La vida imitó al arte

¿Cuál fue el impacto social de la película en la época de su estreno? Según el valiosísimo documental acerca de la obra del director de El resplandor (1980) llamado “Stanley Kubrick: Una vida en imágenes”, los efectos y consecuencias de la exhibición de la película no se dejaron esperar. En Gran Bretaña comenzaron a ocurrir una seguidilla de delitos y crímenes realizados por jóvenes absolutamente inspirados en el filme. La prensa policial de la época tituló: Ataque tipo naranja mecánica, Los violadores cantaron la canción del filme, “Una banda tipo naranja mecánica mató a mi mujer” entre otros. Se acuso entonces al filme de inspirar crímenes brutales cometidos por jóvenes. Kubrick fue acusado directamente de asesinato y caos y fue posteriormente amenazado de muerte. Como consecuencia el director de "Nacido para matar" (1987) prohibió que la cinta fuera estrenada en Inglaterra, donde hasta 1999 estuvo clasificada en la categoría X, la misma categoría que tuvo en EE.UU. hasta 1972, donde posteriormente se eliminaron algunas escenas. Las violentas imágenes de la película de Kubrick motivan que hasta hoy esté prohibida en Corea del Sur y Singapur. También estuvo prohibida en Irlanda hasta 1999, y ahora se exhibe censurada. Se estrenó con escenas censuradas en Australia, Argentina, Chile, Finlandia, Francia, Alemania, Italia, México, Holanda, Noruega, Suecia y Japón.

Para finalizar sin palabras la dirección del maestro Kubrick, que con toda justificación durante toda su carrera fue catalogado como un director misterioso, solitario, meticulosos obsesivo, perfeccionista hermético, aturdido exigente, leyenda, con perverso sentido del humor. Todos estos calificativos, acompañados con el viejo Ludwig Van Beethoven y Rossini se traducen en tres palabras: LA NARANJA MECANICA.

Encuentro con el lado oscuro

Una de las imágenes que más me impresionó del film, fue sin lugar a dudas la entrada de Darth Vader. Era impresionante su presencia, su vestimenta, su voz, (bien en español, mejor en inglés) que manera Lucas de presentar un personaje tan siniestro y carismático al mismo tiempo. Con aquella partitura The Imperial March, del maestro John Williams que anunciaba la entrada del padre de Luke Skywalker, que alguna vez fue bueno, pero que ahora estaba del lado oscuro de la fuerza. Como curiosidad, en mi país algunos comparaban la imagen de DARTH VADER con la de Augusto Pinochet, (ex dictador de Chile) por la capa y el casco tipo soldado alemán. Además su imagen representaba el lado más oscuro y triste vivido por Chile a partir del año 1973.

La fuerza = FE

En aquel tiempo no comprendía el significado de “la fuerza”, concepto recurrente en toda la saga. Con los años pude comprender el simbolismo de aquella energía mística que movía a los caballeros Jedi y les daba su poder. Esta energía que mueve a todos los seres vivos en la tierra y el universo, es la certeza, confianza, seguridad, esperanza, convicción en lo que no se espera. Y como bien lo aclarara George Lucas, (en una entrevista) su película no es religiosa, sino apunta a una filosofía de vida para afrontar los obstáculos y ver como resolverlos. Es la FE que se pone en las cosas que se quieren y la actitud para lograrlas.

Episodio IV: UNA NUEVA ESPERZANZA ciencia ficción y entretención asegurada. Una película que todo niño y adulto debería ver en su vida. Una experiencia en lo personal maravillosa y existencial. Más adelante seguirán las aventuras de sus inconfundibles personajes, pero al mismo tiempo comienza el drama de Luke Skywalker, en la mejor parte de la saga el Episodio V: EL IMPERIO CONTRAATACA, imperdible y necesaria.

Los planos en steadycam, que durante gran parte de film siguen a “Randy”, nos muestra su mundo y donde incluso podemos escuchar sus problemas para respirar, lo que es un grito de alerta para su vida, pero para “El Carnero” las cosas están claras; su vida y su pasión es la lucha y nada más importa. La escena de la catarsis y explosión de “Randy” en el supermercado es de antología, es un momento descarnado, pero limpio y cristalino. Hace tiempo que no apreciaba una escena tan honesta y significativa en la pantalla grande acostumbrada sólo a mostrar artificios. La secuencia simboliza lo que les puede ocurrir a muchas personas que no se sienten bien con sus miserables vidas y simplemente desean gritarlo al mundo, por el simple hecho que se encuentran en el sitio equivocado y no aman lo que hacen.

El Rock y “Randy”

La banda sonora elegida para el film, es una selección de lo mejor de la escena Rock de los ochenta. Le venían como anillo al dedo a “Randy” rememorando lo mejor que había vivido durante sus años dorados. Por ejemplo el melancólico tema de Cinderella “Dont now what you got” (no sabes lo que tienes hasta que los pierdes) desnuda completamente al personaje, ahora un luchador de lucha libre en decadencia y no sólo en el plano profesional, sino también en lo personal. Nos indica que por diferentes razones Robison fue perdiendo todo aquello que amaba y que en su oportunidad no valoró. Ahora se encuentra en la más oscura soledad dentro de su camioneta, escuchando viejos temas que le parten el corazón. Durante su vida “El Carnero” no sólo ha recibido golpes dentro del ring, sino que también fuera de él. Golpes que según afirma le han lastimado mucho más que dentro del cuadrilátero de la gloria. Cassidy o Pam la streaper (Marisa Tomei) se convierte en su confidente y única amiga. Un interesante personaje tan parecido a él en su decadencia y que vive su propio infierno interior, cuando ya no se es tan joven, y su belleza no alcanza para seducir a sus clientes como antaño.

“El luchador” no se trata tan sólo sobre la decadencia de un personaje otrora ídolo de la lucha libre. “Randy Ram” perdió todo lo que amaba, su esposa, su hija y su juventud. Ahora según confiesa no es más que un trozo de carne en exhibición, como los gladiadores en el circo romano. Los golpes, la sangre y las cicatrices, le han pasado la cuenta. Sin embargo, lo único que posee y que nadie le puede quitar es su dignidad. Ahora sólo queda la entrada a la gloria, con el tema de Guns Roses, Sweet child of mine (dulce niña mía) de fondo, además de su fiel público y el último salto al vació de nuestro nuevo héroe, notable.

Borrar y borrar

Es la pesadilla en vida de Henry Spencer (Jack Nance). Un hombre al borde de la psicosis, por sus miedos, inseguridades y su indiferencia a todo tipo de fenómenos que no pretende, ni quiere explicar. En una sociedad industrializada, con zumbidos enloquecedores, donde fácilmente cualquiera puede perder la razón. A esto le sumamos el matrimonio. ¡No! Pasemos la goma de borrar, entonces. ¿Compromiso e hijos? Por supuesto que no. Borrémoslos, porque Henry no está preparado aún y la sola idea le aterroriza. Es la paternidad rechazada, la incapacidad de asumir la realidad y responsabilidades interpuestas. El cabeza borradora de Henry, ya no quiere eso para su vida. En cuanto a su vecina, ella podría ser la catarsis para su aburrida existencia.

El bebé con características de “Alien, el octavo pasajero”, significa todos aquellos miedos que el protagonista no quiere afrontar. La deformidad de la realidad lo acecha, en una ciudad industrial que no da tregua a la modernidad y al vacío. Los insoportables lamentos de su terrorífico primogénito, y todo lo que no quiere ser, le destruirán y lo convertirán en un lápiz con goma de borrar. Como ave fénix, el antihéroe renace de sus cenizas, y se deja llevar por su instinto animal, donde comete adulterio con su vecina y luego despedaza el cuerpo de su indefenso hijo.

Es la pura deformación de la realidad, con aquellas surrealistas imágenes estáticas en blanco y negro; casi sin banda sonora, que nos entrega como debut el autor de CARRETERA PERDIDA. Es un comienzo que muchos directores, ya hubiesen querido para sus carreras. Con decirles que hasta el desparecido Stanley Kubrick, le pareció en su momento una obra fascinante, y la tenía como una de sus películas favoritas. Buena e interesante iniciación de Lynch. Un filme digno de analizar con mayor esmero.

Barnes v/s Elías

En una ocasión un periodista le preguntó a Francis Ford Coppola, cual fue la clave del éxito de “El padrino” y él le contestó que parte de ello se debió a que supo elegir. En este caso Stone, también supo elegir. En primer lugar una historia contada de primera fuente, lo que resulta verosímil para el público. Un elenco de lujo, partiendo por un Tom Berenger y Willem Defoe, (ambos nominados al Oscar) los cuales estuvieron soberbios. El primero (Barnes) cree en lo que hace. El segundo, ya no cree en nada. En este proceso, se puede sentir la rivalidad de ambos, su desconfianza, sus luchas internas y sus demonios. Estamos claros que en este "Reality", seguro están nominados por convivencia. Ambos librarán una intensa batalla personal, que terminará por menoscabar los valores de Chris Taylor (Charlie Sheen), confundiendo su realidad e insensibilizándole. Como le confiesa Elías a Taylor. “Vamos a perder esta guerra…ya hemos pateado muchos traseros, es hora que pateen el nuestro”, lo cual deja desconcertado al joven soldado.

Estamos de acuerdo que “Platoon” no es la mejor película sobre Vietnam. Aunque hay que aclarar que sus diferentes versiones tratan temas disímiles. En el caso de “Apocalipsis Ahora” (1976), trata sobre el horror y la locura. “The Deer Hunter” (1978), sobre las consecuencias post guerra. En “Full Metal Jacket” (1987), trata sobre la semilla del odio sembrada en los soldados, siendo esta última una cinta antimilitar por excelencia, por cierto una de las mejores versiones del conflicto. Por su parte “Platoon”, gracias a la experiencia vivida por su autor, tiene la ventaja de ser la versión fidedigna del conflicto, con toda su crudeza, lo que la hace más histórica. En ese sentido la conmovedora música de Samuel Barber y su adagio para cuerda, acompaña perfectamente sus desgarradoras escenas, como lo hiciera también seis años antes, en aquel primer plano de John Merrick en el final de “El hombre Elefante” (1980) de David Lynch.