Película con un claro aroma al clásico cine negro estadounidense, que me deja un sabor agridulce, ya que teniendo un gran potencial, se pierde en varios aspectos que hacen que el film de Edward Norton pierda fuerza y valor artístico.

En lo que se refiere a los aspectos positivos, la peli de Norton evoca, como he dicho anteriormente, al gran cine negro estadounidense de los 40 y 50. Esto se refleja principalmente en la hermosa fotografia de Dick Pope que nos retrotrae a ese clasicismo noir con un magnifico tratamiento de las luces y las sombras que dotan al film de un aroma a cine clásico puro y duro. También el enrevesado guión, en el que a veces se denota una cierta confusión por tanta información y personajes implicados, consigue que nos vengan a la memoria aquellas tramas detectivescas y de intriga de películas como Retorno al Pasado. El montaje y unas actuaciones sobrias tanto de Norton, Gugu Mbatha-Raw o Baldwin completan este noir con claros toques de cine social. Dafoe está sensacional y cuando aparece se come literalmente la pantalla.

Los aspectos que restan gran interés al film se centran sobre todo en el guión y en algunos fallos en flashbacks muy estrepitosos. Además creo que le sobra metraje. El guión a veces es confuso y enrevesado. Especialmente en el tramo final. Es el principal talón de aquiles de la película. Y que decir de algunos recursos utilizados en los momentos en los que el personaje principal intenta recordar datos que le lleven a completar este rocambolesco rompecabezas, son nefastos y en conjunto desentonan bastante en el desarrollo de la historia, tanto a nivel técnico como narrativo.

En cuanto a la historia, supone una radiografía del poder que nos deja varios detalles.En primer lugar refleja una clara división entre las personas que utilizan el poder para hacer de este mundo un lugar más hermoso para vivir y las que utilizan el poder para beneficio propio machacando a todo lo que se ponga por delante, sea en forma de racismo, machismo, xenofobia...
En segundo lugar pone encima de la mesa que la mentira, la traición, la ruindad y la corrupción son mecanismos muy comunes en esta sociedad urbana en la que todo se construye en nombre del progreso. Y que solo la honestidad de algunas personas nos pueden salvar de este sinsentido que supone la construcción de megaciudades en las que el ambiente se hace completamente irrespirable.
Y por último también pone de manifiesto que el ejercicio del poder no depende tanto de la clase social, sino que cualquier persona, sea cual sea su condición socieconómica puede ejercerlo en su contexto más cercano el influyendo en él de manera negativa o positiva dependiendo de qué manera enfoque ese poder que todxs tenemos en nuestro interior.

Lo dicho película interesante, pero con algunas lagunas que la merman en su calidad.

6.5

En este tercer largometraje de Andrei Tarkovsky, el autor ruso nos lleva al límite de nuestra conciencia, regalándonos una obra maestra de la ciencia ficción que deja un poso intelectual, emocional y espiritual bastante profundo.

Solaris es una obra de un profundo calado místico, como todas las del genio ruso, en ella caben un amplísimo abanico de reflexiones e interpretaciones, signo este que muestra la grandeza de cualquier obra de arte.
A mi modo de ver el océano representa la Conciencia, mientras que los humanos que llevan la misión de estudiarlo representan la Ciencia. Así nos encontramos con que el humano pretende estudiar su propia conciencia (Solaris) a través de la Ciencia. A medida que la historia se desarrolla aparece el miedo, miedo que tiene su base en el desconocimiento. Es una gran metáfora del desconocimiento de nosotros mismos.
Los visitantes son proyecciones de cada uno de los miembros de la tripulación. Estas proyecciones provienen de ideas y experiencias pasadas o en ocasiones también de ideas e imágenes que se proyectan en el futuro. Como proyecciones, no son humanos y, por lo tanto, carecen de identidad. La desesperación de Hari (Natalya Bondarchuk) tiene su origen en la falta de ese conocimiento de sí misma. A medida que toma contacto con Kris (Donatas Banionis), su ex marido, conoce el amor y ese amor la humaniza, desarrollándose poco a poco en ella una identidad propia. Por lo tanto, el Amor y el Autoconocimiento son lo mismo y son la auténtica base para que el ser humano pueda recobrar su felicidad.

El otro tema fundamental en Solaris es la pérdida. La historia de amor de Hari y Kris representa el miedo a perder a la persona amada. En un momento de la película, Kris dice algo así como que sólo se ama a quién se puede perder. Todas las muertes y resurrecciones de Hari reflejan la angustia y la desesperación que produce la pérdida del ser querido. La simple idea de separación genera una ansiedad increíblemente reflejada en la escena en la que Hari atraviesa la puerta, desesperada porque no encuentra a Kris en la habitación, es una escena aterradora. Así, tenemos aquí otra idea que se puede extraer de Solaris: solo se ama lo que se puede perder.
Los visitantes me recuerdan bastante a los replicantes de Blade Runner, principalmente por la búsqueda de la identidad y del amor humanos.

En el apartado técnico Solaris destaca por su cuidadisima fotografía, que cambia de tonalidades en ciertos tramos de la cinta, pasando de colores azulados a sepias. Cada plano de Tarkovsky es un cuadro, una bella pintura. El ruso fue un cineasta único capaz de crear un lenguaje cinematográfico propio en el cual la poesía y lo místico se entremezclan. Además, Solaris posee grandes dosis de intriga y consigue crear tensión mediante unos recursos simples pero bien planificados (la llegada de Kris a la estación es un gran ejemplo de ello).

En definitiva, Solaris es una película sombría, mística y poética. Es una fascinante obra maestra.

Según las criticas que había leído de esta película, tenia ciertas expectativas a la hora de abordar su visión, pero desafortunadamente me decepcionó a nivel general.

Rosa (Candela Peña) es una mujer que siempre está al servicio de los demás, le cuesta poner sus límites, se ha dedicado toda su vida a complacer a su familia, sin tener en cuenta en ningún momento sus necesidades. Así nos encontramos con una mujer saturada, tanto en la relación con su familia como en su trabajo. Todos dependen de ella para que las cosas salgan bien y es, como en un pasaje dirá su hermana, el auténtico corazón de la familia. En el momento que dice basta y coge las riendas de su vida, todo alrededor de ella se derrumba y a consecuencia de esto su entorno comienza a pedir explicaciones.

A partir de esta premisa (muy tópica por otra parte) de desarrolla el film de Iciar Bollaín. La mayor parte de la película me parece un ejercicio sensiblero y muy típico sobre como una persona desprovista de autoestima y de seguridad en sí misma coge el "toro por los cuernos" y se hace responsable de su propia vida. Tanto el personaje de Rosa como el del padre, hermanos y su hija me parecen bastante arquetípicos. Bollaín no ahonda en la psique de sus personajes y los reviste de comportamientos y actitudes bastante tópicas y previsibles.
Además hay unas cuantas situaciones que no me parecen nada creíbles, la más llamativa a mi parecer, es en la que Rosa explica a sus hermanos su situación y el por qué ha decidido cambiar de aires. En todo momento no encuentra en su familia la comprensión que ella necesita, pero aquí y como por arte de magia, la actitud de sus hermanos cambia de manera drástica y se convierten en los principales valedores de la nueva vida de Rosa.

Técnicamente la película no está mal. La fotografía es colorida y entusiasta y las interpretaciones tanto de Candela Peña como de Nathalie Poza son aceptables. El guion peca de diálogos y situaciones previsibles.
Me ha parecido una típica comedia dramática del montón y no responde a la calidad de otros títulos de la directora.

Buena película y agradable sorpresa, ya que no conocía ni el film ni a su directora.

El personaje de Anne (Tryne Dyrholm) me parece uno de los más duros y complicados que yo haya visto en una pantalla. Magistral interpretación de lo que en primera instancia en un despertar sexual pero que acaba convirtiéndose en una pesadilla. Y es que cuando Gustav , el hijo de la anterior pareja de Peter, irrumpe en la casa familiar genera una sacudida que a la postre se convierte en un absoluto infierno.
En un primer momento la llegada de Gustav provoca una serie de conflictos, especialmente con su padre, ya que este proviene de un internado, algo que se ve reflejado en su difícil carácter. Pero pronto, se empieza a advertir en Anne, un acercamiento a Gustav que poco a poco adquiere un cariz sensual y erótico. Estamos ante el despertar sexual de una mujer reprimida, hastiada por la monotonía de un matrimonio en el que las discusiones y la soledad son protagonistas. En estos momentos Anne aparece muy atractiva.y se torna joven y apasionada.
Cuando todo explota, aparece una Anne autoritaria, manipuladora, y sumamente cruel, tanto con Gustav, como con Peter. Es impresionante la poca humanidad que muestra.
Otro aspecto relevante, es el hecho de que como abogada, Anne defiende a chicas maltratadas por chicos. En su trabajo ella se muestra firme y con la convicción de que la justicia existe y que ella misma es una de sus portavoces. La hipocresía es brutal y hasta inverosímil.
Por otra parte, Peter representa el polo opuesto a Anne. Es calmado y siempre busca huir de la confrontación. Su posición con respecto a su hijo es muy compleja, ya que nunca ha convivido con él y ha estado completamente ausente durante su infancia. Esto provoca que Gustav esté absolutamente decepcionado con su padre, lo que en gran parte genera ese carácter suyo tan conflictivo y agresivo. La relación entre los dos es tensa y desafiante. La irrupción de Anne en la vida de Gustav, desemboca en una calma aparente de este, y que a la postre sera una cruel paradoja de la inocencia rota.
En cuanto al plano técnico destacar la hermosa fotografía, en la que predomina la luz. La banda sonora aporta tensión y emoción.El ritmo es pausado y si que es verdad que hay algunos planos que me sobran, pero en conjunto técnicamente es una buena película. Recomendable.

Emotiva e intimista película del realizador finés Klaus Haro. El artista anónimo es una obra que desconocía, pero que me ha emocionado profundamente. Sin duda es una película a descubrir, una de esas pequeñas joyas que producen una gran satisfacción cuando uno la visiona.

Olavi (Heikki Nousiainen) es un ya veterano vendedor de arte que se queda fascinado por un retrato sin firma que descubre en una casa de subastas. Olavi es reservado, curioso, observador, taciturno y gran apasionado de la pintura. Está pasando por un momento económico complicado, motivado por la gran transformación que el mundo del arte ha sufrido en los últimos años, un mundo en el que prima más el dinero y la apariencia, que la creatividad artística y la investigación.
En este orden de cosas, Olavi se encuentra con que tiene que lidiar con su nieto, por un tema disciplinario de este. Hecho que genera entre los dos un gran acercamiento (a pesar de que el al principio hay una gran reticencia por parte de Olavi), un acercamiento que será clave en el desarrollo de la historia.

El artista anónimo es un drama que explora gran variedad de temáticas. Desde la redención, el choque generacional o la incomunicación entre padres e hijos hasta la corporativización y banalización del mundo del arte
Aunque creo que por encima de todo, el film que nos ocupa es una historia de redención de un padre que durante toda su vida se ha centrado en su negocio y se ha olvidado de su familia. Es una historia de reproches, de encuentros y desencuentros entre un padre y una hija cuyas vidas se han mantenido al margen durante muchos años.
Otto (Amos Brotherus) nieto de Olavi, es un personaje clave, ya que a través de su figura Olavi es consciente del alejamiento y el daño que ha causado a su hija, lo que conlleva a que por primera vez pida perdón y comiencen a cicatrizar sus heridas familiares.
La película además es una crítica importante al mundo del arte. Un mundo que, como decía más arriba, se ha convertido en un negocio, un mundo en el que la ostentación, la banalidad y el dinero predominan convirtiéndose en una lacra para personas que como Olavi, son apasionadas de verdad por la creatividad y calidad artísticas. Esta idea se ve reflejada de una manera muy clara cuando el viejo se ve obligado a vender su tienda, siendo sustituida por una National Gallery llena de luces y pomposidad, pero vacía de alma.

Técnicamente, la banda sonora resulta muy emotiva y la estética es intimista y sencilla al mismo tiempo. La fotografía está muy cuidada, y en general el guion funciona bien. Grandes interpretaciones tanto de Nousianien, como de Brotherus.

En fin, espero que esta crítica sirva para que pequeñas joyas como la que nos ocupa se descubran y sean más reconocidas a nivel internacional.