Y la Nave Va.

Como nos sugiere Akin, dar un paseo por el lado salvaje de la vida puede estar más cerca de lo que parece. En este caso El Guante Dorado, a modo de nave catalizadora, va recogiendo todos los despojos de la sociedad del bienestar. En esta nave, cual antesala al primer círculo del infierno de Alighieri, da la bienvenida y recoge a todos aquellos seres ya marginados por la sociedad o por ellos mismos, sin tapujos ni mentiras, con sus maldades y fealdades que son bienvenidos por los patronos de la nave, empresarios que no se perciben ni del olor ni del color del dinero, y cuya clientela compuesta –siempre que paguen los servicios prestados- por los deshechos de la competencia, putas pasadas de vida y de kilos, parados, embriagados, buscavidas, antiguos nazis, adictos, o buscadores de nuevas sensaciones, forman parte del pasaje.

De la realidad paralela → aquesta fina Línea “roja”

“El Guante Dorado” está a pie de calle, y solo basta traspasar las puertas del bar para acceder a un mundo sórdido y real, peligroso y sucio, grotesco y degenerado donde reposan los restos de la sociedad de nuestro estado providencial.

Pero esta realidad está ahí, a la vuelta de la esquina, en el comercio próximo, donde te puedes introducir buscando comida para el alma, o buscando un lugar donde beber o encontrar la otra realidad, como le pasa al chico que entra en ese mundo para echar un vistazo al más allá; seguro que el precio pagado por el pipiolo le hará no volver a meterse en los mundos a los que no pertenece. La novia rozó el filo de la navaja sin darse cuenta, a veces también se tiene suerte. Aunque no se sepa. El resto victimas del desamor y otros males del Estado benefactor.

Francamente dura, descarnada, sucia y desagradable película basada en hechos reales, dirigida por Fatih Akin de forma seca y cortante.
Y es que a Akin le interesa no plasmar en imágenes lights los asesinatos y violencia producidos por el atroz protagonista, sino que intenta revolver el estómago del espectador o al menos azorarle de tal manera que salga tocado o quizás hundido del cine.
Y lo logra, francamente.
Y es que es indudable que está muy bien dirigida y tiene un guión propio, adaptando la novela de Heinz Strunt.
Le interesa plasmar la degradación, soledad, pobreza y hambre de parte de la sociedad de la ciudad de Hamburgo en los primeros años setenta, todavía con las terribles consecuencias de la II Guerra Mundial.
"El guante dorado", bar que da título al fllme, es un microcosmos de parte de esa sociedad, compuesta por marginados, mujeres maduras de la vida, borracho/as y gente que no ha podido salir del barrio.
Una película triste, inclemente, con escenas violentas que ponen la piel de gallina, sádicas y excesivas como las del asesinato a botellazos.
Akin logra un filme, en el plano estrictamente cinematográfico, de calidad, no en vano la parte técnica es muy competente, otra cosa es que "guste" al espectador. Es la clásica película que si te pregunta qué tal es pues dices que técnicamente está bien, pero que no la recomiendas pues deja un muy mal cuerpo.
En fin, que es estimable, pero no me ha gustado al mostrar comportamientos humanos abyectos y execrables.
Estupendas interpretaciones, sobre todo de su protagonista, Jonas Dassler y de Margarete Tiesel y loable trabajo de maquillaje.

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El monstruo de St. Pauli es una de esas producciones cuyo esmero en reflejar el envilecimiento y la perversidad de una mente enferma la lleva hasta unos extremos tan crudos como sórdidos. Esta película alemana adapta el libro Der goldene Handschuh de Heinz Strunk, best-seller en Alemania que narra los hechos de aterrorizaron Hamburgo en la década de los setenta, donde un asesino y violador, Fritz 'Fiete' Honka, tomaba prostitutas como víctimas para sus enfermizas fantasías.

Faith Akin, director de la cinta natural de la ciudad donde se desarrolla la película, se congratuló en el Festival Internacional de Cine de Venecia en 2009 llevándose el Gran Premio del Jurado y el León de Plata por Soul Kitchen. Siendo oriundo de Hamburgo, la mayoría de sus producciones se trasladan allí buscando un realismo sucio y oscuro que está muy presente en esta obra.

Va mucho más allá del género del terror, teniendo un carácter biográfico por el retrato de la vida del asesino serial, así como histórico por la repercusión que tuvieron los atroces hechos y la manera de mostrar una sociedad alemana desolada, cuyo único sustento para sus ciudadanos son los bares mugrosos y las prostitutas del Barrio Rojo. Las formas del director para aposentarse en el alcoholismo, diseccionando la enfermedad con una palidez flagrante plasmada en los trastornos de conducta. El thriller se mantiene por sí mismo sin necesidad de auxiliarlo con recursos propios del género, compenetrado con obviamente el factor del crimen que se sigue a través de la figura de Fritz Honka.

No es una película recomendada para todos, porque no todos pueden soportar un grado tan elevado de crueldad y sadismo plasmado con inusitado realismo en una pantalla. A pesar de que gran parte de las escenas explícitas el director hábilmente las censura con encuadres que las mantienen fuera de campo, la imaginación del espectador suple esa carencia visual a través de aquello que sí deja ver, lo cual puede resultar hasta más traumático. Grosso modo, Akin coge la fórmula de Henry: retrato de un asesino (John McNaughton, 1986) y la ensoberbece hasta su punto más álgido.

Las interpretaciones son una auténtica maravilla, y lo que hace Jonas Dassler como Fritz Honka es inhumano, nunca mejor dicho, reproduciendo las características de un psicópata bajo un trabajo tan exhaustivo de maquillaje. Se merece muchísimas condecoraciones por el titánico trabajo que hace en esta película. Todas las demás están francamente bien. Por otro lado, las labores de efectos visuales y maquillaje son una auténtica delicia, muy cuidadas y expresivas para acompañar la sordidez de la película, auxiliada por un vestuario seleccionado al dedillo que también sirve para hacer un boceto de los movimientos sociales emergentes de la década de 1970.

Akin travesea mucho con la curiosidad y el morbo del público por la reiteración de planos estáticos que dejan fuera de campo gran parte de la acción, dejándonos los hechos a nuestra intuición. El estatismo va a ser una constante durante toda la demencial andada por los recovecos de la maldad, usándola muchas veces como vista subjetiva colocada en partes de la escenografía, generalmente dentro del domicilio de Honka, pareciendo como si nosotros mismos esperásemos a que abriera la puerta, transmitiendo temor con planos cortos próximos al suelo y enfoques directos a una engrandecida figura de Honka. Se pueden distinguir tres fases de acción por medio de los planos empleados; los planos escorzo son habituales, ya que el elemento principal de causalidad son las conversaciones entre el protagonista y los personajes secundarios, prosiguiendo con un dinamismo propio de panorámicas y travellings dorsales, transportando la acción hacia el punto donde se desarrollará y concluirá y, de paso, mostrar la escenografía que recrea Hamburgo para, finalmente, usar planos cortos y medios jugueteando con los encuadres en las escenas de acción escabrosa. Gracias a ello, dentro de la narración, se denota un ritmo basado en capítulos hasta el desenlace.

La estética y la escenografía es uno de los apartados más relevantes, usando una gama de colores térreos y apagados ornamentada con elementos que aumentan la índole de insalubridad palpable en la atmósfera, casi siendo capaz de transmitirnos el mal olor del que tanta mención se hace en la película. Desde la puesta en escena queda clara las ganas de que la clustrofobia fluya directa hacia nosotros, incomodándonos en esos espacios asquerosos y reducidos donde se desarrollan, agobiando también con el posicionamiento de los actores en plano y usando una profundidad de campo casi nula que refuerza ese sentimiento. La iluminación tenue, con predominancia de oscuros, también tiene una gran importancia tanto para suscribir las personalidades de su personaje como la de la ciudad de Hamburgo. El espacio arquitectónico es de suma relevancia, ya que funciona como si fuera un carácter más en esta fábula grotesca. Es curioso pero la película se desarrolla enteramente en tres escenarios: el domicilio de Honka, The Golden Glove y la empresa donde trabaja, cambiando ligeramente la estética entre las dos primeras pero sin perder la esencia, algo que sí pierde con la empresa.

Por último, los diseños de posproducción son impecables, desde la música que juega un papel importante en el filme a manos de FM Einheit hasta el impoluto esmero para la creación realista de unos decorados tan semejantes a los hechos reales perpetrados por el destripador de St. Pauli entre 1970 y 1975 en la asolada Hamburgo.

Merece mucho la pena aunque sea darle una oportunidad a esta increíble producción franco-germana gracias a la cual podrás mantener una tendida meditación acerca de la depravación humana en una travesía guiada por Faith Akin y capitaneada por Jonas Dassler, tendiendo la mano al degenerado Fritz Honka.

La película es una pedazo de sorpresa ni el trailer ni el póster te dan suficiente información o atractivo para verla, pero si puedes verla, hazlo. Der Goldene Handschuh es una película de terror situada en los 70 en el barrio rojo de Hamburgo, a partir de aquí es donde Akin desarrolla una historia cruda y grotesca que bien podría considerarse un canto a la fealdad.
Realmente la película es un retrato de una sociedad deprimida donde "pecar" es lo normal y la soledad de los personajes es absoluta. El guión está brillantemente trabajado construyendo personajes extraordinarios que los actores defienden realmente bien, remarcaremos la actuación de Dassler que se transforma en un monstruo terrorífico que defiende a la perfección (preocupante para sus vecinos dada la edad del chaval).

No quería hablar sobre esta peli, de verdad, al final me he rendido después de tenerla en la cabeza durante semanas.
¿Para qué sirve el cine? Vaya pregunta de mierda, lo sé… El cine sirve para contar historias; a través de imágenes y sonidos nos cuentan historias del mundo y de las personas. Casi siempre, como espectadores, tenemos que conectar -y empatizar- con el protagonista o los personajes representados… El protagonista al que le pasan muchas cosas y al final consigue todo lo que desea, todo termina bien y salimos felices de la oscura sala de cine (cuando antes íbamos al cine). «No lo quiero pasar mal, no me cuentes dramas que ya tengo yo con mi vida cómo para pasarlo mal viendo la vida de otro». Quiero sentirme a gusto en la comodidad de mi sofá, y cuando terminen las dos horas de película, me olvidaré de todo y pasaré a otra cosa; me levantaré del sofá para ir hasta la cocina y sacaré una pizza congelada y la meteré en horno, y mañana será lunes… Pero,¿ y si el film que acabamos de ver nos ha removido tanto que ahora es imposible sacárnoslo de la cabeza y durante un largo tiempo nos va a estar acompañando? Puede que para siempre, como suele ser con las pelis que nos remueven, que nos descolocan y se meten en nuestras cabezas para trastear con los cables de nuestra mente. Películas que nos provocan algo, que hacen que uno sienta cosas; y lo difícil que es eso. Reaccionar ante una película, ¿en estos tiempos? -Pero qué locura-.
`El monstruo de St. Pauli’ es la película que jamás recomendaría en un corrillo de colegas alrededor de un café, no sería tan mala persona como para decirte que la tienes que ver, con tu pareja, o en familia, todos alrededor del fuego en el calor de tu hogar. ¿Pero por qué estoy escribiendo sobre una película que me ha dejado tan mal cuerpo y que, además, la vi ya hace un mes?