Secuela de la película de 1998 "La máscara del Zorro", una estupenda revisitación del viejo cine de capa y espada. Tras esperar nada menos que 7 años, por fin se pudo hacer la secuela, sin la presencia de Anthony Hopkins. Siendo el Zorro uno de mis personajes favoritos, tengo que decir que la película me decepcionó enormemente. Se nota que todos la han hecho a desgana, a remolque, sin involucrarse demasiado. Banderas, la Zeta Jones y Sewell cumplen, pero lo peor de todo es el estúpido y lamentable guión, con chistes cada dos minutos, situaciones increíbles, cierto tufo a culebrón venezolano entre Banderas y la Zeta Jones, y secuencias de acción repetidas hasta la saciedad. El sumún es la historia, que nos plantea al pueblo californiano deseoso y feliz de poder entrar en la incipiente nación americana, que les va a procurar a los pobres campesinos y aldeanos una libertad sin límites. Que el Zorro se mate por recuperar la caja con los votos del referendum (con clara mayoría del sí) que han robado los malos, es vergonzoso (¿cuándo el personaje del Zorro-Diego o Alejandro de la Vega se ha metido en política alguna vez?). Que la película contenga imágenes de miles de herreros, campesinos, curas, terratenientes, y ricos, unidos todos agitando banderitas americanas, y vitoreando de alegría, es para echar la pota.

Aquí no hay sana aventura, no hay calidez, no hay todo lo bueno de la peli de 1998. Sólo hay una malvada organización secreta francesa, Hermanos de Aragón (siempre he sabido que los zaragozanos son gabachos disfrazados), que pretende fragmentar la unidad de la patria americana gracias a la nitroglicerina. Sólo hay un niño CAR-GAN-TE hasta la depresión, que hace que desees que se caiga por un barranco a cada aparición suya. En definitiva, pobre espectáculo, indignante patrioterismo barato, y lo peor que podía suceder (y ha sucedido) es convertir al legendario Zorro en héroe de las barras y estrellas. Agggggg.

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Lo del caballo que fuma en pipa y bebe alcohol es de traca, digno de Los Morancos. El malo Nick Chinlund da tanto miedo como José Luis Moreno, y lo mejor es el personaje de fray Felipe, un cura que vela por sus feligreses, se pone hasta arriba de vino, lucha con una sarten, y sobrevive a un balazo gracias a la cruz que lleva al cuello. Qué pena.

feisal

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La capacidad del cine americano de reciclarse y reinventarse autocopiándose mil veces es ya legendaria, pero esta película rizó el rizo. Con la vista puesta en el "Titanic" de James Cameron, la más simple propaganda patriótica tan en boga durante y después de la Segunda Guerra Mundial, y los decibelios y el efectismo de Bruckheimer & Bay; se estrenó en 2001 este espectáculo de colorines que a la mayoría de los americanos les hizo el culo gaseosa. Por mi parte, simplemente destacar que pocas veces habré visto una mierda semejante. Todo lo espectacular, increíble, grandiosa y brillante mierda, pero mierda al fin y al cabo. No veo absolutamente nada de lo que pueda rescatar de esta basura. No me habléis de los malditos efectos especiales en el ataque a Pearl Harbor, porque siendo ésta una de las películas con mayor presupuesto jamás reunido, las explosiones en el apartado de efectos visuales se dan por supuestas. Además de que cualquier producción hollywoodiense mediana de hoy en día ya cuenta con decentes efectos, con lo que se ha dicho todo.

Esta película no tiene guión: tiene unas octavillas como las que a veces reparten a la salida del metro o dejan en nuestros buzones, lanzando exclamaciones sobre lo trágica y lo bonita que es la historia de amor, lo malos y malvados que son los amarillos, y la necesidad de unión del pueblo americano y su orgullo y fuerza al devolver el golpe al enemigo.

Esta película no tiene actores: tiene unos maniquíes policromados con unas etiquetas donde reza "B. Affleck", "K. Beckinsale" y "J. Hartnett", que se desplazan con ruedas. Bueno, aunque a veces se pueden percibir sombras y voces de antiguos y buenos actores, como Jon Voight, Dan Aykroyd o Alec Baldwin. Pero hay que ser primo de Iker Jiménez para poder escucharlos.

Esta película no tiene director: tiene productor.

Lo que sí tiene esta película es uno de los mayores presupuestos de la Historia del Cine. Con una quincuagésima parte de ese dinero, Orson Welles habría adaptado todas las obras de Shakespeare, una detrás de otra. Y en arameo, oiga. Hasta la música de Hans Zimmer me rechina en los oídos, a pesar de lo bonita que es.

Y dejad que me carcajee un poco con el mínimo rigor histórico y la mínima credibilidad que todo filme ambientado en el pasado se le presupone. Esos Affleck y Hartnett cepillándose noventa cazas japos sin dejar de mirar a la cámara para ofrecer su mejor sonrisa. Ese Cuba Gooding Jr en la cubierta de un acorazado ametrellando aviones sin parar mientras las bombas caen a su alrededor. Esa maquilladísima enfermera, con un rimmel y lápiz de labios perfectos en mitad del bombardeo, intocables por el polvo o las gotitas de sangre que a veces aparecen por despiste del... productor. Esas botellas de Coca-Cola cumpliendo la doble función de servir en las transfusiones de sangre y hacer publicidad por todo el morro. Juas, juas.

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Por cierto, esta película tampoco tiene género: es un compendio de todos los géneros cinematográficos. Tiene parte de comedia (cuando Jon Voight/Roosevelt se levanta de su silla de ruedas y casi se cae al suelo, o con el último parlamento de Kate Beckinsale en off, que reproduzco abajo), de drama (cuando no matan ni a Affleck ni a Hartnett en el primer ataque), de género bélico (la pelea entre Muhammad Affleck y Carl Hartnett), de documental (el ataque a la base muestra un cursillo de cómo invertir el 95% del presupuesto en efectos visuales), de costumbrismo (las alegres enfermeras y los simpáticos soldados americanos), de terror (los japoneses en sus cazas Zero) y de ciencia-ficción (cuando no matan ni a Affleck ni a Hartnett en el primer ataque). Al final, hasta va a tener su puntito y todo.

Hoy, a 7 años DPH (después de Pearl Harbor), podemos establecer varias conclusiones:
- Ben Affleck: limítate a dirigir películas, chavalote. ¡Ése es tu futuro!
- Josh Hartnett: Mejorando. Buenas actuaciones en "Sin City" y "La dalia negra". Sigue así
- Kate Beckinsale: desaparecidilla. Tras su debut en la estupenda "Mucho ruido y pocas nueces" de Branagh, se perdió entre "underworlds" y "clicks". Una pena. Kenneth, ¡rescátala!
- Cuba Gooding Jr: "Papá Canguro 2", "Boat Trip". Sin comentarios. ¿Posible recuperación con "American Gangster"?
- Jon Voight: "Bratz. La película", "La búsqueda 1, 2, 3, 4, 5, 6....", "Transformers". Sin comentarios
- Alec Baldwin: el que mejor ha salido parado: "The Cooler", "Infiltrados", "El buen pastor". Nota alta, Alec.
- Dan Aykroyd: "Una Navidad de locos", "50 primeras citas", "Os declaro marido y marido". Suspenso... alto. Por quedarme esperanzas de volver a ser el que fuiste.

PARLAMENTO FINAL DE KATE BECKINSALE: BRITÁNICA PRO-AMERICANA

"Cuando termina la acción y miramos atrás lo entendemos todo más o menos. Una cosa es cierta, antes del ataque de Doolittle, Estados Unidos sólo conocía la derrota, después llegó la esperanza. Japón se dio cuenta de que podía perder y empezó a retirarse. Estados Unidos se dio cuenta de que podía ganar y avanzó. Fue una guerra que cambió el mundo. Dorie Miller fue el primer negro americano condecorado con la cruz naval pero no sería el último. Entró en la hermandad de los héroes. Para nosotros la II Guerra Mundial empezó en Pearl Harbor y 1117 hombres yacen aún en la tumba del acorazado Arizona. Estados Unidos sufrió pero se hizo más fuerte, no fue inevitable, los tiempos pusieron a prueba nuestras almas, y fue una prueba que superamos".

P.D.: Revisad "Tora, Tora, Tora", "De aquí a la eternidad", y "Cartas desde Iwo Jima". De nada.

feisal

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1992 marcó el comienzo de la nueva moda por adaptar a la gran pantalla los grandes mitos del terror. En ese año, Francis Ford Coppola estrenó con gran éxito de crítica y público "Drácula de Bram Stoker", y dos años más tarde le tocaría el turno a Frankenstein. En esta ocasión, Coppola se limitó al papel de productor, y cedió la dirección a Kenneth Branagh, quien había alcanzado fama por adaptar a la gran pantalla, y de forma brillante, dos obras de Shakespeare: "Enrique V" y "Mucho ruido y pocas nueces". En esta ocasión, Branagh contaría con un enorme presupuesto para recrear el mundo decimonónico y romántico que Mary Shelley había plasmado en su novela. Y el hecho fue que, a pesar de contar con un gran reparto y todo lujo de medios, la película resultó ser un fracaso de público y crítica. Los críticos, particularmente, se cebaron con Branagh, y le tacharon de pretencioso, teatral, pesado, vacío, etc, etc. Una vez vista varias veces la película he de decir que (como en muchas otras ocasiones), la película no es una obra maestra, pero tampoco es la basura asquerosa e inútil que casi todos predican. Se trata, en mi opinión, de una adaptación más bien "shakesperiana" y teatral combinada con todo tipo de movimientos de cámara (travellings, planos secuencia a mansalva, planos cenitales, etc), que, aun pasándose de rosca un par de veces, resulta eficaz a la hora de mostrar el atormentado y enfermizo espíritu de Victor Frankenstein, así como el espíritu romántico y desaforadamente terrorífico de la novela. Secuencias como el prólogo en el Ártico, la conversación entre Frankenstein y la criatura en la caverna de hielo, o la secuencia entera de la criatura en el bosque son verdaderamente notables, y hacen descansar la vista después de tanto movimiento circular de cámara. Y en el apartado actoral, pleno. Branagh se pasa de teatral e histriónico a veces, pero en general realiza una buena actuación, pero Robert de Niro sencillamente está perfecto dentro de su disfraz de carne cosida, ofreciendo tropecientos registros y mostrando con su mirada todo el desvalimiento y el sufrimiento de la criatura artificial. Aidan Quinn e Ian Holm están magistrales, pero, para mí, la sorpresa la representa un John Cleese sensacional en su papel contenido e hierático del siniestro profesor Waldman, que a veces da más miedo que la propia criatura. Helena Bonham Carter y Tom "Amadeus" Hulce también cumplen (especialmente este último), pero la actual mujer de Tim Burton da la sensación de ir de menos a más durante el filme.

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El problema, precisamente, de enfocar el argumento y el tono de la película como un híbrido entre las adaptaciones shakesperianas que Branagh ha hecho en el cine, y el Drácula de Coppola; es que intenta tomar las declamaciones y los parlamentos de los actores en cualquier obra de Shakespeare (además del particular estilo del director para adaptarlas a la gran pantalla); y el novedoso y estético estilo que Coppola creó al adaptar la novela de Bram Stoker. La mezcla a veces no funciona demasiado bien, y aunque, como he dicho antes, refleje el estado de ánimo del protagonista; secuencias como el intento de reanimar al profesor Waldman de la cuchillada mortal que le asesta un De Niro pre-criatura, o la conversación entre Branagh y Hulce en la calle, son rodadas con unos movimientos de cámara ciertamente un poco mareantes, y que de nada sirven (movimientos que sí veo lógicos, por ejemplo, en la secuencia clave del filme: la creación de la criatura). Además, aunque Branagh inserte momentos de humor (mayoritariamente protagonizados por Hulce y Helena Bonham-Carter), la verdad es que algunos (como el del brazo del mono) son un poco tontorrones e infantiloides. Por estos y por otros motivos, la película fue arrasada en un abrir y cerrar de ojos (Branagh se reconciliaría dos años más tarde con la crítica con esa joya llamada "Hamlet"); pero la verdad es que en general resulta una buena adaptación, con buenos actores, una música sencillamente espectacular, estridente, mayestática, grandilocuente y genial del gran Patrick Doyle; un sentido estético abrumador y un desatado tono romántico, terrorífico y teatral.

feisal

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Una vez más, Spielberg demuestra que está en la cima de su carrera (desde "Amistad", 1997, no ha rodado nada que no haya gustado a casi todo el mundo). Da igual que coja una comedia con toques humanistas ("La terminal"), una bélica ("Salvar al soldado Ryan"), dos futuristas, etc., etc.
Ahora nos llega otra película que se diferencia de las anteriores en que tiene menos calado social o histórico, pero no por ello deje de ser igual de buena. Los 20 primeros minutos están al nivel de cualquiera de sus mejores películas, conjugando pánico y suspense con el pulso de un maestro (su pulso). A lo largo de la película, se ve el acierto del casting: Tom Cruise, derrochando solvencia y buenas maneras (es un muy buen actor), Dakota Fanning, merendándose a quien se ponga por delante (¡con 10 años!), Tim Robbins como el enloquecido superviviente... El ritmo nunca decae, y cuando se nota que la película está dirigida por quien está dirigida es en las escenas de masa, en las que una multitud en pánico rodean al coche de Cruise, "invitándole" a que salga. Os juro que en esas escenas me sentí como si yo mismo estuviera en el coche: desasosegado e inquieto. Es por eso por lo que Spielberg es un genio. Lo único que no me gusta es el final, demasiado "final feliz", pero yo a Spielberg le perdono lo que sea. Es un genio.

feisal

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Ésta es mi película favorita. Con eso lo digo todo. Digamos que fue con esta película cuando empezó a picarme el gusanillo de eso abstracto llamado "cine", y que después tantos momentos maravillosos e intensos me ha proporcionado. Estoy seguro que cada uno de los amantes del cine tiene, al menos, una película con la que, importándole un comino todas las críticas, buenas y malas que sobre ella se escriban, mantiene una afinidad especial y extraña que la hace distinta del resto. Esto es lo que me pasa a mí. Para mí el cine se divide entre "Lawrence de Arabia" y lo demás. Sé que suena un poco radical, pero así es. Desde mi punto de vista (y de espíritu), esta película es absolutamente perfecta, y tan maravillosa que aunque la visione 10000 veces más siempre encontraré algún matiz diferente, algo que antes no había visto antes. No sé qué comentar más: los actores están TODOS sin excepción en estado de gracia, desde Peter O'Toole (lástima coincidir en los Oscar con Gregory Peck y su "ruiseñor") hasta el último camello están todos en su salsa: prodigiosos O'Toole (E-N-O-R-M-E), Sharif (¿por qué no ganó el Oscar al Mejor Actor Secundario?), Alec Guinness (¡mi actor favorito de la Historia del Cine!) soberbio como el príncipe Feisal, Anthony Quinn (fuerza de la naturaleza), José Ferrer (¡qué 10 minutos!), Arthur Kennedy... y David Lean. Sí, señores, David Lean, tan criticado a veces como adorado otras, el viejo maestro era único a la hora de conjugar (nadie, repito, nadie lo hacía como él) espectacularidad e intimismo. Ésta es, sin duda, su obra maestra.
Y de Maurice Jarre qué decir. Esta música forma parte de la historia del cine. Espectacular. Bueno, me quedo sin ideas. Por último, y para que comprobéis que toda esta rajada es cierta, mirad cual es mi nombre.

feisal

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