Sólo para admiradores de Wes Anderson o, en su defecto, de películas caricaturescas.

Tras revisar montones de críticas y ver a montones de señores defraudados con lo que se cuenta en esta cinta, me veo obligado a avisar a quien quiera verla por primera vez: esta película es sólo para estetas, amantes de la belleza y que tengan una visión de esa palabra tan repetida alrededor de 'The Grand Budapest Hotel': preciosista. Si les gustó 'Amélie', esta película les encantará. Si, por el contrario, detestaron 'Amélie' por lo superficial o por la falta de profundidad en el guión, no es necesario invertir ni un minuto aquí.

Inicialmente, iba a otorgarle un 9 inmediatamente al ver la película pero, transcurrida la noche anterior, y teniendo luz natural atravesando mi ventana mientras escribo, la cosa ha caído a un 8. Bien reflexionado, es cierto eso que tantos critican a la película: le falta calidad interpretativa y le falta un guión interesante. Al menos, un diálogo interesante. Pero, siendo honestos, sólo por toda la presentación de la Europa oriental de la primera mitad del siglo XX y por todo el sentido artístico desarrollado en torno a esta maravilla visual, es obligatorio partir de un 5. Aunque fuese cierto que es vacua y carente de historia (cosa totalmente falsa), el talento artístico ya bien merece la mitad de la puntuación.

'The Grand Budapest Hotel' está dividida en actos, como si de una ópera se tratase; o de una opereta, más bien. Tiene mucho más de obra teatral, que de película. Desde las interpretaciones hasta los planos, pasando por la música, todo se corresponde mucho más con una obra puramente estética que con un producto de la profundidad de Costa-Gavras, Ken Loach, o lo que sea que admiren los señores que odian esta cinta y que han dejado bien claro y firmado por triplicado que no son "gafapastas".

No cometa usted el error de esperar de esta película una historia trascendental o un guión sobrecogedor, porque terminará la película con el sabor amargo de tantos otros. Acomódese y relaje la vista, porque Wes Anderson ha creado un cuento con tanto color, que sus ojos van a necesitar varios visionados sólo para degustarlo superficialmente, y es que, donde sí es profunda, como ha quedado sobradamente remarcado, es en el trabajo visual, de una calidad impecable y que convierten a esta película en una especie de obra pictórica animada. En el aspecto artístico, donde compite directamente con Tim Burton, Wes Anderson ha ganado por goleada.

La historia no es algo especialmente trascendente a la hora de valorar una película. Objetivamente, 'Star wars' es otra ópera espacial cuya historia es, francamente, absurda, y donde el guión no alumbrará nuevos cineastas, pero es otro ejemplo, junto a esta historia, de que el guión y la historia no siempre pueden alterar la prioridad artística de una película. En este caso, se trata de una entrañable pareja de un conciérge y un botones que se enredan en el asesinato de una huésped del hotel, seguido de una historia de corrupción policíaca alrededor del robo de una obra de arte. Lo raro, de hecho, es que alguno se atreva a aseverar que la película carece de historia o que es una sucesión de escenas sin sentido (esta será la sensación de alguien que, seguramente, se haya confundido de película y haya estado viendo 'Birdman' o un episodio de 'Benny Hill'). Pero la tiene.

Las interpretaciones, por la velocidad de la narración, se quedan en mera aparición y el ritmo impide que el director pueda profundizar en el espíritu de los personajes, y es que la película no ataca ese punto, como sí tratan de hacerlo (o deberían) la mayoría de películas. Tampoco es cierto que sea una sucesión de caras conocidas, puesto que no he sabido reconocer a algunos famosos actores como Jeff Goldblum o Tilda Swinton, de tan caracterizados que estaban. Y apenas he advertido la presencia de Bill Murray, que tampoco ha sido gancho para esta película, y es que apenas realiza una pequeña intervención. El protagonista, en realidad, es el dueño del hotel, Zero, que narra la historia desde el comienzo, y se presenta durante la historia dentro de la historia, en la época en la que era botones, donde aparece un muy joven actor de apenas 17 años (Tony Revolori) haciendo un papel magnífico y con el que el espectador sentirá cierto cariño. Por último, Adrien Brody viste a un perfecto villano clásico, sin reinvenciones ni giros de tuerca al concepto: un villano muy ensombrecido que utilizará todos los medios posibles para hacerse con el cuadro robado. Como se puede observar, un cuento clásico de héroes, romance y villanos.

Lo más importante para remarcar: no es una comedia. Tampoco es un drama. Pero es injusto apelar a la falta de carcajada, y es que no trata de hacer reír en ningún momento. No sucede nada gracioso. Más bien, todo tiene un aire tenebroso y macabro, esa oscuridad presentada de forma musical que sabrán reconocer los amantes del mejor Tim Burton.

Nada tiene de "gafapasta", ni de "hipster". 'The Grand Budapest Hotel' es algo que gustaría más bien a románticos y amantes de los cuentos cinematográficos. Porque eso es lo que es: un cuento.

Mi libro favorito de la infancia: 'Las brujas', de mi escritor favorito, Roald Dahl.

Para la gente que sea progre: Roald Dahl no era negro, por desgracia para ellos. Ni siquiera su ilustrador habitual, Quentin Blake, tampoco era "racializado", "de color", "afroamericano" ni niguno de esos insultos racistas que salen por los poros de los progres.

El libro de Roald Dahl habla de un niño inglés que vive en la Noruega de mediados del siglo XX. Pero uno de los grandes estudios de Hollywood, Warner Bros, para poder aspirar a un premio Oscar de la Real Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas Diversas, Raciales y Género Fluido, este año tienen que meter, sí o sí, un protagonista nigeriano que viva en un barrio pobre de Milwakee y vota a Joe Biden, aunque en realidad espera que este fenezca para que Qué Mala Harris se convierta en presidenta.

Una pelicula llena de cuotas de género, raciales y diversas y que se rodó, no para ganar dinero (como se espera de una película), sino para contentar a toda la plebe de "críticos" de cine progres de medios progres occidentales (porque ya avanzo aquí que a los críticos coreanos o chinos poco les importan los panfletos raciales-gender-fluid de Progrewood).

Por supuesto, para que no caiga plenamente en las manos de un varón blanco y heterosexual (Robrt Zemeckis), Progrewood le pone como productores a dos mexicanos fronterizos para terminar de completar las cuotas.

Evitamos, por imperativo racional, la comparación con la primera versión, británica, de 1990, porque poner comparar el trabajo de Anjelica Huston al lado de Anne Hathaway es como comparar a Le Corbusier con Paco "El pocero".

Un producto absolutamente carente de sentido artístico, literatura y originalidad, pero bien preñado de animaciones tridimensionales, demócratas sobreactuando y mucha, mucha cuota.

Racista el que no sepa valorar esta óbora de árate, claro.

Bendito el día en el que Pixar se cruzó en el camino de The Walt Disney Company y se unieron a Mattel para construir esta fantasía que ha impactado en el recuerdo de todas las infancias.

A diferencia de cualquier otra peli de Disney (prácticamente todas azucaradas hasta la diabetes), en su estilo ñoño, cursi e infantiloide, Toy Story fue la primera película de Disney para adultos y, además, con un argumento sobre el universo infantil. Porque, para los que éramos niños entonces, nos reflejó lo que en ese momento vivíamos nosotros con nuestros juguetes, pero también cautivó a los adultos de entonces, que también tuvieron infancia. Todo el que ha visto Toy Story ha podido identificar vivencias que todos hemos tenido en la soledad de nuestra habitación. Y ahí dieron en el clavo, haciendo esta recreación del mundo fantástico que a todos nos habría encantado que sucediese detrás de la puerta de nuestro cuarto.

A esta idea, fácil en su planteamiento pero compleja en su desarrollo, hay que sumarle la jugada maestra que hicieron al completar la fantasía mezclándola con una ejecución en la realidad: ya que iban a contar una historia sobre juguetes, ¿por qué no venderlos al salir del cine? Y así fue. Disney y Mattel supieron prever con un gran ojo comercial que todos los críos íbamos a querer que nos comprasen lo que acabábamos de ver en el cine. Y en las tiendas de juguetes, entre 1995 y 1996, prácticamente todo estaba tomado por la comunión Disney-Mattel: sábanas de Buzz Lightyear (como las que se veían en la peli), juguetes de Buzz y Woody (como los que se veían en la peli), el renacer de Mr. Potato (tal cual aparecía en la peli), libros, discos, ediciones coleccionista, manteles, vasos... Toy Story fue una fiebre como jamás había visto Disney, incluso hasta hoy. A fecha de hoy, sólo sabría identificar la saga de Star Wars como empresa cinematográfica que haya causado más impacto comercial que la saga de Toy Story.

Por supuesto, Disney tampoco ha vuelto a ver una producción suya con tantas nominaciones y premios en su haber como esta saga que, de haber existido la estatuilla de mejor película de animación en 1995, sin duda se habría llevado.

En el plano musical, no se puede hablar (como en ninguna película de Disney) de una banda sonora, sino de la adaptación a cada idioma. Y en el caso de la banda sonora original en español, las canciones se convirtieron en todo un himno para los que éramos niños y que aún sigue en nuestras mentes ('Hay un amigo en mí', 'No sé qué va a ser de mí', me las sé de memoria y siempre me parece un buen momento para canturrearlas).

Las voces, tanto en inglés como en español de España, fueron un notable acierto, a pesar de no haber seleccionado a Jordi Brau (actor habitual de Tom Hanks, quien dobló a Woody en la versión en inglés), eligiendo a Óscar Baberán, quien elaboró al Woody que todos tenemos en la memoria y que sigue siendo irreemplazable como personaje carismático, guasón, histriónico y apocado, que se completa con el genial Buzz Lightyear, a quien contempla como enemigo pero en el que acaba descubriendo a un amigo de una personalidad desbordante.

Y es el punto clave: la personalidad de los personajes. Ahí es donde reside la clave del talento de Pixar: otorgar de tantísima expresividad a un puñado de píxeles, a una simple animación de ordenador.

En definitiva: una película fresca, novedosa, implacable al paso del tiempo, carismática y muy distinta a cualquier producto de Disney, hasta la fecha. Para mí, la película de animación por excelencia.

El ciclo de James Bond se cerró claramente con Pierce Brosnan. Todo lo que ha venido después no debería ser considerado parte de la marca 007, especialmente 'Skyfall'.

Hay que tener en cuenta esto porque la crítica es doble para esta entrega. Visto desde el punto de vista cinematográfico, es una buena película. Está muy bien construida y entretiene, que es su cometido, y lo hace con destreza. No he pestañeado durante las casi 3 horas que ha durado la proyección, y eso lo pueden decir pocas películas. Habría sido aún más interesante si el protagonista hubiese pronunciado más de 4 palabras en toda la película. Daniel Craig es quizá el actor que menos guión se ha estudiado de la historia de Hollywood, y este es un dato empírico.

La segunda crítica, como tomo de la colección 007, es completamente nefasta. Destroza todo lo que las películas de James Bond han construido durante 50 años.

La historia es simple: una negra logra acceder al archivo de donantes que empleó su madre para concebirla y descubre el nombre de su padre: un blanco que, además, es un mamón que tiene un concesionario de rancheras que anuncia acompañado de animales de circo en las madrugadas de la televisión local, una representación del empresario Cal Worthington.

De ahí sale una película muy entretenida y divertida con varios iconos de los 90, entre ellos, Will Smith. Una historia de tema racial sin un ápice de carga moral. En Hollywood una vez se hizo una película sobre blancos y negros donde nadie salía perjudicado y, además, en formato de comedia. Y esa es 'Made in America'.

Por supuesto, en una comedia, Whoopi siempre funciona. Y la insospechada combinación con Ted Danson, también. Ambos actores dibujan a personajes muy diferentes y complementados a la vez. El de Ted Danson está especialmente construido a base de tópicos, no siendo tan evidente en el de Whoopi: Al Jackson, un exitoso empresario blanco con una oficina de moqueta verde y cabezas de vaca colgadas en la pared, hortera, solitario y con una vida sentimental vacía y superficial.

Todo lo opuesto a Sarah Mathews, una especie de "reina de África", también empresaria, pero con un negocio basado en la cultura (una librería), con una familia y una vida estable. Lo único que comparte con Al es la falta de una relación sentimental.

Esto último es lo que empleará la película para unirlos a través de distintas situaciones cómicas que, por supuesto, correrán a cargo del hombre blanco, y nunca recaerán en la mujer negra.

Una película perfectamente construida y con un guión correcto que le da sentido a todo el visionado sin dejarse ningún frente abierto. Bastante clásica en su construcción y perfecta en su objetivo de ser una película amable para pasar un rato divertido.