El esperado estreno de la serie Memento Mori vuelve atraernos a la memoria el universo creado por César P. Gellida, un autor que se ha hecho un hueco dentro de la novela negra española gracias a una enorme capacidad de trabajo, a su carisma personal y a su labor en redes sociales.

Es el propio autor quien reconoce escribir en un estilo cinematográfico, de modo que el séptimo arte ya estaba impreso en el ADN de sus novelas desde el mismo momento en que empezaron a publicarse. A nadie le sorprendió que las calles de Valladolid aparecieran un día cortadas para rodar los capítulos de esta miniserie.

Por desgracia, la expectativa generada se ha quedado parcialmente desarbolada una vez vistos los dos primeros capítulos, por culpa de algunos defectos que ya son un clásico en el cine español:

-La dificultad para entender lo que dicen algunos personajes.

-La escasa credibilidad de algunos diálogos, que unas veces no son naturales (lo que sabotea la labor de los actores) y otras veces copian inconscientemente a los personajes de las películas y series de EEUU.

Aquí cabría mencionar que el uso del ‘usted’ entre Sancho y Martina es forzado y poco natural, pero es que además se produce mientras ambos babean y apenas contienen el impulso de arrancarse la ropa interior. No me lo creo.

-El actor que hace de Sancho está en su papel la mayor parte del tiempo, pero el espectador arqueará más de una ceja cuando vea la presentación del personaje, que iguala en fuerza y sangre fría a los protagonistas de las pelis yanquis de puñetazos. Son detalles que habría que haber evitado.

-La actriz escogida para encarnar a Martina despierta nuestra simpatía, pero muchos de nosotros pensaremos que no es la Martina de mirada aguda que seduce al madero por su inteligencia, sino una chica a la que -sinceramente- no vemos dando clase en la Universidad ni contribuyendo a esclarecer una serie de asesinatos. Error de casting, y que me perdone la actriz.

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Con todo, hay una baza que se ha dejado escapar aún con mayor menoscabo para la serie: la aparición de Echanove/Carapocha no se hace esperar apenas, y cuando llega resulta un personaje anodino, sin la vis cómica que posee el actorazo escogido y sin las posibilidades que brinda el personaje de la novela, sin duda el que a priori era más aprovechable (opinión compartida por el propio Gellida).

En el plano personal, también cabe lamentar que la serie no saca partido al casco histórico de Valladolid ni a su río, a pesar de la aportación económica que se realizó por parte del Ayuntamiento (entonces en manos del socialista Óscar Puente) dentro de las labores de producción.

No se compensa con las menciones demasiado explícitas a la DO Ribera del Duero, que se suceden tanto en la novela como en la serie, y que resultan francamente chirriantes.

Con dolor, le doy un 6 a la serie.

Mi reseña de ‘La imatge permanent’ iba a incluir un agradecimiento a la Seminci por incluir este tipo de cintas independientes, de ensayo, en cuya producción participan múltiples partes pero que no hace concesiones al mercado ni a los caprichosos gustos del público.

Un festival que defiende su identidad de cine de autor debe tener como ‘timbre de honor’ el contar con este tipo de producciones. Máxime en un año como 2023, con nuevo director y con una crítica que ha lamentado el “exceso” de cine español en la sección oficial.

Esta película, digámoslo ya, estaba destinada a un circuito marginal, quizá con algún hueco en Filmin o Flixolé, con un paso efímero -en el mejor de los casos- por las salas minoritarias, como las que aún quedan en Valladolid, la ciudad que acoge el certamen.

Podía haber tenido alguna posibilidad de haber tenido algún premio de los considerados simbólicos, como el Premio el Público, pero el espectador ya habló en el pase del Calderón, principal sede del festival, con muy escasos aplausos (emitidos sin convicción y por mero compromiso) y algún pataleo.

No era un público palomitero. Estaba compuesto por personas que habían dejado sus quehaceres un jueves por la mañana (en el pase al que pude asistir), cinéfilos recios que llevan tres décadas pisando la moqueta roja, ahora verde, de la Seminci.

Pero hete aquí que ‘La imatge permanent’ ha ganado la Espiga de Oro de la 68 edición de la Semana Internacional de Cine y lo celebro por lo que significa para su equipo, para el cine español, para el cine en catalán y para algunas de las joyas que hemos descubierto gracias a la cinta, como la enorme Rosario Ortega.

Sin duda recorrerá los cines, cubrirá gastos y será bien mirada por un público que siempre ve con buenos ojos la apuesta de este certamen.

Se percibe en las notas de los usuarios de filmaffinity, que hace 24 horas acumulaban suspensos a esta película y que, de forma sorprendente, en el momento de escribir esta crítica solo suma dieces y ya supera ampliamente el aprobado.

Mi nota fue de un 4 y sigue siendo un 4.

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La película se dedica a vacilar al público mientras lo aburre, con una ruptura de la historia transcurrido el primer cuarto de hora que hace pensar que nos hallamos antes dos historias diferentes.

De hecho, el espectador no sabe si ambas están relacionadas (¿Quizá una peli compuesta por diferentes cortos?). Lo puede barruntar durante media hora y sale de dudas al final, si es que no se ha quedado dormido.

Porque los diálogos incoherentes, la sucesión de gags que no son gags y algunas actuaciones (no daremos nombres) le llevan a uno a pensar que se están riendo de él.

Tampoco cuadra que la Andalucía rural que se nos muestra fuera así (venteando el cereal...) hace 50 años. Uno más de los detalles que desequilibran a quien -con infinita paciencia- aguanta en la butaca.

HBO ha tenido la visión comercial de llevar a la pequeña pantalla un éxito editorial absoluto, pero sobre todo ha tenido el buen gusto de ponerlo en manos de alguien que ha conocido y sufrido, como vasco que es, el último de los conflictos de nuestro siglo XX.

Ante la eterna duda de mantenerse fiel a la novela o, por el contrario, crear una obra nueva a partir de la historia ofrecida en papel, Aitor Gabilondo ha optado por la primera fórmula.

Gracias a ello, la tragedia escrita por Aramburu para un país donde se lee muy poco va a poder llegar a millones de espectadores, algunos de los cuales son unos privilegiados: no tienen ni idea -por edad- de lo que fue ETA, de lo que supuso de sufrimiento insondable para cientos de miles de familias; de pesadilla para el País Vasco y para el conjunto de España.

Como padre, me ha tocado explicar a mi hijo de once años el porqué de semejante título, 'Patria', para un libro y una serie de televisión. Modestamente, le he tenido que describir la carga emocional que supone para tantos millones de personas esa palabra que, en el fondo, tanto dolor y sufrimiento y sangre arrastra y ha arrestado siempre.

Patria, Aberria, Fatherland, Vaterland, Patrie. Se podía haber titulado de muchos modos y en todos ellos el significado habría sido el mismo: el nacionalismo, o la nacionalitis, que tantos conflictos ocasiona, como el propio Aramburu recita a quien quiera escuchar.

En el plano cinematográfico la serie no arranca bien y amenaza con quedar en un 'bluff' como tantos, dejando en nada la enorme expectativa creada en torno a ella. Después remonta y nos hace empatizar con los personajes. Con todos los personajes, por mucho que la razón nos diga que el dolor estuvo repartido, claro que sí, pero que había víctimas y verdugos, y que ambos roles no se pueden equiparar.

Esa mejora en la calidad de la serie se puede atribuir al buen hacer del director, pero también a la lluvia, al sabio uso del flashback y a unos actores que (alabado sea el señor) son vascos en su mayoría. Aquí se destaca respecto a otras series aclamadas con razón, como 'La línea invisible'.

Parece creíble el ambiente ochentero recreado (ese kalimotxo que sirven en el Arrano es de verdad y no mero atrezzo) y también las reacciones de los personajes, por mucho que algunas parezcan sacadas de quicio ("¿quieres que te haga algo de cenar?"; "fóllame").

Por desgracia, también son verosímiles la chapuza de incluir al Txato en la lista negra sin una razón coherente, las torturas a manos de la policía y esa llamada telefónica heladora, que tantas veces se repitió: "Txato, jódete".

Podemos estar ante uno de los acercamientos definitivos, desde el séptimo arte, al mundo de ETA.

Tres años habían transcurrido desde el estreno de ‘La Reina de África’ y Otto Preminger realizó su primera incursión en el western con una réplica moralista a la obra maestra de John Huston. Compacta, ceñida a los cánones clásicos y cargada hasta las cachas de valores tradicionales, ‘Río sin retorno’ ofrece una narración extraordinaria en la que se ensalzan la familia, el trabajo y la violencia ‘legítima’, al tiempo que se condenan el culto al becerro de oro y la vida licenciosa.

La ventaja de haber visto tanta ficción norteamericana a lo largo de décadas es que te permite ir varios pasos por delante de la trama cuando te sientas a ver series como ‘Parot’, un producto en el que nada es original y todo es predecible.

Se perdonan los errores lógicos y de continuidad (un lago en el que no se sabe si haces pie o si rivaliza en profundidad con la fosa de las Marianas, unos dardos en la diana de la habitación que aparecen y desaparecen…), incluso con reacciones poco creíbles de los personajes, cuando nos encontramos ante productos sólidos, consistentes.

Pero no es el caso de esta pequeña serie española, que dentro de un año habrá desaparecido de nuestros recuerdos y que utiliza como ‘percha’ un proceso escabroso, lamentable, como fue la anulación de la doctrina Parot sin armar un guion que esté a la altura desde el punto de vista histórico, político y jurídico.

Se plantean preguntas, es cierto, pero ni al hacerlo ni, sobre todo, al esbozar las respuestas nos encontramos ante una serie que vaya más allá del telefilme de sobremesa.

No hay nada grande ni ambicioso en este producto como para abrir un debate o sentar un precedente en la reflexión sobre víctimas y victimarios, sobre ley procesal, sobre derecho penitenciario o sobre reinserción.

Son temas delicados, por supuesto, y para entrar en ellos se debe hacer desde una apuesta arriesgada, bien construida, aunque desde el público se escupan las palomitas y se te llame ingenuo, buenista, fascista o lo que sea.

Bien por Adriana Ugarte y por la mayor parte del elenco. Son sinceramente lo mejor de este producto mediocre, que no trata al público con respeto.

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Edito mi crítica para destacar que la serie mejora en sus tramos finales. Pero si esto es así, no se entiende que en una obra de estas características se reserve el talento para el final, con el riesgo de que numeroso público se quede a mitad de camino y te haga perder audiencia y futuras posibilidades con las plataformas de entretenimiento.