No tenía muchas ganas de ir a ver la última entrega de "la Coixet" después de la decepción de "mapa de los sonidos de Tokio", pero finalmente me decidí y puedo decir que no salí demasiado disgustado. La peli es un drama de pareja que se reencuentra después de una separación traumática y que contiene con una carga social considerable. Centrada en dos personajes con roles muy definidos y antagónicos: masculino-femenino, norte-sur, razón-arrebato, lejanía-compromiso,... que van pasando de forma gradual de la frialdad y el rechazo a la caricia y la proximidad en un proceso de expulsión de demonios personales que los han perseguido y maltratado durante cinco años de distanciamiento expeditivo.
En este "enfrentamiento" se introduce un elemento de intriga que mantiene la tensión durante la primera hora. A partir de este momento, justo cuánto empieza a llover, el foco se traslada hacia la preparación del desenlace con la introducción de retrospectivas en color y cálidas con la intención de anunciar algo diferente a la frialdad inicial simbolizada por los pensamientos dentro de una cueva y en un blanco y negro muy obscuro.
La acción se desarrolla en un particular, premiado i bien elegido cementerio, concretamente el de Igualada, rodeados de hormigón gris que no te distrae para nada de las magistrales interpretaciones de Candela Peña y Javier Cámara que consiguen dotar a los personajes de una credibilidad muy intensa transmitiendo emoción, desolación y transparencia.
Otra cosa son los diálogos y el guion que caen en un exceso de trascendencia, citas innecesarias y que obligan a los actores casi a sobreactuar en un afán de decirlo todo con palabras cuando muchas cosas ya están implícitas con el gesto interpretativo. Está claro que se trata de una apuesta muy personal de la directora llegando, en algunos casos a molestar y que puede gustar o no,
En cualquier caso nos encontramos ante una obra con un marcado estilo propio y particular, con una profunda exploración emotiva alrededor la pérdida, el luto y las diferentes formas de afrontarlo, todo muy aliñado de una carga social y reivindicativa muy cercana (de hecho las incisivas declaraciones de la Candela en la noche de Goya las hizo justo al acabar el rodaje que nos ocupa).

Freddie es una mujer joven francesa adoptada que viaja a Corea del Sur de una forma azarosa en busca de sus orígenes biológicos. La película transcurre durante ocho años a partir del primer contacto con una cultura y una sociedad muy distinta a la de adopción.

En este viaje personal e intimista al que sería la esencia identitaria de nuestra protagonista, nos encontraremos con un conflicto permanente que la llevarán por un recorrido lleno de obstáculos, dudas y rabietas diversas que el director Davy Chou nos muestra apelando a unas imágenes evocadoras y sugerentes en referencia siempre a las emociones —muchas veces contradictorias y opuestas, como no podría ser de otra forma— de Freddie. En este sentido cabe mencionar la utilización de la música como uno de los hilos conductores protagonistas —la película comienza y termina con escenas donde la música es el puntal— para reflejar de forma inspiradora momentos de soledad, alegre fraternidad, divertimento o añoranza desolada.

Durante todo el relato también se juega con contraposiciones de opuestos —día/noche, rechazo/aceptación, cinismo/amabilidad, soledad/relación grupal, las dos Coreas— para remarcar aún más este camino de inmensas dudas y dualidades que la llevan a insistir reiteradamente en contactar y conocer a sus padres biológicos a pesar de que no tenga ningún vínculo vital de memoria o crecimiento personal.

Destacar también los múltiples momentos en los que existe un evidente choque cultural a veces en torno a costumbres insignificantes como la forma de servir la bebida u otras sobre aspectos mucho más complejos o de relaciones personales. En este sentido hay que prestar atención al tratamiento de todo lo corporal: el contacto, la comida, el maquillaje, los tatuajes o el baile.

Película pausada y paciente, basada en los testimonios de personas que han vivido esta situación de búsqueda de la identidad biológica, que nos envuelve de forma emotiva e intensa para hacernos partícipes de lo que puede suponer un cautivador viaje personal lleno, en este caso, de contradicciones, desengaños y caos.

Léo y Rémi tienen una profunda amistad en la que comparten juegos y complicidades. A los trece años toca un cambio de centro de escolarización y esto supone afrontar nuevas miradas y prejuicios que provocará distanciamiento en su relación hasta que llega un hecho impensable. A partir de ahí Léo busca explicaciones acudiendo a Sophie, la madre de Rémi.

El joven director flamenco Lukas Dhont ya nos demostró en la apreciada "Girl" su capacidad para captar de forma cercana y muy intensa la personalidad y las vivencias íntimas de esa franja de edad donde la infancia debe dar paso a una maduración inexorable y necesaria. En caso de que nos ocupa se trata de la disrupción de nuevos códigos de masculinidad impregnados de prejuicios y una presión de grupo tóxica que les llevarán a tomar decisiones impulsivas que la red de protección familiar o escolar no podrá prevenir con solvencia.

La mirada que nos regala la película durante los primeros cuarenta minutos es luminosa y cómplice en torno a una amistad de una sincera naturalidad, donde las vivencias lúdicas con sus pequeños conflictos se nos presentan de forma precisa y respetuosa con una cámara muy cercana, dinámica y limpia en el sentido de explorar la parte más auténtica y juguetona de un final de la infancia realmente feliz.

En la segunda parte previa el desenlace los colores se oscurecen, la música acentúa el drama y la cámara se engancha a Léo en su búsqueda angustiosa de respuestas y el consuelo que supone la práctica deportiva intensa y sus metafóricas caídas con lesión traumática incluida.

Aunque el simbolismo y los mensajes que se transmiten sean quizás demasiado evidentes, la propuesta visual, narrativa y de temáticas tratadas sitúan a "Close" dentro de los grupos de películas más que notables por su capacidad para exponer vivencias íntimas, dolorosas y trascendentes con una proximidad veraz, una modestia alejada de exageraciones y una calidez que te contagia. (7,5)

Recién salido de la sala me pongo a teclear aturdido y gratamente emocionado a la vez por un poso agridulce que me ha dejado esta comedia dramática paródica que se acaba convirtiendo en una oda a las primeras luchadoras anónimas, las cuales, desde el ámbito más privado —al margen de soportar con una abnegación casi heroica el trato machista y violento de sus parejas— empezaron a poner límites y a romper una cadena de malos tratos esclavizantes a partir de su propia voluntad y el apoyo colectivo de otras mujeres anónimas y solidarias.

Ante todo quiero destacar que "Siempre nos quedará mañana" ha sido un gran éxito en Italia incluso por delante del fenómeno Barbenheimer. Nos situamos, pues, en Roma durante la primavera del año 1946, en una familia muy modesta donde Delia comienza el día recibiendo una bofetada de su marido Ivano cuando todavía están en la cama y antes de iniciar una jornada agotadora de trabajo doméstico y pequeños trabajos puntuales. La familia la completan la joven Marcela, sus dos hermanos más pequeños y el padre convaleciente de Ivano. Un panorama desolador que apunta una chispa de esperanza utilitarista con el noviazgo de Marcela con Giulio, un joven con un negocio familiar aparentemente próspero.

Para aclarar un poco el tono que se crea con la película podemos decir que el dramatismo violento incluido en la trama deja espacio para escenas y momentos que apuntan un absurdo irónico, escenas musicales bastante ingeniosas o la nostalgia de una época singular. La actriz, ahora convertida en directora novel, Paola Cortellesi, en un prometedor debut, viste una cinta con una impronta muy personal aunque a veces la cantidad de edulcorante sea algo excesiva para mi gusto. En cualquier caso, pesa mucho más haber conseguido plantear una historia bastante entretenida, con una trama de intriga en paralelo y perfilando un retrato veraz y reivindicativo del empoderamiento feminista anónimo que logró sembrar las primeras semillas necesarias para que el movimiento y la consecución de derechos básicos sea una realidad incipiente en la actualidad.

Una película bien realizada que nos deja para el recuerdo momentos únicos —destaca la panorámica inicial donde en una caminata hasta el mercado se hace un retrato sociológico diverso de situaciones y personajes del barrio, construyendo una obra irónica llena de esperanza dentro de una época oscura a partir de una mujer protagonista llena de luz y vitalidad. (8)

Stéphane Ruiz se incorpora dentro de un grupo de policías destinados a Montfermeil, una zona conflictiva de la periferia de París, y se encuentra con que los métodos de trabajo de sus dos compañeros veteranos arrastran un vicios y unas relaciones fundamentadas en el miedo y la coacción en el límite de una violencia latente que es el origen de una rabia a punto de explosionar. Un incidente con un cachorro de león de un circo itinerante será el detonante de toda la línea argumental que se desarrolla durante un corto periodo de tiempo.

"Los miserables" que se estructura en formato de thriller policíaco con una carga social muy marcada pretende ir mucho más allá de la resolución estricta del caso para adentrarse en las causas profundas y viscerales que puedan ofrecer alguna explicación mínimamente ecuánime a las repetidas explosiones de rabia de este sector de la población marginal y con pocas perspectivas. Una población que en unos minutos iniciales vive un paréntesis de magia colectiva con la victoria del equipo francés que contrastará a continuación con la crudeza del barrio periférico. Acertadamente el planteamiento se aleja de cualquier interpretación paternalista de buenos y malos para mostrar perfectamente el entramado de corruptelas dentro de una red de equilibrios de una fragilidad evidente.

Un buen guión mantiene la tensión en un crescendo bien estructurado, con una dirección notable y una cámara que sigue inquieta los ánimos y el conflicto de los tres protagonistas consiguiendo finalmente ofrecernos un panorama creíble en un contexto de pobreza y desarraigo haciendo hincapié en una idea clara sobre los procedimientos usados ​​para controlar y reprimir estos barrios marginales.

Una propuesta intensa, de una realismo crudo que te atrapa en una trama poderosa y bien resuelta. (7)
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