También a mí me gusta jugar a imaginar, así que... imagino que un día cualquiera del año 1999 -después de despedir a Gore Verbinski, contratado inicialmente- los productores Jacobson, Goyer y Greene, se reunieron con el director Brian De Palma. Luego de motivarlo diciéndole que el presupuesto se había ampliado sustancialmente con el asocio de los señores G., le contaron que su propósito -ya que se acercaba el año 2001-, era hacer un filme que recordara el gran éxito de, Stanley Kubrick, "2001: A Space Odyssey", pero con un aire diferente al de la NASA; un desplazamiento más avanzado que la luna; una imagen más positiva de la tecnología; y con una historia que demuestre que, también entre los científicos, hay lugar para la socialización, la camaradería y el amor. Es decir, cuando el guion (que escribieran Jim y John Thomas, junto a Graham Yost), se le dio de nuevo a De Palma para que lo retocara y lo dirigiera, lo que se quería era borrar la idea de, tecnología = deshumanización, tan certeramente sembrada en los inconformes años '60.

¿Y se ha logrado? En parte sí. El taquillazo fue rotundo y mucha gente puede decir que no le gustó la película, pero, creo que nadie puede añadir que se quedó dormido, a menos que... Si usted aprecia el filme desde lo estrictamente argumental, lo que podrá ver es un verdadero derroche de amistad. Ningún astronauta es extraño a los demás, se quieren entre sí, comparten entre familias, se respetan y se apoyan incondicionalmente, es decir, esto es la NASA, al estilo Disney... no por nada, en algún punto de la película (descúbralo usted) el logo de Mickey Mouse aparece como sello de la casa.

También hay un cierto intento de acercamiento espiritual, donde queda claro que, la NASA, no es solo la empresa que ofrece los mayores ascensos, sino que “es capaz de llevarte hasta el mismo cielo, si así lo quieres”. Lo curioso, aunque no extraño, es que la tesis sobre el origen del hombre se ratifica en la idea de que venimos de marcianos y son ellos mismos los que nos llevan al cielo. Aventuradas especulaciones tendrán un buen lugar... y el filme redunda en el milagro de Jim McConnell, quien servirá de magnánimo ejemplar de la Administración Nacional de Aeronáutica y el Espacio, de los Estados Unidos de norteamérica.

Bien por mostrarnos, con suma claridad, cómo es el paso de la vida a la muerte para aquellos que hicieron bien lo suyo, pero, mal porque se notan los numerosos tópicos prestados de otros filmes de ciencia-ficción archiconocidos (“2001…”, “Contact”…), y sobre todo, por ese amasijo de ideas espirituales-evolucionistas-extraterrestres que no consiguen condensarse ni dejarnos plenamente satisfechos.

<<MISIÓN A MARTE>>, filme que protagonizan, Gary Sinise, Tim Robbins, Connie Nielsen, Don Cheadle y Armin Mueller Stahl, cuenta con dos o tres momentos muy interesantes y algunos positivos efectos especiales, y ésto hace que no esté exento de atractivo.

Joe lo tenía “todo” presupuestado. Su plan de secuestro número cinco no podía fallar y sus dos socios estaban “perfectamente” instruidos para que todo funcionara como un reloj. La víctima sería esta vez la pequeña Abby Jennings, y sus padres, William y Karen estaban debidamente ubicados como para tenerlos bajo control. “Uno trata de pensar en todos los detalles”, tendrá que decir el inconforme Joe, cuando se da cuenta de que hubo algo relevante que faltó ser indagado... y este "pan comido" se le convierte en un chicharrón quiebra muelas.

El director mexicano Luis Mandoki, nos ofrece un thriller bastante entretenido, en el que no faltan momentos de atrapador suspenso que nos mantiene bien agarrados siguiendo los incidentes que trama aquella pandilla de buenazos donde el único de cierto cuidado es el pobre Joe, quien sufre de una curiosa mezcla de egolatría, afanes de complacencia de reunir a las familias que el mismo desune, y rencores alentados por el desconocimiento de lo que realmente pasó en un hecho del pasado.

La historia, mezcla de cuento de hadas, drama pasional, trama policial con policías invisibles y hasta con un poco de humor negro, desluce un poco en algunas situaciones que resultan de poca solidez argumental, sobre todo en lo que atañe a la relación del doctor Jennings con Cheryl, la chica encargada de tenerlo bajo su control, y el mal sustentado y poco creíble suceso que explica las motivaciones de Joe para haber elegido como víctima a Abby. Este hecho pudo originarse en el manoseo que sufrió el guión, el cual primero fue escrito por el mismo autor de la novela “24 horas”, Greg Iles; pasó luego a manos de Don Roos; y al inicio del rodaje, por petición de los actores, volvió a manos de Iles, quien se vio obligado a reescribir sobre la marcha del rodaje.

Charlize Theron, en su rol de madre insumisa y de provocativa modelo dispuesta a usar inteligentemente sus encantos para superar su problema, es sin duda lo mejor de este contra todo entretenido drama, donde vuelve a corroborarse que secuestrar a una niña es uno de los peores negocios que puede asumirse, pues el universo jugará indefectiblemente su papel y concederá fuerzas inimaginables a aquellos padres –y a veces a los mismos niños- que asumen con entereza su posición de defensa ante la eventual situación de riesgo.

Como el aguerrido doctor Will Jennings, aparece Stuart Towsend, un actor poco conocido hasta entonces y quien tendría el privilegio de conquistar en la vida real el corazón de Charlize, con quien sostendría un noviazgo que duraría cerca de nueve años, al tiempo que repetiría con ella como protagonista en “Juegos de mujer” y tendría un cameo (sin crédito) en la escena de arranque de “Aeon Flux”. Después, en el 2007, sería Towsend quien dirigiría a Charlize, en la controvertida “Batalla en Seattle”.

Título para Latinoamérica: “ACORRALADA”

Una de las características esenciales del trabajo en equipo es la capacidad de ver más allá de los intereses personales para cohesionarse como grupo. El bien colectivo pesa por encima de los deseos individuales, y siempre ha de ser primero Nosotros, porque ahí también cuento yo. Implica humildad, desprendimiento, sentido de unidad, entrega… y así, solo así, habrá permanencia y todos saldrán beneficiados.

Esta cualidad es la que ha faltado y seguirá faltando en la mayoría de los grupos jóvenes ya sea de música, deporte, danza o cualquier otra actividad en la que el éxito y la popularidad estén en el camino. Y precisamente, por esta falencia es que son tan efímeros. Porque, como dice el viejo dicho “una cadena es tan fuerte como el más débil de sus eslabones”, y el mismo día en que el más débil de los miembros (en sentido de compromiso) se sienta el más fuerte del grupo y comience a creer que se merece más que los demás, ahí comenzará a resquebrajarse la estructura grupal.

“THE WONDERS” da buena cuenta de estas cosas y por eso creo que vale la pena como película. Se trata de un grupo rockanrolero de los años 60 que surge de la nada, se gana algún concurso, consigue grabar una de sus canciones propias, “That thing you do”, que ellos mismos venden… hasta que, con la ayuda de un manager visionario, el disco termina metido en la radio, alcanza el puesto 21 en las listas de Billboard, y el grupo llega a las manos de un productor de la disquera Play Tone, donde el éxito ya es tarea alcanzada.

Me sentí a gusto oyendo viejas canciones de rock´n´roll, y Tom Hanks, en su debut como realizador, consigue entregarnos a un grupo de chicos bastante simpáticos que nos reviven viejos tiempos, con los muchos encantos y sinsabores que ofrece el camino hacia la fama. Con esta aventura, Hanks no pretende hacer pedagogía y solo se limita a ilustrar –lo que también es pedagógico- las causales por las que esta banda, que alguna vez hizo escasa pero significativa historia, estuvo tan poco tiempo subida en las tarimas de la música popular.

Breve aparición de Charlize Theron en su primer rol acreditado, y por una sola vez superada en presencia fílmica, por una actriz con la que ahora ni siquiera cabría compararla.

“THE WONDERS” es una experiencia de inspiración, superación, exudación, y alguna pizca de romance… a la que, infortunadamente, le faltó cohesión para que pudiera llegar a crecer como las grandes ceibas. Y así, la fama luce como una mariposa que revolotea unos pocos días y luego termina pegada con un alfiler en una vidriera, donde sus encantos los miramos con nostalgia… y algunos quizás con arrepentimiento.

Cualquier hombre de pensamientos libres –y responsables- lo tiene ya bien claro: “El fin de la educación es enseñar a pensar por sí mismo”, pues solo así se hablará con autenticidad y se actuará independientemente, libre de cualquier yugo. Pero lo que quieren los gobiernos, secundados por los doblegados docentes, y fomentado -en su ignorancia y terquedad- por los padres de familia, no es educación sino ciega obediencia, no es capacidad de creación sino aprendizaje de procesos con los que se pueda servir a la industria y al comercio ya creados, y no es libertad sino sometimiento a las ideas de los que detentan el poder.

La Academia Welton de Nueva Inglaterra es, en 1959, y en palabras de su rector, la mejor escuela secundaria de los EEUU. Funciona con cuatro pilares: Tradición, honor, disciplina y grandeza. Y entre sus profesores, memorización, exactitud, y profundo respeto por los autores del pasado, son algunas de las formas como imparten sus enseñanzas. Pero, al empezar el nuevo año lectivo, un hombre pleno ha ingresado en el plantel. Su nombre de pila es John Keating, pero él prefiere que sus alumnos lo saluden como el poeta Walt Whitman saludaba al presidente Abraham Lincoln en uno de sus versos: “Oh! Capitán, mi capitán”.

Keating es un libre pensador y es un hombre que responde por una educación avanzada, progresista y concentrada fundamentalmente en el Ser. Sabe muy bien que “la poesía, el romanticismo y el amor son las cosas que nos mantienen vivos”. Y también tiene claro que “el poderoso drama prosigue con cada jornada y que tú puedes contribuir con un verso”. Entonces, como profesor de literatura, revivirá a los poetas muertos, Thoreau, Shakespeare… y al loco Whitman. Y siete muchachos que son sus mayores adeptos, entenderán a plenitud el mensaje del Carpe Diem (Aprovecha el día) y revivirán, ellos mismos, una vieja y apasionada aventura que el maestro vivió en su propia adolescencia.

El director australiano, Peter Weir, ha hecho con “EL CLUB DE LOS POETAS MUERTOS” un filme innovador y revolucionario en el mejor de los sentidos. El guión de Tom Schulman –merecido ganador del premio Oscar- se fortalece con personajes creíbles, fielmente extraídos de entre los estranguladores de ideales que pululan por casi todas las instituciones educativas, pero también sacados de entre aquellos pocos que hacen posible que el mundo y la sociedad sigan evolucionando lenta pero infatigablemente.

Robin Williams resulta encantador y muy convincente, como el profesor que pretende que sus alumnos batan sus alas y trasciendan los egoístas proyectos de sus padres que aspiran a abogados, médicos… y banqueros, sin contar con los sueños y anhelos de sus propios hijos. Y el grupo de jóvenes actores que constituye El club de los poetas muertos (Ethan Hawke, Robert Sean Leonard, Gale Hansen y demás) con mucho carisma y vitalidad.

Título para Latinoamérica: “LA SOCIEDAD DE LOS POETAS MUERTOS”

¿Queréis buscar delincuentes? ¡Los hallaréis profusamente en cualquier lugar donde halla competencia y donde se hagan apuestas! ¿Cuál es la razón?: La señora Ambición, sabe que muy bien que por allí podrá tentar a los débiles que buscan siempre el dinero fácil... y cada día, alguien se quedará con el dinero de otro… y ese mismo día, alguien le quitará a un tercero el dinero que antes había robado... Es el juego de la vida: ”Las cosas con las que pecas son las mismas que te servirán de castigo”. ¿Saberlo? Lo sabe todo el mundo, ¡a ver si un siglo de estos conseguimos entenderlo!

<<ATRACO PERFECTO>>, es la primera película que surgió tras la asociación entre el productor, James B. Harris, y el director, Stanley Kubrick. El guion lo escribió, Kubrick, partiendo de la novela, “Clean Break” de Lionel White, y fue ésta la primera vez que el director estadounidense pudo hacerse con un reparto calificado que incluía a, Sterling Hayden, como el hombre que quiere dar su último golpe y por lo tanto lo planea con la precisión del mecanismo de un reloj, y con la paciencia y atención que reclama una partida de ajedrez. Elisha Cook, en un difícil rol del que emerge con suma eficacia la dualidad humana, como el cajero que, por conservar a la mujer que desea, está dispuesto a torcer su rumbo con tal de complacerla; y Marie Windsor, haciendo de Sherry, es la primera “dulce” jugada del destino para poner obstáculos a lo que parece perfecto.

El filme resulta bastante entretenido y considero un rotundo acierto la manera como se hace intervenir al indefectible Fatum para redundar las cosas. Es lo que nos hace inevitable esbozar una sonrisa, cuando alguien en su arrogancia-ignorancia al planear algo incorrecto, sostiene que, “saldrá perfecto, pues, no tiene falla”.

No obstante que, el rodaje también fue planeado aplicando el método del ajedrez que le enseñara su padre, siento que a, Stanley Kubrick, se le fueron las luces en dos cosas básicas: 1. Al incluir esa burda narración en situaciones que pudieron suplirse con un solo plano. Doy un ejemplo: Decir que, “Mike llegó a la estación de autobuses a las 11:29”, cuando detrás suyo hay un reloj desde el cual pudo iniciarse la escena. Pero, el peor error, me parece, fue ese “novedoso” montaje siguiendo el estilo de la novela, donde se repiten algunas situaciones dizque para mostrarlas desde el punto de vista de otro personaje. Su improcedencia fue clarísima: confunde al espectador, no agrega nada nuevo, y no era en absoluto necesario.

Me gustó volver a ver a, James Edwards (“Home of the Brave”), como el amable guardián del aparcadero del hipódromo y, en resumidas cuentas, el filme sale avante con esa historia donde, la ambición y el destino, juegan una estupenda partida.

Título para Latinoamérica: CASTA DE MALDITOS