Una de las categorías invisibles de los Oscar junto a corto ficción.
Con 110 años, Alice Herz Sommer era la superviviente del holocausto y la más longeva pianista del mundo.
Un corto documental que cuya historia podría dar para un drama sumamente Oscarizado del holocausto.
La pianista Alice, cuenta su historia, una historia alejada de los campos de exterminio pero no por ello menos trágica e importante, ella fue encerrada en un campo de concentración exclusivo para los artistas, donde como todos, antes fue privada de sus seres queridos, salvo de su pequeño hijo.
Su salvación... la música, un símbolo de expresión de que el arte es sobre todo invaluable.
Un trabajo sumamente emotivo, inspirador y ante todo admirable, la fe y las ganas de (sobre) vivir hacen que realmente valoremos las cosas que importan.

"Sounder" es una película desconocidísima pese a sus 4 nominaciones al Oscar y estar en el emblemático año donde "El Padrino" y "Cabaret" se disputaron los premios principales, eclipsando al resto de contendientes.
Dirigida por Martin Ritt, cuyo mayor éxito sería años después "Norma Rae", nos ofrece una muy pequeña historia sobre la vida de una familia de color en plena gran depresión.
Una narración precisa, sin efectismos, y apegada lo más posible al relato cotidiano de la vida sureña, nada que ver con los productos de la actualidad, no hay malos y ni buenos, solo un familia que busca salir adelante pese a las adversidades de la época y las elecciones que esta misma obligo a tomar a centenares.
Su grupo de actores ofrecen un trabajo más que destacable, dotados de naturalidad y bastante simpatía, Cicely Tyson (The Blue Bird y The Trip to Bountiful), el novato Kevin Hooks y Paul Winfield nominado como principal siendo más coprotagonista.
Un filme que es virtuoso por sus valores, enseñanzas y sobre todo por mostrar el retrato de la América negra no reflejada en los filmes de la gran depresión, un tema por lo común aplicado a la penuria de la vida de la gente blanca pero pocas veces centrado en la de color.

Recomendable.

Spielberg, lleva a la pantalla la biografía de uno de los personajes más emblemáticos de la historia política-social de los últimos dos siglos, y sabiamente se centra claramente en un aspecto de la vida de Lincoln y de la historia americana en general.
Por un lado la humanización del ídolo y por el otro, un paseo por el colorido libro de la política estadounidense, arrojando una luz en el escepticismo y la grisura del gobierno durante ese tiempo. Para simplificar la historia, opta por centrarse en las políticas internas del gabinete del decimosexto presidente y el debate en el congreso, con la Guerra Civil como trasfondo.

Una de las razones por la que funciona esta obra, es debido a su gran trabajo de guión.
El dramaturgo Tony Kushner, también colaborador en ‘Munich’, escribió milimétricamente esta intensa y absorbente historia como todo un profesional. El abundante diálogo casi siempre es fascinante, una escritura muy rica y nunca seca, e incluso rítmica y capaz de inyectar hasta ciertas dosis de humor cuando es posible, además de dibujar y reflejar ese retrato complejo del famoso presidente y sus allegados.

Por eso, yo diría que es una dupla excepcional, la unión director-guionista es unísona y en honor a la verdad el cineasta acertó en su elección nuevamente. Una película de Spielberg, que parece no ser de su firma, se las arregla para estar exacto y dar armonía en los momentos adecuados debido a su dirección sumamente contenida, contemplativa y afectiva, pero sobre todo didáctica en su conjunto. Llena de momentos que inspiran y en consecuencia emocionan, pero sobre todo por que capta y se siente ese cine con olor a clásico.

El conjunto actoral es portentoso. Sally Field sobresaliente, David Strathairn, John Hawkes, Michael Stuhlbarg, James Spader y Lee Pace destacan entre lo mejor. Pero la película pertenece a dos hombres, Daniel Day-Lewis y Tommy Lee Jones. Lewis una vez más magnífico, y no solo físicamente, si no dotado con una infinita capacidad para invocar la personalidad del personaje que muchos han oído hablar pero nunca visto, un trabajo sumamente emocional y de una contención inspiradora. En cualquier caso, un registro distinto al de sus personajes anteriores. Por su parte, Tommy Lee Jones igual de fantástico, en uno de los mejores trabajos de su carrera, robando todas las escenas en las que se encuentra y dando una dosis de energía y carisma a todo lo que toca.

La película, de principio a fin, es una obra maestra visual gracias al talento indiscutible de Janusz Kaminski. Del mismo modo, la suave y acogedora partitura de John Williams, el apropiado vestuario, una soberbia dirección artística de decorados interiores y suntuosos exteriores, el uso del maquillaje y peluquería de una labor impresionante.
Una representación perfecta del siglo XIX.

Dicho todo lo anterior, me mantuve con la sensación de estar allí en realidad y ser observador de primera mano de este suceso. Desde su batalla inicial y majestuoso Discurso de Gettysburg, vino sobre mí como una especie de despertar lento que crecía conforme avanzaba el metraje, atrapándome por completo y librándome hasta su inolvidable escena previa al final.

Me temo, sin embargo, que gran parte de este esfuerzo increíble, será apreciado en su mayoría por el público estadounidense en general. La línea de esta película puede resultar aburrida y no por su ritmo; en parte por lo ajeno que resultemos a la historia americana, el lenguaje político y el interés histórico. Dicho esto, no creo que podría haberse hecho de otra manera.

“Tabu” toma inspiración en el silent film homónimo de 1931 realizado por F.W. Murnau y Robert J. Flaherty, que de la misma forma, esta rodada enteramente en B/N, con un efecto anacrónico que inyecta vigor y aviva la narrativa, además de ser fiel a la estructura del filme.

El cineasta Miguel Gomes, nos cuenta una simple historia de amor inconclusa, pero la hace sumamente atractiva por el tono poético y metafórico de su propuesta, basándose por los estados de ánimo, la atmósfera - a veces onírica - y la memoria.

Se divide el film en dos partes y cuenta de manera diferente las historias, una composición claramente interesante, que aporta una agradable ilusión de que estábamos viendo una doble función.
La primera parte “Paraíso Perdido” es la melancólica y cómica historia en el Portugal contemporáneo entre una mujer de mediana edad, Pilar y su vecina Aurora, y la segunda parte “Paraíso” contrasta la belleza de la juventud, con el calor y el sol cegador de África colonial, una poesía visual narrada por la voz en off de Ventura, un amante.

Una historia de dos mundos geográficamente lejanos pero ligados por los recuerdos de la vejez, la pasión, el arrepentimiento, el deber y decoro. Además goza de la naturalidad de sus personajes (maravillosa “Aurora adulta” Laura Soveral), y estos a su vez son solo símbolos que vinculan la historia e incluso llegan a contrastar con el sistema social de ambas épocas.

Una película creativa, yo la llamaría muy cinéfila, técnicamente impecable y que desprende ese olor a clásico por su composición y referencias, y no solo por su forma. Maravillosa.

La Frase:
"Por más distancias que recorras, por más días que pasen, de tu corazón no conseguirás escapar".

Nota: 8.5

Una palabra, ¡Maravillosa!

No era lo que había escuchado sobre ella, no es ni lo poco que dice la sinopsis, me ha tomado por sorpresa, es uno de esos filmes que uno ve y se emociona, hay como una conexión directa entre la pantalla y el espectador, a uno le llega esa contención y la rabia desatada de sus personajes, siente vivir en carne propia algunos sucesos y eso es lo difícil, al menos para mi, expresarme libremente sobre el film.

Jacques Audiard con mano firme y gran habilidad, consigue mezclar sensibilidad y crudeza, saca lo mejor de sus actores y toca las heridas que todos tenemos, esa intimidad, esos secretos, ese pasado, todo aquello que nos incomoda y que deseamos evitar, pero que cuando menos te lo esperas sale a relucir, nuestras tristezas, nuestros fracasos y nos deja vulnerables, todo eso junto a una bellísima fotografía, un contenido de imágenes portentosas, dolorosas, anímicas y sumamente reflexivas, que plasman preguntas pero no las respuestas.

Las interpretaciones de su pareja protagonista es de una veracidad que incluso duele, la portentosa interpretación de Matthias Schoenaerts y la contención anímica de una sublime Marion Cotillard, en conjunto, resultan arrolladoras, trabajos con alma.

Para su parte final, flaquea en su cierre, más sin embargo deja ese poso de inquietudes y reflexiones, sus líneas finales son de gran valor simbólico para esta obra sumamente estimulante. Una pequeña joya.

Nota: 8.5+