"Memoria", película que se hizo con el premio del jurado en el Festival de Cannes, es un proyecto atípico a cargo del director tailandés Apichatpong Weerasethakul, localizada en Colombia y protagonizada por Tilda Swinton, pretende ser una experiencia sensorial y emocional desligándose de la narración tradicional.

Jessica Holland (curiosamente llamada igual que la mujer muerta en vida en "I Walked with a Zombie") una inglesa radicada en Medellín, viaja a Bogotá a visitar a su hermana que se encuentra enferma por una extraña afección respiratoria, en su visita es despertada por un fuerte golpe que solo ella puede escuchar y que al parecer la persigue, la búsqueda de Jessica por encontrar el significado de ese sonido es lo que da sentido a la trama.

Weerasethakul ganador de múltiples premios en Cannes es conocido por dar a sus obras una atmósfera fuertemente sensorial en donde lo contemplativo tiene más relevancia que lo narrativo, sin embargo, en el caso de "Memoria" a mi forma de apreciar falla en ambos frentes.

La película pretende contar una historia con fluidez narrativa creando diferentes entramados que llevan a Jessica a ir tomando decisiones, hilos que van desapareciendo por el camino sin concluir, ya que al final se centra en lo sensorial quedando vacía en la forma como lo hace.

De una manera casi ritual la película habla de la perpetuidad de los recuerdos, esos que viajan a través de diferentes anfitriones y se hacen eternos, una linda premisa si se piensa bien, pero el montaje y la dirección arruinan la experiencia; entre largos planos que al final no cuentan nada, situaciones irrelevantes e inexpresivas que matan la fluidez de la cinta y poca personalidad de lo que ocurre en pantalla y de los personajes incluida para mi sorpresa el personaje de Swinton, esa elaborada idea se queda en el tintero, ya que se siente pesada y poco atractiva en su forma y en sus diálogos sin nunca llegar a enganchar.

En lo personal me decepcionó, siento que trata de abarcar algo más profundo de lo que pudo poner en pantalla, pero al final se siente como un muerto caminando sin rumbo al igual que la zombi Jessica Holland.

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Fernando Trueba, director español ganador de un Oscar se muda a Medellín para adaptar una de las novelas más emotivas de la literatura colombiana "El olvido que seremos" la cual cuenta la historia de Héctor Abad Gómez, médico y luchador por los derechos humanos; escrita por su hijo homónimo bajo su punto de vista y resaltando los valores y la valentía de su padre así como su relación con él y que aprovecha para hablar del extremismo político que desencadena la violencia desmedida.

La adaptación a la pantalla está muy bien lograda, aunque termina pasando varios detalles por encima sin razón y deja otros de lado (probablemente el mayor error de la película), lo que pretende contar se hace con creces, una historia altamente emotiva y dolorosa de un hombre íntegro y con demasiado corazón para compartir con su familia y con los necesitados.

De manera brillante Trueba nos regala dos películas; una a color, emotiva, cálida y graciosa en donde Héctor Jr. siendo un niño ve a su padre como un arriesgado héroe y modelo a seguir, donde todo parece ser más bonito y esperanzador. La segunda hecha en blanco y negro y ya con Héctor Jr. siendo un joven nos traslada a una Medellín fría y violenta en donde constantemente hay un aire de que algo malo va a suceder y donde el padre busca ser una luz en la oscuridad. El trabajo de fotografía merece aplausos por entregarnos ese para de universos tan distantes pero precisos narrativamente.

Javier Cámara actor español que interpreta a Héctor Abad Gómez resulta ser la joya de la corona, su actuación es magistral, su personaje desprende carisma y empatía todo el tiempo, un acento colombiano perfecto y una química con el resto del reparto que constantemente nos hace sentir como si fuera una familia de verdad, porque al final "El olvido que seremos" es una película sobre la familia una en la que hay momentos altos y momentos bajos y que en el caso de esta tenía como cabeza a un héroe que no necesitó presumir para dejar huella.

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Dune es de esos proyectos que no pueden pasar desapercibidos. Una las obras de ciencia ficción más comentadas, vendidas y estudiadas, que ha buscado desde los 70s un lugar en el cine como una de las grandes franquicias del género seguramente al lado de Star Wars. Alejandro Jodorowski hizo el primer intento de ponerlo en pantalla, un proyecto de largo desarrollo que no dio a luz por el constante aumento de presupuesto, le siguió el aclamado David Lynch que lo adaptó en 1984 y fue un desastre crítico y financiero, Denis Villeneuve se encarga de esta nueva adaptación que con algunas bajas y muchas altas reivindica el enorme valor de la saga.

Villeneuve como director de ciencia ficción con “Arrival” y “Blade Runner 2049” ha ido perfeccionando un estilo en el género cargado con mucha personalidad que toma distancia de las formas narrativas convencionales en este tipo de películas y es en Dune donde ha podido llevar todas estás ambiciones a la realidad, la película se siente majestuosa, recuerda a las obras clásicas del cine épico. A nivel visual, técnico, sonoro y artístico, la cinta es toda una proeza desafortunadamente poco valorada hoy en día en tiempos de streaming y efectos visuales desmedidos.

Dune pasa de la constante y frenética acción y la manipulación emocional común en estas cintas y se centra en presentar un universo majestuoso, a pesar de su larga duración, el ritmo si te atrapa se mantiene arriba, el reparto abarrotado de estrellas deja sabor a poco con varios personajes que no se desarrollan bien, pero no es el caso de sus protagonistas, Timothée Chalamet y sobre todo Rebecca Ferguson, los cuales brillan actoral y narrativamente y se marcan un inmenso crecimiento narrativo y espiritual.

Funciona como abrebocas de proporciones épicas de una ambiciosa franquicia, puede llegar a incomodar a un público en búsqueda de algo más convencional, sin embargo, gran su magia depende de esa autenticidad que transpira escena a escena.

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Henri-Georges Clouzot fue conocido como el Hitchcock francés, sus películas solían estar bañadas en altas dosis de suspenso, ironismo y tensión. Su obra más exitosa salió a la luz en 1953, “El Salario del Miedo”, en ella cuatro europeos atrapados por diferentes razones en un aislado pueblo de Latinoamérica encuentran como único boleto de salida un peligroso trabajo para una petrolera que consiste en transportar camiones totalmente cargados de nitroglicerina altamente explosiva por unas destruidas y peligrosas carreteras. Una Road Movie llena de emociones intensas y situaciones destructivas a nivel emocional.

Discutiblemente una de sus dos mejores películas (junto con “Las diabólicas”), Clouzot propone en esta película un estilo de narración sumamente tensa donde el peligro se siente fotograma a fotograma, una tensión que no solo está presente en el intenso detalle de cada acción ocurrida en pantalla, sino que también encuentra lugar en las emociones, miedos y dudas de los personajes, cuyas decisiones y acciones irán destruyendo su racionalidad e incluso su moralidad.

Yves Montad y Charles Vanel son sus protagonistas quienes se dejan su alma en la película, aprovechan ese viaje emocional que exige la historia, sus personajes representan a la perfección el deterioro humano cuando la ambición y el desespero se hacen cada vez más grandes, algo similar se puede decir de los otros dos personajes acompañantes aunque estos tienen mucho menos tiempo en pantalla. Caso contrario el de Véra Clouzot con una actuación tan forzada que incluso resulta incómoda y para fortuna nuestra su duración en la película es corta.

Una irónica obra sobre la ambición humana y sus inmediatas consecuencias, sorprendentemente realista para la época y con picos de suspenso impresionantes. Decepcionan algo sus últimos dos minutos que se sienten absurdos y patéticos, pero sigue siendo muy poco para manchar una obra tan perfeccionista como está que promete alta tensión y la entrega con gran medida.

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Céline Sciamma directora francesa con una emergente y prometedora carrera hace en “Retrato de una mujer en llamas” su más ambiciosa película hasta el momento, en la que vuelve a poner sobre la mesa la inquietud por la identidad sexual, en ella nos transporta a esa época en la Francia del siglo XVIII en donde las relaciones matrimoniales se forjaban a cambio y como parte de un juego de poder, de títulos nobiliarios y de poder económico.

La película nos cuenta la historia de Marianne una pintora la cual es encargada de hacer un retrato de Hėloïse, una chica aristócrata puesta en compromiso con un noble de Milan. Como requisito adicional el retrato se debe pintar de forma clandestina ya que Hėloïse no permitirá que la retraten. Entre gélidas caminatas a la playa, charlas literarias alrededor del mito de Orfeo y trazos de pintura secretos un pasional y prohibido romance nace entre las dos mujeres.

Una obra poetica cuanto menos, Claire Mathon su directora de fotografía aprovecha que la pintura es uno de los temas principales y realiza obras preciosas en cada fotograma como si de pinturas clásicas se tratara, su color, su composición y sobre todo la simbología detrás de cada elemento que se ve en pantalla hacen que la obra sea un espectáculo visual. La cámara se vuelve testigo de una constante evolución emocional y narrativa, la imagen trasciende y se termina apoyando a la perfección de elementos como el sonido y la música que a pesar de su constante ausencia cuando tienen que presentarse marcan picos emocionales inmensos.

Noémie Merlant y Adèle Haenel quienes interpretan a Marianne y Hėloïse constantemente transpiran tensión sexual y pasión. La química que hay entre las dos y la magistral actuación que entregan hace creíble y conmovedora esa relación que construyen pincelada a pincelada, absorben todo que pasa en pantalla incluidas las subtramas y personajes secundarios.

Me resulto magistral, poderosa, pertinente y más que recomendable.

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