"XXY" no es precisamente una película que se dedica a explotar desde el lado morboso o sensacionalista el tema de la intersexualidad. El hermafroditismo de la joven protagonista que compone Inés Efron es el disparador para reflexionar sobre algo que está detrás y es más profundo: la libertad de elección.
"XXY" no es recomendable para los que esperen un melodrama como "El hijo de la novia" o que vayan al cine simplemente por el carisma de Darín, tampoco para los que demanden un desenlace cerrado, ya que el filme subraya interrogantes y desnuda prejuicios a flor de piel, provocando sentimientos cruzados.

Básicamente "XXY" es un relato sobre la iniciación adolescente, el descubrimiento del cuerpo, la exploración caótica de la sexualidad y fundamentalmente, la búsqueda de la propia identidad.

La película tiene el mérito de una puesta en escena austera y pudorosa, que esquiva la sensiblería y aunque la historia deja a sus protagonistas principales en el inicio de un camino (antes clausurado y ahora abierto), subsiste la incertidumbre de muchos cabos sueltos.

Más allá del desenlace abierto que propone, "XXY" deja siempre una sensación de noble sutileza y logra imponer la credibilidad necesaria en el relato, apoyándose en una meritoria fotografía y una banda sonora adecuada.

Con pocas palabras y medidos gestos, las actuaciones de los jóvenes sobresalen. Ricardo Darín impone su oficio y el resto de los actores queda en roles más desdibujados pero correctos.

rouse cairos

(ver vista para enlazar)

"La Señal" incluye todos los tópicos del "film noire": la mujer fatal, los hampones y detectives, pero sobre todo las pasiones humanas con su carga de violencia, soledad, traiciones y lealtades, en un clima marcado por el azar y el fatalismo más que cualquier otra regla tranquilizadora.
Estas características comunes y universales adquieren su color local en la ambientación, la música y las personalidades de los amigos detectives (Corvalán y Santana), interpretados por Darín y Peretti, dos alter-ego complementarios, marcados por la aureola melancólica del tango.
La película es fiel a la época (Argentina en 1952, cuando el peronismo empieza a declinar) pero sin involucrarse demasiado. La historia nacional pasa como un telón de fondo, anclando más en lo emocional y los aspectos intimistas que en lo político-social.
Desde el punto de la estética, "La Señal" descarta un enfoque costumbrista o lo desplaza a un segundo plano. Para anclar en el género, se deja literalmente arrastrar por lo oscuro. Entonces la fotografía arriesga muchas escenas al límite de ausencia de luz y anula intencionalmente la profundidad de campo, de tal modo que los protagonistas ingresan desde la consistencia borrosa del fuera de foco, acentuando una atmósfera fantasmal que se suma a los ambientes saturados de humo y sombras.
"La Señal" es un film de notable factura artística y técnica, donde se destacan la producción y la dirección de arte. También las composiciones actorales logran insertarse con calidad pero es la historia, la que está contada sin aportar mayores sorpresas o aspectos tacables. Aunque preciso en el tono del relato, algunas morosidades o baches en las transiciones entre escenas, quitan potencia a la trama y evidencian la orfandad de una dirección definida. Es que "La señal" era la película que planeaba realizar el reconocido escritor y cineasta Eduardo Mignogna, basada en su novela homónima. Su muerte, cuando se encontraba trabajando en la preproducción de la misma, hizo que Ricardo Darín y su asistente de dirección Martín Hodara, decidieran proseguir su legado y terminar el proyecto, que deja el saldo de un film policial de factura nacional que es bueno, pero que imprime la sensación de que podría haber dado para más.

rouse cairos

(ver vista para enlazar)

Para el público acostumbrado al ritmo de las series televisivas, videoclips y demás, tan pródigos en persecuciones automovilísticas o edificios que estallan en pedazos, puede resultar una película desconcertante por su buscada morosidad que pone su acento en detalles minimalistas. Pero esto es precisamente lo que el director procura transmitir, ya que "El custodio", aunque tome elementos del género, no es una historia policial, sino un medio para provocar otro tipo de reflexiones.

Hay una coherencia rotunda en la elección del punto de vista para contar esta historia con final inesperado de un sujeto sin vida propia, cuya palabra no es tenida en cuenta y al que se trata como a un objeto que respira y ocupa un lugar en el espacio. El trabajo de Rubén, el protagonista, consiste en ser custodio permanente de un ministro. Su función es protegerlo, tanto en su ámbito laboral como privado, por lo que debe compartir, desde una distancia cercana e insalvable, la intimidad y los secretos de su jefe, de su familia y de su entorno.

Todo en "El custodio" funciona con una magnífica economía donde el mínimo detalle significa, como el rosario siempre suspendido frente al parabrisas de su auto vigilador, o las pocas frases pronunciadas; aunque las palabras no existan o se perciban distorsionadas por el ruido y la distancia, o como en la escena donde hablan en francés, en la que todo converge para sentir en carne propia cómo percibe la realidad ese custodio aparentemente impasible. Una inquieta cámara nos convierte en testigos de la jornada del aparentemente imperturbable custodio: a través de su punto de vista, somos observadores, en un permanente juego entre lo que el protagonista ve, lo que el director permite observar en medio de abundantes elipsis y lo que pertenece al fuera de campo.

"El custodio" impresiona como una obra madura de un joven director que, sin excluir una aguda crítica social, trabaja más para quedar en la historia del cine independiente creativo (valorable en festivales que premian esta característica) y no para el éxito de taquilla: una pequeña gran película que probablemente oscilará entre aplausos elogiosos y la indiferencia de quienes sólo buscan relatos convencionales.

rouse cairos

(ver vista para enlazar)

El film retrata uno de los períodos más oscuros de la historia de Uganda: la dictadura de Idi Amín, quien gobernó entre 1971 y 1979, año en que fue derrocado.

Cuando llegó al poder -mediante un golpe de Estado contra el corrupto régimen de Milton Obote- el dictador encontró el apoyo generalizado de todo el mundo y muy particularmente del Ministerio de Asuntos Exteriores Británico, hasta que adoptó un nacionalismo extremista, creando las condiciones que condujeron a la muerte y desaparición de cientos de miles de ugandeses.

El título de la película "El último rey de Escocia", es uno de los extravagantes apelativos que el dictador se autoadjudicaba, mezclando humor y megalomanía (también se hacía llamar Conquistador del Imperio Británico y Señor de todas las Bestias de la Tierra y de los Peces del Océano).
Para entrar en el círculo interno del mundo del dictador, el argumento crea el personaje de Nicholas Garrigan, un joven médico de origen escocés, que viaja al África, impulsado por ideales solidarios y aventureros. Destacado en una misión médica en Uganda, conoce por azar al flamante presidente Amín, quien acaba de tomar el gobierno y cuenta con la simpatía popular.
La experiencia como afamado documentalista del realizador Kevin Macdonald se nota en la agilidad de algunos planos memorables, como el discurso inicial ante las masas, tomado en primer plano, detrás de la nuca del orador. La estética, el montaje y la fotografía del film son relevantes.

Desde las luminosas escenas iniciales, con cantos tradicionales ugandeses de fiesta y colores vivos, existe un marcado oscurecimiento en correspondencia con el desvanecimiento de la imagen positiva del dictador.
El film elude la caricatura fácil y muestra las múltiples caras del déspota. Forest Whitaker realiza una interpretación magistral, construyendo un personaje entre bufonesco y shakesperiano, que en sus explosiones devastadoras no reconoce ni a sus propios familiares.

"El último rey de Escocia" es una película cruda y descarnada, sin embargo no excluye la belleza y calidez del país africano, dando cuenta de su colosal paisaje y arquitectura modernista que conviven con una cultura ancestral.

Aunque no busca ser una lección de historia sobre el genocidio en Uganda, es un interesante thriller con una veta de realidad, que descansa fundamentalmente en las excelentes actuaciones y la solidez narrativa con que está realizado.

rouse cairos

(ver vista para enlazar)

Apegado a narraciones intimistas, como las que mostrara en El Faro o Sol de Otoño, admirador de Akira Kurosawa, "porque se anima a llegar a un lugar del alma donde no muchos se atreven", el escritor y cineasta argentino Eduardo Mignona nos ofrece una historia sobriamente emotiva, que tiene como eje la reconstrucción del vínculo afectivo entre un abuelo y su nieta.

La acción se inicia en un pueblo enclavado en inhóspitas tierras patagónicas, donde Frank, un rudo descendiente de galeses (magníficamente encarnado por Federico Luppi), decide, tras la muerte de su hija y de su esposa, viajar por primera vez en su vida a Buenos Aires, donde vive su única nieta Alina, una joven médica que se alejó de su entorno familiar y se radicó en la gran ciudad.

En forma paralela al itinerario geográfico que separa la Patagonia de Capital Federal, el protagonista realizará un viaje interno, donde está puesta la mirada profunda del film. Un periplo para poner las cosas en claro, consigo mismo y también con su nieta, para revelarle el secreto de su identidad.

La distancia que recorre el protagonista es también cultural, con modos de vida que contrastan con sus costumbres y los hábitos que circulan en torno de las labores vinculadas con un contacto directo con la naturaleza. El ritmo de vida de las urbes globalizadas y la comunicación, pendiente de un celular o una computadora, contrastan con la correspondencia manuscrita que Frank le entrega a su nieta como una reliquia.

Mignona eligió una estética austera para "El viento", con un buscado contraste del color y con pocos movimientos de cámara. El resultado es un film despojado, con muy poca ornamentación, tanto de color como de forma; es también un cine que emociona lejos del sentimentalismo fácil.

Metafóricamente, podría leerse como una historia de reconciliaciones (no fáciles ni edulcoradas, sino con el sufrimiento y la liberación que provoca el conocimiento de la verdad). Esto, si reparamos en el sentido de incluir la anécdota que refiere Luppi a su nieta, respecto de un verdugo que se transforma en un posibilitador de vida y de que su nieta Alina nació en 1976.

Esencialmente, El Viento es una historia de redenciones, de deudas pendientes que buscan resolverse en la búsqueda de un trabajo humanizado, en contacto con la naturaleza y los afectos más genuinos, más allá de las diferencias.

Un llamado de atención sobre la necesidad de arraigo y autenticidad, en el que se pone el acento desde el título, que refiere a la identidad esencial del áspero paisaje permanentemente recorrido por el viento que, sin embargo, encierra posibilidades aún no descubiertas.

rouse cairos

(ver vista para enlazar)