Críticas De: Gonzafer85

Basado en hechos reales, “La Conspiración” es un nuevo film de Robert Redford con tinte político-militar el cual, naturalista y verosímil, intenta narrar el trasfondo de uno de los acontecimientos más importantes de la historia de Estados Unidos con una mirada bastante objetiva.
Una película muy bien lograda desde la descripción de la época, las ideologías pero, sobre todo, desde el lugar en el que se encontraba Frederick Aiken defendiendo a la acusada de conspirar en el asesinato de Abraham Lincoln. Un relato que se basa en asociaciones de contraste, primero oponiendo las ideologías del abogado y la acusada, y luego oponiendo las relaciones de Aiken antes y después de asumir la defensa, tanto con su pareja, sus amigos, sus pares e, inclusive en un inicio, con él mismo.
La temática principal elegida es característica en los últimos films de Redford: “pelear por algo mucho más grande que uno mismo”. En este caso es la Constitución por lo que se intenta luchar, por la justicia y los derechos de cualquier ciudadano, aún en tiempos de guerra. De todas formas (aquí la objetividad), la película desarrolla tan fuertemente el contexto que parece de algún modo hacernos comprender el porqué de los sucesos, apaciguando en cierto sentido la sensación de indignación ante el poder y la corrupción del Departamento de Guerra. Hay que decir que lo logra considerablemente, la sensación resulta en que somos observadores de algo inevitable pero que sentó precedente, y que sirvió para cambiar la constitución y, a su vez, para lograr la paz.
Por otra parte, como ocurre en los films -bien planteados- sobre juicios, brinda una atractiva dinámica basada en tecnicismos legales y en discursos fervorosos sobre lo correcto y lo justo. Sin embargo, como diferencia y ventaja sobre otros films de este tipo, la historia en sí misma (basada en hechos reales) posibilita que el film no concluya con el juicio, sino que tenga el final debido, y esto refuerza el sentido de lo real y verosímil.
Tal vez se le pueda reprochar la falta de profundidad o seguimiento sobre estas relaciones que se vuelven conflictivas emocionalmente para el abogado defensor aunque, aún así, es una película que supera ampliamente en calidad y contenido a la gran mayoría de las producciones estadounidenses de estos últimos tiempos.

Este film es único desde varios puntos de vista y, lo más importante, es sumamente atractivo, tanto para los que vemos mucho cine y apreciamos muchos aspectos a la vez, como para aquellos que sólo quieran disfrutar de una comedia caricaturesca con un marcado acento británico.
Richard Ayoade adopta soluciones cinematográficas bien marcadas y recurrentes, lo que termina promoviendo una película homogénea y de estilo bien particular. Estas soluciones tienen que ver con la estética de la imagen, las constantes remisiones al mundo del cine, del arte y de la filosofía principalmente, la musicalización, la forma de narración y el tipo de humor que propone el guión.
En lo que respecta a la iconicidad, composición fotográfica y movilidad, estamos hablando de un film profundo, que utiliza una figuración muy fuerte, un uso marcado de artificios retóricos (como el fundido a azul o rojo, el iris, el desenfoque, etc.). Acude a una gran versatilidad en el uso de los distintos tamaños de plano, movimientos de cámara y a un montaje que alterna -conscientemente- distintos tipos de calidades de filmación (algunas reales, otras trucadas). El color y la iluminación se destacan a la hora de caracterizar a Submarine, tanto por el uso marcado de los colores azul y rojo al dividir los episodios y secuencias, y en los títulos, como por la iluminación subrayada que deja este director como sello personal.
El juego intertextual con el mundo del cine y las técnicas cinematográficas son un regalo de este film para los cinéfilos.
Por otro lado, tiene la particularidad de estar dividido en un prólogo, tres partes y un epílogo. El director parece tratar de dejar en claro que está basado en una novela, dándole un tipo de formato similar y a la vez, jugando con esto como una humorada.
El “Prólogo” ofrece una clara descripción del personaje principal, Oliver Tate, así como se su círculo social y familiar. Luego, la historia seguirá su curso divida en tres partes, cada una de las cuales es consecutiva y, si bien la ausencia de estas divisiones no afectarían en nada a nuestro entendimiento, están para decirnos en qué aspectos de su problemática vida se enfocará a resolver Oliver. En todo momento escucharemos a un narrador en primera persona, ya sea contando lo que sucedió o emitiendo sus pensamientos.
En resumen, se trata de una historia que se narra a partir de personificaciones exageradas y parodizadas típicas del humor británico. La ridiculez con la que son tratados las distintas relaciones y los diálogos serán los mayores causantes de gracia y, a la vez, manifestarán eficientemente su lado serio, sentimental y romántico. La clase y calidad con la que se logra esto es digno de admiración.

Jonathan Hensleigh es un guionista y adaptador de guiones destacado dentro del mundo de Hollywood, films como “Duro de matar 3” (1995), “Jumanji” (1995), “El santo” (1997) y “Armageddon” (1998) lo avalan. En la dirección la historia es distinta, su debut en 2004 fue con “The Punisher” (Thomas Jane, John Travolta y Samantha Mathis), una película olvidable, y luego (mas allá de un video denominado “Welcome to the Jungle” en 2007) quedó en el reposo hasta este año, con “Kill the Irishman”.
En el plano del contenido, “Mata al irlandés” es una historia basada en hechos reales que retrata la guerra entre las distintas bandas del crimen organizado (la mafia) en Cleveland (USA) durante la década del 70, tomando como punto de fuga a uno de los personajes más controvertidos de estos hechos, el irlandés Danny Greene. El film toma como centro a este personaje y lo desglosa en distintos planos, más como una descripción que haciendo juicio de valor. Podemos ver al líder sindical mafioso, corrupto y violento a la vez que al hombre leal, bondadoso y carismático pero, sobre todo, la historia se acentúa en la leyenda que cobró este hombre por el hecho de haber sobrevivido a 8 atentados, es decir, en el plano mítico. En este último sentido, el film muestra a Greene como un creyente poseedor de una herencia guerrera proveniente de sus ancestros irlandeses, jugando todo el tiempo con comentarios y símbolos que dan cuenta de esto.
En el plano de la expresión, el diseño narrativo es de estilo marcadamente clásico aunque su formato de montaje es bastante particular, por un lado inicia con una narración del policía Joe Manditski (Val Kilmer), la cual desaparece rápidamente (para volver a aparecer en ciertos momentos aislados) dando lugar al desarrollo de la historia, a la vez, hay una alternancia entre este último y segmentos de estilo documental, algunos falsos y otros originales (cerca del final). La elección de la música denota tanto la década como la temática gángster y, además, ésta cuestión mítica irlandesa, donde la gaita aparecerá en varios fragmentos.
“Kill the Irishman”, por suerte, nada tiene que ver con “The Punisher”, es un film interesante, muy desarrollado, con un gran reparto, sumamente entretenido y atrapante, cercano de alguna manera a “American Gangster” pero con un estilo mas biográfico que ficcional.

Producido, dirigido e interpretado por Tomy Lee Jones. Propone un escenario y “solo” dos actores (utilizo las comillas porque considero que Tomy Lee Jones y Samuel L. Jackson son mucho más que “solo” dos actores). Un film brillante que merece o, mas bien, nos merecemos que esté en la pantalla grande y no sea un largometraje para la TV (aunque dada la naturaleza de su argumento poco le debe importar el ámbito de su reproducción).
Ideal para quienes disfrutan de la literatura o del teatro, pero sobre todo para quienes disfruten del debate filósofo-teológico, del debate sobre el bien y el mal, de lo “blanco y negro” (de hecho, esos son los nombres, metafóricamente elegidos ,de los dos personajes del film). Una película que descansa sobre el poder de sus diálogos y esto, que puede dormir en pocos minutos a quien no esté dispuesto a leer mucho y se contente con films de acción (lo cual es igualmente de respetable) , es también lo que deslumbra a espectadores que puedan disfrutar de conversaciones reflexivas.
Actuaciones “teatrales” de estas dos estrellas del cine estadounidense, sumado a un guión excepcional, movimientos de cámara, combinación de planos, iluminación y sonido solo dispuestos a acompañar los giros dramáticos del film, desembocan en un maravilloso recital de sentidos audiovisuales para los ojos, y la mente.

Una especie de historia graciosa…y no es solo la traducción literal del título del film, sino también la esencia de esta película, una moraleja fílmica con aires de comedia.
Una crítica a la sociedad exitista en la que vivimos, donde la moda guía la vida de muchas personas por encima de las costumbres culturales destruidas por la globalización, donde nos escandalizamos por cuestiones banales, comparadas con los problemas serios que vemos a diario en el mundo. Viéndolo así, parece ser otro de los tantos largometrajes que vemos corrientemente, sin embargo, “It's Kind of a Funny Story” da la sensación de estar hecha desde la sinceridad de su creador, quien no se preocupo demasiado por hacer reir a carcajadas con acciones tontas y se arriesgó con algunos pasajes un tanto densos, prefiriendo dejar bien el claro el mensaje de autoayuda.