La película muestra cómo un programa periodístico de la BBC gestionó y produjo en 2019 una entrevista exclusiva con el príncipe Andrew, el desarrollo de esa entrevista y sus consecuencias, ya que el hijo de la reina británica había estado estrechamente vinculado al proxeneta y pedófilo Jeffrey Epstein.

La película cuenta con un muy buen elenco: Gillian Anderson como la incisiva periodista estrella que le hace el reportaje, Billie Piper (la “novia de Frankenstein” en la serie Penny Dreadful) como la gestora del contacto con la secretaria de Andrew , Keeley Hawes (la ministra coprotagonista de la serie Guardaespaldas), como la secretaria privada del príncipe, Romola Garai (también periodista en la gran serie The Hour), como la productora general del programa periodístico y Rufus Sewell como el indolente Príncipe Andrew.

Se nota que la película está dirigida por el responsable de The Crown, Philip Martin, con esa elegante impronta de respetuosa indiscreción. Pero a ello le suma un gran nervio narrativo, que plantea el relato como un thriller matizado con pizcas del infaltable e inefable humor británico.

Pero más allá de las virtudes del film, la pintura de los ámbitos que aborda, los personajes implicados, el reportaje y sus consecuencias mueven a la reflexión.

En primer lugar, la importancia de una televisión estatal que, si bien es sometida a ajustes, perdura más allá de los signos políticos y se desenvuelve con relativa independencia de ellos e incluso de la Corona.

En segundo lugar, cómo se lleva adelante un trabajo periodístico serio, responsable, independiente y audaz.

En tercer lugar, el profesionalismo de los empleados de la corona.

Y por último, last but not least, como dicen los mismos británicos, las diferentes sensibilidades de las audiencias al discurso: en este caso vemos cómo no sólo las conductas sino también el discurso “moderado” en un reportaje (y sus decisivas omisiones) de nada menos que un príncipe real británico pudieron incidir en su destino mientras que en otras latitudes un discurso violento, irresponsable y cargado de resentimiento cautiva otras audiencias permitiendo la llegada al poder de ciertos personajes que incluso siguen utilizando el mismo discurso violento como herramienta de gobierno.

La demoledora película de Jonathan Glazer está llamada a convertirse en uno de los films definitivos sobre el Holocausto: la elección del punto de vista de los perpetradores, el uso del fuera de campo visual y sonoro y los diálogos son los elementos que describen y transmiten casi clínicamente una cotidianeidad del mal estremecedora que da cuenta de todas las dimensiones de la Shoah, constituyendo a la vez una advertencia imprescindible.
La película aborda la vida cotidiana de Rudolf Höss (comandante del campo de concentración y exterminio de Auschwitz), su esposa Hedwig , sus hijos y sus sirvientes en la casa que ocupan junto al campo

Los nazis utilizaban el eufemismo “zona de interés” para referirse al complejo Auschwitz-Birkenau y sus alrededores. La película de Jonathan Glazer está llamada a convertirse en uno de los films definitivos sobre el Holocausto, por las razones que intentaré desglosar en la siguiente reseña.

1) El punto de vista es exclusivamente el de los verdugos, el de los perpetradores y su círculo íntimo. Hay una mirada clínica sobre sobre el día a día de estos personajes, donde emerge con una contundencia demoledora, más que la banalidad, la cotidianeidad del mal. El Obersturmbannführer Höss (un personaje bastante anodino, pero “profesionalmente” orgulloso y convencido de lo que hace) y Hedwig, una Hausfrau rubia y vulgar, enamorada de su jardín, están atravesados permanentemente por los signos de la realidad del genocidio en su bucólica arcadia germánica (ver zona spoiler). No hay ni villanía de manual ni empatía posible con estos personajes (como sí ocurre en la horrible El lector, por ejemplo)

2) El fuera de campo visual y sonoro: en ningún momento se muestra a las víctimas y el interior del campo. Lo que ocurre con ellas sólo es percibido, mayormente, desde la casa, muchas veces a partir de los diálogos, de lo dicho al pasar y de ciertos actos tan “pequeños” como pavorosos de los protagonistas. La elocuencia de la alusión es estremecedora así como los detalles del sonido ambiente y la banda sonora de Mica Levi.

3) A través de esta cotidianeidad, Glazer se las arregla para transmitir inequívocamente todas las dimensiones de la Shoah: el exterminio a escala industrial, el antisemitismo, el despojo, la deshumanización de las víctimas, la esclavitud al servicio de las grandes corporaciones y hasta la influencia de la literatura popular alemana.

4) Junto a este abordaje clínico que por momento roza el documental, Glazer se permite ciertos interludios que no conviene revelar.

5) El idioma: Resulta fundamental que esta película esté hablada en alemán y protagonizada por actores germanófonos. Es notable el trabajo corporal que hace Sandra Hüller para transmitir la vulgaridad de su personaje Hedwig.

6) Me propuse verla en cine y es lo que hice. En la butaca de la sala no hay modo de pausar el visionado de un film que resulta absolutamente agobiante.

Zona de interés nos formula una advertencia doble sobre el uso indiscriminado y ligero del término nazi para describir ciertas realidades políticas y sobre la violencia y el racismo de los neofascismos que "actualizan" algunos de sus elementos y chivos expiatorios.

Las historias de tres mujeres estadounidenses de diversos orígenes se entrecruzan en la Hong Kong de la Revolución de los Paraguas de 2014.

Ellas son Margaret (Nicole Kidman), de quien sabemos que hay un hijo ausente, su vecina de origen indio Hilary (Sarayu Rao Blue, una verdadera revelación) y la joven neoyorquina Mercy (Ji-young Yoo), de origen surcoreano.

A partir de ellas un despliegue de historias cruzadas (que se multiplican en uno de sus capítulos que es casi un film de 80 minutos) sobre madres, hijas, esposas y amantes, sobre ricas y pobres, sobre locales e inmigrantes, sobre amas y empleadas domésticas (con elementos que recuerdan a Roma de Alfonso Cuarón), sobre la pérdida y la culpa y un enigma y una búsqueda que contribuyen a crear mucha tensión en algunos capítulos. El telón de fondo político no me pareció del todo justificado, salvo quizás para una de las historias laterales.

Buenas actuaciones, el exotismo de Hong Kong (tanto del rico como del pobre) y algunas notables escenas con largos planos fijos (algunas desde ángulos inusuales) o con cámara frontal.

Esta notable cuarta temporada de la serie sale airosa de la mezcla de géneros y agendas que propone.

Desde el subtítulo (Night Country), esta temporada de la serie nos anuncia acaso su mayor logro: la locación en la permanente y helada noche polar de ese fin del mundo que es Alaska, hilo conductor de todos sus elementos. Sumado a esto, el protagonismo que adquiere una estación científica en semejante entorno remite sin escalas a la gran película La cosa/El enigma de otro mundo, de John Carpenter.

Justamente, True Detective coquetea ambiguamente con la ciencia ficción, el terror, el folk horror y el fantástico a partir de una escena del crimen sencillamente espectacular, de la influencia de semejante clima en los personajes y de la cultura local.

También aparecen la agenda ambiental de la mano de los habitantes originarios (sobre todo mujeres) y el empoderamiento femenino (para bien y para mal).

En cuanto a la pareja de detectives protagonistas, Liz Danvers (Jodie Foster) y Evangeline Navarro (la sorprendente Kali Reis) ponen en escena la oposición cultural entre racionalismo y cierto misticismo. Ambas cargan con pesadas mochilas y no vacilan en apartarse de la norma en sus investigaciones. Danvers recuerda en parte a la Mare of Easttown de Kate Winslet, pero afortunadamente aporta una dosis de humor adicional, (Foster es una extraordinaria puteadora) y brinda una actuación potente. Por otro lado, la sexualidad de estas mujeres va en línea con su empoderamiento. Acaso el personaje secundario de Rose Aguineau (Fiona Shaw) nos brinde una síntesis posible de ambos posicionamientos culturales.

No vi las anteriores temporadas de True Detective, así que no puedo establecer comparaciones. De todos modos, se trata de una serie de antología, donde cambian los personajes, las historias y las locaciones.
Si bien la serie acaso luce un tanto estirada luego de su extraordinario capítulo 1 y pareciera que luego se debilita en varias subtramas, el magnífico capítulo final logra unificarlas, demostrando que la resolución de un enigma nunca es lineal.

Sumario

Esta muy bien dirigida combinación de sátira desencantada y comedia romántica y melancólica relata una historia que no es tan simple, obvia y lineal como parece y que, según como se mire, nos dejará un gustito antipolítico o quizás, todo lo contrario.

Reseña

Ante el fallecimiento del Presidente de la Nación, el partido gobernante decide lanzar como candidato a sucederlo a Ricardo Prat (Rafael Ferro), un ex campeón de hockey. Para ello contrata a El Griego (Diego Peretti), en su momento un exitoso asesor de imagen (o coach) ya retirado, para entrenar a Prat, un individuo frívolo que no se caracteriza por su elocuencia. Al mismo tiempo, deberán enfrentar a Camila Hewell (Julieta Cardinali), una periodista de investigación decidida a desenmascarar a Prat.

“Tu belleza y mi ingenio serán tu espuela. Los dos formaremos un héroe de novela”
La cita del Cyrano de Bergerac de Edmond Rostand que funciona como epígrafe de la película no podría ser más explícita acerca de qué obra reversiona este film del director, productor y guionista Hernán Guerschuny (El crítico, Casi feliz), donde el bello sería Prat, el ingenio sería el de El Griego (el Cyrano de la película) y la novela heroica sería sobre la conquista de la presidencia y de la bella Roxane (Julieta Cardinali).

De este modo quedan definidos los dos carriles sobre los que circula Doble discurso: una suerte de sátira política sobre una campaña electoral con un candidato poco lúcido y una comedia romántica (y melancólica) sobre un triángulo amoroso. No se le puede negar ingenio a la combinación propuesta, pero las dos líneas no funcionan con la misma efectividad.

En cuanto a la primera, no se puede decir que sea una sátira humorística, es decir, la mirada es algo irónica pero más desencantada que graciosa. Prat se presenta como candidato del partido Libertad Ciudadana (una agrupación política de derecha que en argentina podría ser el PRO) y su principal oponente es un partido populista/progresista (el Frente Progresista Unido), homologable en la Argentina al kirchnerismo/Frente de Todos. No faltan el empresario en las sombras como presencia permanente como financista de la política y fuente de corrupción ni la “rosca” política y económica dentro y entre ambos partidos mayoritarios. Éste es un punto en el que la película resulta algo confusa: entendemos que algunos personajes secundarios hacen algo que no está bien pero no entendemos exactamente qué.

Doble discurso también es una pintura acerca de las lealtades de los consultores y asesores y de los operadores políticos y de los jefes de campaña, en este caso, el primo de Prat, a cargo de Jorge Suárez. En cuanto a ítems políticos concretos, aparece uno solo, junto al consignismo vacío de las campañas políticas.

Donde sí funciona mejor Doble discurso es en el plano de la comedia romántica (y melancólica) donde los objetivos y motivaciones de El Griego se hallan mejor ensamblados y justificados y donde se expresan con más plenitud y emoción las muy buenas actuaciones del trio protagónico y las ambigüedades de sus personajes.
Muy bien dirigida, con una historia que no es tan simple, obvia y lineal como parece, Doble discurso, según como se mire, nos dejará un gustito antipolítico o quizás, todo lo contrario.

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