“Persépolis” es una pequeña y curiosa joya de esas que se encuentra uno muy de vez en cuando en la cartelera. Llevar al cine el afamado cómic no era empresa fácil, pero los resultados son más que notables.
La película consigue mezclar lo cómico y lo atroz, emociona, entretiene y está cargada de realismo, tiene magia. Se mantiene la esencia del cómic dotándolo de un magnífico lenguaje cinematográfico que consigue un relato ágil, que fluye con facilidad en la pantalla. Se mantiene el blanco y negro original y la simpleza en los dibujos, narrando la historia mediante flash back. La música es una pieza básica en la película, uno sus grandes aciertos, al igual que las voces de Chiara Mastroiani y Catherine Deneuve.
El film encierra una profunda sabiduría envuelta por una capa simple y sencilla, lo que le da valor y consigue un relato universal, seguramente la clave de su éxito. Un recorrido apasionante por el Irán de los años 80 y principios de los 90, visto por los ojos de una niña que se hace adulta a marchas forzadas en un contexto muy complicado. Por si fuera poco es didáctica, ya que supone una lección de historia para los que desconozcan, como yo, la reciente historia iraní.
Satrapi, creadora del famoso cómic autobiográfico y ahora codirectora de la adaptación cinematográfica de Persépolis, rechazó numerosas y suculentas ofertas llegadas desde Hollywood a raíz del éxito de su obra para llevarla al cine en Estados Unidos. La iraní prefirió llevarla a cabo en Francia, su segunda casa, para así conseguir una adaptación al celuloide más fiel, para tener total libertad y no ver desvirtuada su obra. Como dice de la protagonista de Persépolis: “La liberté a toujours un prix” (La libertad siempre tiene un precio…).

SyckBoy

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“4 meses, 3 semanas y 2 días” es una película sobre el derecho al aborto, pero quedarse en solo eso sería limitar el valor de este desasosegante y excepcional film. El ambiente opresivo de la Rumanía de los últimos años de la dictadura de Ceaucescu invita en principio a contar un simple relato de denuncia social (la prohibición del aborto en 1966 elevó los índices de natalidad y llevó a la muerte a más de 500.000 mujeres por abortar ilegalmente). Sin embargo Mungiu utiliza ese contexto para exponer el auténtico tema central del film: el miedo. Ese miedo que flota en el ambiente, que casi se puede tocar, cuyo poder te paraliza y permite al espectador experimentar lo que supone la falta de libertad. Es el miedo a cualquier mirada, a cualquier descuido fatal, un miedo que hace que te sientas atrapado. Elegir la tétrica Bucarest de los 80 como telón de fondo no fue casualidad.
Gran parte de la película está rodada cámara en mano, muy al estilo de los hermanos Dardenne (L’Enfant, Rosetta), lo que sumerge de lleno al espectador en el ambiente de Bucarest y consigue que te identifiques con la protagonista y su particular periplo por la capital rumana. Este recurso se alterna con planos fijos, algunos muy prolongados, que ayudan a crear una sensación de angustia y opresión al más puro estilo Michael Haneke.
El film roza, sin serlo, el melodrama. Se obvian ciertas escenas muy duras, mientras otras se retratan de manera explícita, desagradable y un tanto innecesaria. Se rodó con un presupuesto de 600.000 euros y a marchas forzadas (para llegar a tiempo a Cannes). La protagonista, Anamaria Marinca (una actriz rumana afincada en Londres que se unió al proyecto en el último momento) realiza una actuación sobrecogedora, llevando todo el peso de la película a sus espaldas.
Una película para recordar, de las que te dejan un poco tocado, genial para pasar un magnífico mal rato.

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El director, de forma muy inteligente, consigue elevar la tensión del relato en ciertos momentos con pequeños engaños, como cuando Otilia coge la navaja del maletín del señor Bebe, sin que esto influya en la trama posteriormente.
Ciertos momentos del film son dignos de destacar:
-El interminable plano fijo de la cena, las conversaciones, la cara de la chica y sobre todo ese momento en el que suena el teléfono y nadie contesta.
- El periplo final de Otilia intentando rehacerse del feto, con una luz lúgubre, casi negra, que consigue crear una sensación de miedo y tensión brutal.
- Y por último, el plano fijo final: la música y la gente de la fiesta de fondo, en contraste con la imagen de las dos amigas hechas polvo, mientras las luces del tráfico de Bucarest se reflejan sobre Otilia, y ésta, un segundo antes del fundido a negro, parece girarse y mirar al espectador.

SyckBoy

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Tarantino se ríe del mundo. No hay que ver "Death proof" con pretensiones de ver una gran película pues estamos hablando de un capricho, una gamberrada, una locura surgida de una noche de borrachera con su amigo Robert, algo que se puede permitir subido al trono del éxito y la inmortalidad. Nos ofrece lo que las pelis de doble sesión de su juventud le aportaron, puro entretenimiento, pasar una buena tarde.
Qué es Death proof en concreto: Tías buenas, numerosos primeros planos de sus respectivos culos, coches a mil por hora, adrenalina, sangre, miembros amputados y un loco homicida. A todo ello hay que añadir los diálogos marca de la casa, que al principio hacen gracia pero que acaban por cansar, aburrir y no aportar absolutamente nada, y un motaje deliberadamente cutre, así como numerosas ocurrencias en homenaje a la serie Z setentera.
Sin duda lo mejor del film son Kart Russel, la música (en eso hay que darle un 10, como siempre) y lo bien filmada que está la película. La escena de la persecución final es un broche perfecto y desemboca en una explosión de genialidad delirante y muy cachonda, muestra del talento alocado de Quentin. Espero que en un futuro rebaje su grado de locura y vuelva al cine de sus inicios. Oh, fucking Tarantino!!, te doy un 7 por los buenos ratos que nos has hecho pasar, pedazo de loco.
Post data: comprendo al público americano, si después de este experimento tarantiniano me ponen "Planet Terror" salgo del cine desquiciado, me voy de cabeza al psiquiátrico.

SyckBoy

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“Deseo, peligro” es una de las mayores sorpresas que me he llevado nunca en una sala de cine.
Dirigida de forma sutil y profunda por el "oscarizado" Ang Lee, se podría definir a grandes rasgos como una mezcla entre “In the mood for love” (Wong Kar-Wai, 2000) y “Encadenados” (Alfred Hitchcock, 1946), un thriller psicológico con la estética del cine clásico americano y las mejores esencias del cine asiático actual. El resultado es una película densa cuya atmósfera te atrapa lentamente, sumergiéndote poco a poco en la China de la ocupación japonesa. Las escenas que recrean las calles de Shanghai y Hong Kong no tienen nada que envidiar a las grandes producciones americanas, con cientos de extras, calculadas hasta en más mínimo detalle. Gran trabajo de fotografía a cargo del mejicano Rodrigo Prieto, colaborador habitual de Iñárritu. La banda sonora es preciosa, le va como anillo al dedo a la trama, funciona muy bien.
En cuanto a las famosas escenas de sexo, que han merecido la vergonzosa calificación NC-17 (es decir, X) en USA, son todo menos pornográficas o gratuitas. Estas escenas son realistas y fundamentales para retratar la evolución psicológica de los personajes y la progresión de la relación que mantienen, a través de un lenguaje de gestos, caricias y golpes. Nunca se rodó el sexo con tanto sentido para la trama y con tal maestría en la gran pantalla.
Todos los personajes funcionan a la perfección. El grupo de teatro es entrañable y nos muestra cómo la guerra hace trizas la inocencia de un grupo de jóvenes idealistas. Tony Leung, el habitual protagonista de las películas de Wong Kar-Wai, cambia de registro y borda el papel del tosco y masculino agente colaboracionista (hay que destacar que compaginó el rodaje de este film con el de “Confession of pain”). El mayor descubrimiento de la película es la debutante Tang Wei, simplemente genial, si hubiera un Oscar a la actriz revelación, éste sería suyo, sin duda.
En cuanto a los que dicen que le sobra metraje (¡incluso que le sobran 45 minutos!) estoy en total desacuerdo, no le quitaría ni un solo minuto, sería cargarse la película.
Como dice el joyero al terminar el anillo: "The master piece is all ready".

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“Se jie” es una película de detalles y hay dos que me han encantado:
1 - La marca de carmín en la copa de vino en la primera cita de los protagonistas, como un beso que nos anticipa el romance. También la marca de carmín en la taza de café, que parece sangre, la sangre de la propia protagonista y de sus compañeros que está a punto de derramarse.
2 - Ese último y desolador plano que nos muestra las arrugas de las sábanas de la cama donde una vez hicieron el amor, en una habitación ahora oscura y vacía....

SyckBoy

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“Eva” rebosa calidad: los magníficos y larguísimos planos secuencia adornados con música de Billie Holiday que nos ofrece Joseph Losey (que saltaría a la fama un año después con “El sirviente”), su hermoso retrato de Venecia y la construcción de una historia, tantas veces reflejada en el cine negro y en la literatura del mismo género, de una autodestrucción anunciada, tratada con la mano maestra de un director en estado de gracia siempre interesado por las relaciones de dependencia y degradación humanas.
Y sobre todo esta película no sería lo que es sin una Jeanne Moreau en una de las mejores actuaciones de su carrera. La actriz francesa encarna a la perfección el papel de una de las “femme fatale” más cruel y fría de la historia del cine que disfruta haciendo saltar por los aires la existencia de un arrogante y presuntuoso escritor en la cima del éxito personal y profesional. Un 10 para Jeanne Moreau, “hermosa, cruel, amoral, destructiva…”.

SyckBoy

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