locura, la ebriedad y ese sentimiento tan humano que es la huida de lo desconocido.

De no muy fácil digestión es altamente recomendable tanto por su valor histórico como por su valentía en el retrato de la condición humana en situaciones extremas.

Hay que ser valiente, valiente como Louis C.K., obstinado, perseverante y arriesgado hasta el paroxismo.

Esta serie desnuda sus inquietudes como artista más que como comediante (yo le conocía en su faceta stand-up comedian y desde luego no tiene nada que ver) apostándolo todo ya que autoproduce y gestiona la distribución sin intermediarios, en vía directa creador-espectador.

De “Horace and Pete” podemos decir múltiples cualidades: es divertida, genialmente escrita (con momentos de verdadera intensidad), teatral, honesta, pretenciosa, ambiciosa, literaria, dramática, hilarante, genuina… pero desde luego si algo la define ante el resto de ofertas televisivas (o de internet ya que se puede acceder a ella únicamente a través de la web de Louis) es que es una serie auténtica.

El reparto es de campanillas, no obstante lograr juntar en un mismo escenario a actores del calibre de Steve Buscemi, Edie Falco (la inolvidable Carmela de “Los Soprano”), Jessica Lange (estupenda como siempre últimamente) o Alan Alda (en la que es una de sus interpretaciones más excesivas pero memorables), no es tarea simple. Más aún si contamos que todo sale del bolsillo del propio Louis C.K.

Los secundarios brillan a gran altura: Rebecca Hall, Burt Young (Paulie en la saga “Rocky”), Laurie Metcalf (cuyo rostro reconocerás como madre de Sheldon Cooper en “Big Bang” y quien se apropia de uno de los episodios con un monólogo que merece nominación directa a los Emmy) y Kurt Metzger a quien deberían dar un espacio propio ya mismo.

¡Ah! Y la música está compuesta por todo un Paul Simon (quien por cierto tiene un cameo en el último episodio) expresamente para la serie, casi nada.

La puesta en escena es simple, los escenarios son 100% puro teatro y los personajes se debaten entre lo cotidiano y lo absurdo pasado por un tamiz de realidad que en ocasiones hiere al espectador. Como punto negativo podemos achacar ciertos momentos excesivos que no consiguen calan pero en términos generales el conjunto no se resiente.

Una apuesta arriesgada y única como pocas se han visto. Una actitud punk que casi casi se podría decir que roza el comportamiento suicida respecto a la audiencia clásica de este tipo de productos.

Hay que ser valiente.

"La Caída de los Dioses" narra el descenso a los infiernos de una gran familia alemana (los Essenbeck) poseedora de uno de los más poderosos Lobbies de siderurgia y metalurgia en los años 30, años convulsos y difíciles para Europa, con el auge y ensalzamiento del nacional socialismo con las SS y Hitler al frente.

Visconti desgrana poco a poco, sin prisas, y ahondando en la psicología de cada uno de los individuos que componen el núcleo duro de la empresa familiar, la ideología y el partido que deben tomar con el fin de subsistir en una época incierta y de esta forma contamos con rechazo abierto al nuevo status social del país (Herbert Thallman y su familia, el papel de su mujer es interpretado brevemente por una jovencita y guapísima Charlotte Rampling), el aprovechamiento de las oportunidades ante un vacío al frente de la empresa (el sucio y grosero oficial de las SA Konstantin Von Essenbeck, en contraposición de su hijo, el plácido estudiante Günther), las luchas de poder y maquinaciones en la sombra (Sophie y su pareja Frederick Bruckmann, interpretado por un notable Dirk Bogarde), la inconsciencia del poder heredado (Martin, hijo de Sophie y máximo accionista de la empresa) y la personificación del nuevo régimen con la figura del inquietante y amenazador oficial de las SS Aschenbach.

El estudio psicológico de los personajes es excelente y se crea un ambiente irreal, malsano y decadente, fiel reflejo de los tiempos que están por venir, aprovechando dicha situación para emitir una feroz crítica hacia los convencionalismos sociales del nazismo, así como al fanatismo y la subversión de la que fue víctima Alemania en la década de los 30.

Como puntos positivos podemos citar las interpretaciones, todas de gran nivel y la puesta en escena de los actores (no en vano, esta obra se ha estrenado en teatros de todo el mundo), destacando Dirk Bogarde (Frederick Bruckmann), Ingrid Thulin (Sophie Von Essenbeck) y Helmut Griem (como el ya nombrado maquiavélico Aschenbach). Un nombre a parte se merece Helmut Berger como Martin Von Essenbeck, uno de los grandes villanos de la historia del cine y el reflejo de una personalidad torturada y destrozada, un psicópata en potencia… con escenas memorables como su actuación como Drag imitando a Marlene Dietrich (en El Ángel Azul) que se convirtió inmediatamente en uno de los iconos universales del cine.

Como puntos negativos, podemos hablar de que el film adolece de cierta lentitud en su planteamiento y desarrollo, haciéndose tedioso en algún que otro momento; y sobre todo la visión desenfrenada que plasma Visconti en muchas de las situaciones y personajes a lo largo del metraje de la película: el aterrador Martin Von Essenbeck no tiene suficiente con ser amanerado y travestirse, además es pedófilo (viola a una niña judía) y tiene una incestuosa escena que a todas luces es desproporcionada, creo que existen otras vías para descalificar las actitudes de muchas de las personas que apoyaron al Nazismo, en esta ocasión el maestro se excedió. Al igual que excesivas son también la escena de la fiesta de las SA con militares y oficiales travestidos en una comunión homoerótica en la noche de los cuchillos largos (cuando se les masacra indiscriminadamente por parte de las SS para conseguir el poder total del país).

En resumen, "La Caída de los Dioses" es un atractivo estudio de personalidades que sirve como vehículo crítico hacia el Nazismo y cuenta con unos experimentos visuales y narrativos que se podrían calificar de extremos.

Muy recomendable pero difícil de ver, pese a todo es mejor tomársela como una gran ópera dramática clásica al más puro estilo de las obras de Shakespeare.