Desde Chile llega Las plantas la opera prima de Roberto Doveris. La película centra su mirada en la historia de Florencia —representada por Violeta Castillo, cantautora argentina— una joven de 17 años que se encuentra en una etapa de autodescubrimiento de su sexualidad. Su madre se encuentra internada en el hospital, mientras ella se encarga de cuidar de su hermano en estado vegetativo, su única compañía. Florencia se entretiene leyendo un cómic titulado «Las Plantas» —donde se narra la posesión de humanos por parte de plantas con poderes— y conversando a través de internet con hombres desconocidos con los que comienza a experimentar con su sexualidad. La idea inicial de la obra se plantea interesante, pretende jugar con los géneros al mezclar una historia dramática, con momentos eróticos y otros inducidos por la trama del cómic, donde la realidad —dentro de la ficción— se transforma en animación. Aunque sin saber muy bien porqué todos estos elementos terminan quedando inconexos, incapaces de conseguir una unidad.

En mi opinión la obra de Roberto Doveris tiene dos puntos fuertes:

— La integración de la animación proveniente del cómic que lee Florencia —trama influenciada por la película La invasión de los ultracuerpos, donde unas plantas alienígenas invaden la tierra— y que comienza a confundir con la realidad, llegando en una secuencia a sobrescribirse trazadas de animación sobre los personajes de la película. La confusión del personaje, le lleva a cuestionarse la relación entre su hermano en estado vegetativo y las plantas. Roberto Doveris muestra estas dudas al final, cuando llega la noche y las plantas comienzan a moverse. ¿Podrá un humano convertirse en una planta?

— La exploración sexual de Florencia. Roberto Doveiras centra su mirada en los deseos del personaje femenino, rompiendo con lo que normalmente percibimos en el cine basado en la representación de los deseos masculinos. El director nos sitúa en la posición de Florencia, en sus juegos con diferentes hombres para descubrir su sexualidad. Observando desde el interior de la casa, a través del cristal, como los distintos hombres se desnudan y masturban.

Pero lo cierto es que el resultado final de la obra deja mucho que desear, ya que todos estos elementos, a priori interesantes, van perdiendo fuerza al no ser explotados. Es una película llena de buenas intenciones, pero que no consigue explotar ninguna de ellas. Los momentos donde la realidad se entremezcla con la animación quedan aislados perdiendo toda su fuerza, reduciendo la inclusión del cómic a pequeños momentos, por lo que no termina de tomar presencia. Las imágenes juegan una mala pasada, porque a pesar de lo interesante de la idea va perdiendo interés a medida que se desarrolla la película, con momentos inconexos que no generan ningún significado con respecto al conjunto de la obra.

Alejandro García
@Notodoesusa
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Eugène Green estrena Le fils de Joseph, su última obra y la primera que es estrenada en España. En 1960, Eugène Green, emigró desde Nueva York a Francia fundando en 1970 la compañía «Le théâtre de la Sapience», con la que busca revivir en el teatro la tradición barroca, haciendo uso de música y danzas propias de esta etapa y con una puesta en escena donde los actores se posicionan frente a frente. En el año 2001, dio su paso al cine con Toutes les nuits, obra que llamó la atención de Jean-Luc Godard que en 2004, la destacó en una entrevista entre las películas más interesantes de los últimos años. En su obra cinematográfica se manifiestan algunas características, que podrían tener cierta relación con su experiencia en el teatro como: la frontalidad de los planos, las interpretaciones recitadas (la ausencia de realismo interpretativo influencia que recibe de Robert Bresson), la inmovilidad de los actores (inspirado por el cine de Yasujiro Ozu) y las salidas y entradas en plano de los personajes. Aunque Green ha destacado en diferentes ocasiones que sus intenciones en el teatro y en el cine son muy distintas.

Su trayectoria cinematográfica conserva temas y características comunes como: los planos de manos y pies, la figura del burro, la importancia de la palabra y la maduración de los personajes a lo largo del camino. En su segundo largometraje Le monde vivant realizado en el año 2003, Eugène Green traslada al espectador a un cuento infantil donde encontramos caballero, princesas, leones y ogros. Un ogro que ha repudiado a su esposa por someterlo a una dieta vegetariana, pretende casarse con una doncella que tiene como prisionera. Dos caballeros se cruzan en el camino, un encuentro fortuito que marcara el resto de sus vidas (situación recurrente en otras de sus obras como Toutes les nuits y Le fils de Joseph), ambos tendrán que acabar con el malvado ogro y rescatar a la princesa para que esta les conceda su mano. De forma sencilla y humilde, sin necesidad de efectos especiales o grandes decorados, nos conduce por una historia cargada de imaginación y creatividad, recordando a la obra de Éric Rohmer Perceval le Gallois. Una idea queda clara, el cine no necesita de grandes presupuestos sino de creatividad, pequeños detalles que consiguen estimular la imaginación del espectador creando un mundo lleno de fantasía.

Su último largometraje Le fils de Joseph trata la historia de Vicent, un adolescente que no encuentra su lugar, en un mundo donde nadie se preocupa por nadie. Marcado por el hecho de no conocer a su padre. Vicent canaliza la ausencia de una figura paterna en el odio y la desconfianza hacia el exterior. Las continuas referencias bíblicas como el póster de su habitación «El sacrificio de Isaac» de Caravaggio, que influirán al personaje en su intento de llevar a cabo el sacrificio a la inversa, después de buscar a su padre y descubrir sus entresijos. Un momento de luz antes de verter la sangre, le hacen huir topándose por casualidad con una persona que marcará su vida, su tío, del que desconocerá su parentesco hasta el final de la película. La relación entre ambos llena el vacío de su existencia, dándole un sentido. De nuevo en esta obra, Eugène Green, manifiesta el poder de la palabra, que consigue transformar la realidad. El acto de pronunciar las palabras «soy el padre», transforma la realidad convirtiéndolo en el padre. La influencia de la palabra en el mundo material. La aceptación (el acto de creer) crea una realidad para el personaje, más importante que lo material. Una obra que muestra las emociones ocultas, que son reflejadas a través de los rostros y miradas de los personajes, sin necesidad de movimientos que serían obstaculizadores de estas.

Alejandro García
@notodoesusa
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Salomé Lamas viaja en busca del asentamiento más alto del mundo situado en Perú, La Rinconada, un lugar donde se realizan trabajos de minería ilegal. Bajo unas condiciones inhumanas, miles de personas trabajan para extraer el oro de la roca. Por otro lado nos acerca a los rituales y tradiciones de las personas que habitan el lugar. La película puede ser dividida en tres partes bien diferenciadas, una primera más observacional del terreno, observando desde la distancia el paisaje donde se asienta la población. Por otro lado una segunda parte que consta de un gran plano de una hora de duración donde una imagen hipnótica es combinada con extractos de conversaciones y noticiarios de la población de La Rinconada. Por último una tercera parte donde Salomé Lamas se acerca a la población, para escucharlos y conocer sus tradiciones y rituales, entremezclando ciertos momentos observacionales con otros donde se generan pequeñas ficciones.

Alejandro García
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Para terminar el top, la obra que mas me sorprendió de este 2016, ha sido esta de Pietro Marcello. Un viaje hacia el Monte Vesubio en la actual Campania, con la misión de salvar a un joven búfalo que se encuentra en el palacio real de Carditello, para de esta forma cumplir el último deseo de Tommaso, un pastor que estaba encargado del cuidado del palacio. Una obra que combina a la perfección un cuento de hadas con la triste realidad. Un viaje lleno de magia, sueños, animales que hablan y humanos que no pueden ver…

Pulcinella ha sido enviado para cumplir la misión de cuidar al joven búfalo, lo acompaña por el país buscando un lugar donde el animal pueda descansar y ser feliz. Pero el destino de un animal, en el mundo real es el de ser un producto para el ser humano (al ser macho su único fin es convertirse en carne). Su vida no tiene sentido en un mundo gobernado por humanos. Nadie se pregunta si este animal está dotado de sentimientos, solo Pulcinella conoce el interior del animal al que intenta salvar. Pero él proviene del mundo de los sueños, en el mundo real este animal solo tiene un lugar: el matadero.

Alejandro García
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La película ucraniana de Miroslav Slaboshpitsky está realizada completamente en lenguaje de signos. Durante algo más de dos horas, no escuchamos una sola palabra (tampoco se hace uso de subtítulos) pero no es necesario en absoluto. Porque el lenguaje que se desarrolla en la película es universal. La comunicación no verbal es más poderosa y sincera que cualquier otro lenguaje, solo con gestos y movimientos somos capaces de conocer y comprender el interior de los personajes y las relaciones que existen entre ellos.

Slaboshpitsky nos muestra la entrada de un adolescente a un internado controlado por una mafia, viéndose obligado a participar en los diferentes actos delictivos a los que estos se dedican (prostitución, venta de drogas…). Con el tiempo el joven se enamora de una de las chicas del líder, lo que le lleva a rebelarse contra la organización.

Una reflexión sobre el silencio —ausente de palabras, pero cargado de bullicio—, obligando al espectador a permanecer atento a todos los sonidos que enriquecen la trama, y siendo conscientes que los personajes no pueden percibir estos sonidos. Una obra cargada de suspense por la información que conoces y el personaje desconoce, al igual que la intriga por la información que desconoces pero el personaje conoce.

Alejandro García
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