Una muestra mas de la buena salud de la que disfruta el cine islandés. "A white, white day" es la segunda película de Hlynur Palmason, tras su debut con la multipremiada "Winter Brothers".
Le bastan 20 segundos al director islandés para meterte de lleno en la película: tras los títulos de crédito iniciales, una intrigante frase sobre el inmenso negro de la pantalla nos anuncia el viaje que estamos dispuestos a recorrer: “Cuando todo es tan blanco que ya no puedes distinguir entre el cielo y la tierra, la muerte habla con los vivos”.
Un automóvil circula por una estrecha y solitaria carretera: la niebla es tan densa que por momentos el coche se convierte en un fantasma que aparece y desaparece ante nuestra vista. Un curva cerrada y el salto al vacío: el automóvil rompe la valla de la carretera y se precipita sobre el mar.
La víctima del mortal del accidente es la esposa de Ingimundur (Ingvar Eggert Sigurðsson), exjefe de la policía local de un pequeño pueblo anclado entre el mar y las montañas. El dolor por la repentina pérdida se convierte en una carga insoportable para Ingimundur. Demasiados días juntos, demasiados recuerdos: no hay reforma del hogar o terapia psicológica, a la que acude semanalmente, que alivie mínimamente el desconsuelo de Ingimundur. Revuelve una y otra vez entre las pertenencias de su mujer esperando encontrar algo que haya preservado el mínimo rastro de su vida: tal vez en la ropa haya quedado impregnado su olor… Mientras revisa unas cajas encuentra unas cintas de vídeo de su mujer: unas grabaciones cuya existencia él desconocía. Su instinto de policía se reactiva, alimentado por un inquietante temor a que su mujer le hubiera sido infiel. El suspense se suma al drama y «A white, white day» comienza a tomar forma de thriller.

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Meritxell Colell Aparicio retrata con tanto respeto y admiración a la naturaleza, que esta le devuelve agradecida sus excelencias. “Con el viento” es un soplo de aire puro, un oasis necesario entre tanta polución visual. Cocinada a fuego lento, al calor de esa leña que Pilar, la madre de Mónica, corta a la puerta de la casa: la cotidianidad de la vida rural está presente en cada plano: la naturaleza, los trabajos del campo, las casas centenarias con sus muros de piedra, la partida de brisca al atardecer. La utilización de elementos propios del documental resultan del todo convincentes y están tan bien integrados en la ficción, que en todo momentos nos creemos como real, lo que la joven directora catalana nos cuenta.

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Ensoñadora poesía de lo cotidiano, naturalista y reveladora, Yara es una película tan sencilla y luminosa, como el hermoso valle de Qadisha (norte del Líbano) donde viven una joven huérfana de guerra y su abuela. La mayoría de los vecinos se han mudado a la ciudad, y los más viejos al descanso eterno del cementerio. Las casas abandonadas sucumben ante el empuje inexorable de la naturaleza, y el pueblo parece abocado a ser pronto, testigo mudo de un tiempo perdido en el olvido.
Los días transcurren con idéntica monotonía para la joven Yara: atender a los pocos animales que les sirven de sustento, lavar la ropa, tenderla al sol… No muy lejos de ella, sentada a la sombra de los árboles, su anciana abuela pierde su vista y sus pensamientos en la profundidad del valle: idílica postal repetida desde el principio de sus días.

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Bienvenidos al dormitorio real de Luis XIV, van ustedes a contemplar la agonía de un mortal que se creía un Dios, hasta que la ineluctable parca le tocó la pierna con su afilada guadaña, y la puesta de sol le recorrió el cuerpo llevándole al ocaso definitivo. Al director catalán Albert Serra no le interesa para nada la biografía del rey: sus logros, sus extravagancias, su apetito desordenado de concupiscencia. Serra le retira el palio, lo baja de su poltrona y le enfrenta a una muerte que ni el propio rey desearía al peor de sus enemigos. Sin embargo el director nos regala un comodín para que nosotros podamos reconstruir la exuberante vida de Luis XIV: la mirada de Jean-Pierre Léaud. Aquel niño que nos deslumbró en “Los 400 golpes” de Truffaut, y que da vida al Rey Sol, se bate en duelo con un plano secuencia de cuatro minutos mirando a cámara, mientras suena el réquiem de Mozart. Sin necesidad de la palabra, Léaud nos proyecta la mayestática existencia de Luis XIV: el poder totalitario que ejerció sobre su pueblo está en esa mirada arrogante. Igualmente está su riqueza obscena, sus palacios, sus amantes, sus jardines… Pero también en el brillo de sus ojos adivinamos el miedo a la muerte inevitable.
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Samuele, el niño de 12 años protagonista del documental y su natural inocencia infantil , ignorante de los dramas ajenos, simboliza la actitud mayoritaria de los habitantes de Lampedusa, y del total de la sociedad europea sobre la crisis de los refugiados. Samuele dispara con su gomero piedras contra enemigos imaginarios, mientras perdidos en la noche, una barcaza con 250 personas lanza una súplica desesperada de auxilio al centro de rescate marino que el ejercito italiano estableció en la isla. Su padre le cuenta lo dura que es la vida en el mar, siempre lejos de casa; y su abuela le relata historias de la guerra, cuando el mar de Lampedusa estaba rojo por la municiones que lanzaban los navíos.
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