“4 meses, 3 semanas y 2 días” es una película sobre el derecho al aborto, pero quedarse en solo eso sería limitar el valor de este desasosegante y excepcional film. El ambiente opresivo de la Rumanía de los últimos años de la dictadura de Ceaucescu invita en principio a contar un simple relato de denuncia social (la prohibición del aborto en 1966 elevó los índices de natalidad y llevó a la muerte a más de 500.000 mujeres por abortar ilegalmente). Sin embargo Mungiu utiliza ese contexto para exponer el auténtico tema central del film: el miedo. Ese miedo que flota en el ambiente, que casi se puede tocar, cuyo poder te paraliza y permite al espectador experimentar lo que supone la falta de libertad. Es el miedo a cualquier mirada, a cualquier descuido fatal, un miedo que hace que te sientas atrapado. Elegir la tétrica Bucarest de los 80 como telón de fondo no fue casualidad.
Gran parte de la película está rodada cámara en mano, muy al estilo de los hermanos Dardenne (L’Enfant, Rosetta), lo que sumerge de lleno al espectador en el ambiente de Bucarest y consigue que te identifiques con la protagonista y su particular periplo por la capital rumana. Este recurso se alterna con planos fijos, algunos muy prolongados, que ayudan a crear una sensación de angustia y opresión al más puro estilo Michael Haneke.
El film roza, sin serlo, el melodrama. Se obvian ciertas escenas muy duras, mientras otras se retratan de manera explícita, desagradable y un tanto innecesaria. Se rodó con un presupuesto de 600.000 euros y a marchas forzadas (para llegar a tiempo a Cannes). La protagonista, Anamaria Marinca (una actriz rumana afincada en Londres que se unió al proyecto en el último momento) realiza una actuación sobrecogedora, llevando todo el peso de la película a sus espaldas.
Una película para recordar, de las que te dejan un poco tocado, genial para pasar un magnífico mal rato.

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El director, de forma muy inteligente, consigue elevar la tensión del relato en ciertos momentos con pequeños engaños, como cuando Otilia coge la navaja del maletín del señor Bebe, sin que esto influya en la trama posteriormente.
Ciertos momentos del film son dignos de destacar:
-El interminable plano fijo de la cena, las conversaciones, la cara de la chica y sobre todo ese momento en el que suena el teléfono y nadie contesta.
- El periplo final de Otilia intentando rehacerse del feto, con una luz lúgubre, casi negra, que consigue crear una sensación de miedo y tensión brutal.
- Y por último, el plano fijo final: la música y la gente de la fiesta de fondo, en contraste con la imagen de las dos amigas hechas polvo, mientras las luces del tráfico de Bucarest se reflejan sobre Otilia, y ésta, un segundo antes del fundido a negro, parece girarse y mirar al espectador.

SyckBoy

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“Persépolis” es una pequeña y curiosa joya de esas que se encuentra uno muy de vez en cuando en la cartelera. Llevar al cine el afamado cómic no era empresa fácil, pero los resultados son más que notables.
La película consigue mezclar lo cómico y lo atroz, emociona, entretiene y está cargada de realismo, tiene magia. Se mantiene la esencia del cómic dotándolo de un magnífico lenguaje cinematográfico que consigue un relato ágil, que fluye con facilidad en la pantalla. Se mantiene el blanco y negro original y la simpleza en los dibujos, narrando la historia mediante flash back. La música es una pieza básica en la película, uno sus grandes aciertos, al igual que las voces de Chiara Mastroiani y Catherine Deneuve.
El film encierra una profunda sabiduría envuelta por una capa simple y sencilla, lo que le da valor y consigue un relato universal, seguramente la clave de su éxito. Un recorrido apasionante por el Irán de los años 80 y principios de los 90, visto por los ojos de una niña que se hace adulta a marchas forzadas en un contexto muy complicado. Por si fuera poco es didáctica, ya que supone una lección de historia para los que desconozcan, como yo, la reciente historia iraní.
Satrapi, creadora del famoso cómic autobiográfico y ahora codirectora de la adaptación cinematográfica de Persépolis, rechazó numerosas y suculentas ofertas llegadas desde Hollywood a raíz del éxito de su obra para llevarla al cine en Estados Unidos. La iraní prefirió llevarla a cabo en Francia, su segunda casa, para así conseguir una adaptación al celuloide más fiel, para tener total libertad y no ver desvirtuada su obra. Como dice de la protagonista de Persépolis: “La liberté a toujours un prix” (La libertad siempre tiene un precio…).

SyckBoy

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Brad Anderson, director de la magnética “El maquinista” y responsable de varios capítulos en series como “The Shield” o “The Wire”, se adentra en su sexto film en las gélidas tierras rusas para narrar el accidentado viaje de un joven matrimonio estadounidense a bordo del mítico Transiberiano.
Anderson se disfraza de Hitchcock volviendo a demostrar su innata capacidad para crear atmósferas malsanas y trasmitir con intensidad sensaciones como la angustia y el pánico. Consigue dotar de fuerza y agilidad a una historia de suspense que, a pesar de ser un tanto simple y previsible, tiene explosiones sorprendentes de buen cine de género y una facilidad pasmosa para atrapar al espectador. Sin embargo la dirección flojea un poco en momentos puntuales al subrayar en exceso ciertas situaciones.
En el apartado interpretativo destacan sobre el resto una notable Emily Mortimer (vista en Match Point) y el actor con uno de los caretos con más personalidad, expresividad y versatilidad que haya dado el séptimo arte: sir Ben Kingsley. Ya sea como detective ruso, militar iraní o líder pacifista el actor inglés siempre resulta creíble, siempre cumple con nota.
La frase de Tennessee Williams que menciona la protagonista ("Mata a mis demonios y puede que mis ángeles también mueran") resume perfectamente un film al que hay que perdonarle ciertos defectos ya que consigue algo poco habitual en los tiempos que corren: crear una buena película de suspense con cierto aire clásico. Una especie en peligro de extinción.

SyckBoy

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“Perdición” es para mí mucho más que una película ya que marcó mi afición al cine, me descubrió el cine clásico americano, el cine negro y al maestro Wilder. Me marcó profundamente y es (y lo será siempre) mi película favorita.
En “Double indemnity” confluyen multitud de elementos que hacen que sea un film capital en la historia del cine y que la convierte en el modelo ideal de “film noir”:
- La historia es muy arriesgada, totalmente macabra, rompedora para la época y contraria a la moral puritana, por lo que fue dura e injustamente castigada en los Oscar de aquel año (en los que triunfó la ramplona historia de un cura bonachón llamada “Siguiendo mi camino”). Wilder se enamoró de la novela creada por James M. Cain y junto al mítico escritor de novela negra Raymond Chandler (“El sueño eterno”) escribió la adaptación cinematográfica. La relación entre ambos fue dura, se llevaron mal, pero de ella surgieron algunos de los mejores diálogos de la historia del cine.
- La fotografía, a cargo de John F. Seitz, marcó una época y un género. La luz entrando a través de las persianas venecianas, reflejándose como barrotes de una celda sobre el salón de la casa de los Dietrickson y sobre los protagonistas….
- En cuanto a la dirección, Wilder ofrece una clase magistral de cómo utilizar dos recursos cinematográficos: el “flashback” y la “voz en off”. Con el primero articula la historia contándonos el final en el minuto 5 (“I did it for the money, and for a woman, and I don`t get the money, and I don`t get the woman…”), lo que sumerge en la amargura al resto del relato; y con el segundo nos introduce en los pensamientos, sentimientos y reflexiones más profundos del protagonista. Son para enmarcar el primer encuentro de los protagonistas, cargado de erotismo, la tensa escena de la puerta y los pequeños detalles, como la pulsera del tobillo de la Stanwyck, el enano infalible o las cerillas.
- En los papeles protagonistas, dos actores que dejan atrás sus registros habituales, que jamás habían hecho papeles dramáticos similares: Barbara Stanwyck que marcó para siempre con su actuación lo que debe ser una perfecta “femme fatale”, y Fred McMurray, magnífico en su rol de vendedor de seguros que se deja arrastrar al abismo. Y para completar la terna, Edgard G. Robinson, uno de los mejores y menos reconocidos actores del cine clásico americano, que aquí lo borda.
- Por último, la música de Miklos Rozsa envuelve el relato ayudando a crear esa atmósfera cargada y malsana.
Todo esto es “Perdicón”, el magnfico clásico de Billy Wilder que marcó la estética del cine negro e hizo un poco más grande al séptimo arte.

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Como curiosidad, se llegó a rodar un final alternativo en el que el protagonista es conducido a la cámara de gas del cuál sólo de conservan algunos fotogramas. Este final le pareció demasiado moralista a Wilder que afortunadamente optó por algo más poético, el protagonista arrastrándose hasta el umbral de la puerta, donde se da por vencido y busca, pero no encuentra, una cerilla que finalmente le ofrece su amigo…

SyckBoy

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Tarantino se ríe del mundo. No hay que ver "Death proof" con pretensiones de ver una gran película pues estamos hablando de un capricho, una gamberrada, una locura surgida de una noche de borrachera con su amigo Robert, algo que se puede permitir subido al trono del éxito y la inmortalidad. Nos ofrece lo que las pelis de doble sesión de su juventud le aportaron, puro entretenimiento, pasar una buena tarde.
Qué es Death proof en concreto: Tías buenas, numerosos primeros planos de sus respectivos culos, coches a mil por hora, adrenalina, sangre, miembros amputados y un loco homicida. A todo ello hay que añadir los diálogos marca de la casa, que al principio hacen gracia pero que acaban por cansar, aburrir y no aportar absolutamente nada, y un motaje deliberadamente cutre, así como numerosas ocurrencias en homenaje a la serie Z setentera.
Sin duda lo mejor del film son Kart Russel, la música (en eso hay que darle un 10, como siempre) y lo bien filmada que está la película. La escena de la persecución final es un broche perfecto y desemboca en una explosión de genialidad delirante y muy cachonda, muestra del talento alocado de Quentin. Espero que en un futuro rebaje su grado de locura y vuelva al cine de sus inicios. Oh, fucking Tarantino!!, te doy un 7 por los buenos ratos que nos has hecho pasar, pedazo de loco.
Post data: comprendo al público americano, si después de este experimento tarantiniano me ponen "Planet Terror" salgo del cine desquiciado, me voy de cabeza al psiquiátrico.

SyckBoy

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