Directamente desde Francia nos encontramos con este título que si bien no fue el más premiado, si fue uno de los más comerciales, me refiero a nada más y nada menos que La Rafle, o en español “La redada”. Podría pensarse que esta es una película más como las tantas que hay acerca del holocausto, pero ¿Qué tiene esta de especial? Sencillo, que es una de las pocas películas existentes que han sido dirigidas por una mujer. En un negocio tan machista y lleno de directores varones, Roselyne Bosch supo abrirse paso y quedar bien parada en la dirección de esta emotiva película.
La Rafle, cuenta la historia de varias familias con peculiares miembros, todos ellos judíos residentes en Francia, viviendo en aquella desgarradora época ya conocida por todos, en la que por el simple hecho de ser judíos, fueron transportados a un campo de concentración. En el desarrollo de la historia primero se da una introducción a la vida de cada una de las familias, lo que hace que el espectador genere esa empatía con los personajes, misma que posteriormente será de suma importancia en el desenlace de la misma, y es que el factor emocional juega un papel de gran valor en este filme.
En cuestiones técnicas, la película cuenta con ciertas tomas destacables, en las que se puede apreciar la belleza de Francia, así como lo desgarrador de los campos de concentración. También se cuentan con varias transiciones de tiempo y de escena a escena que son desde mi punto de vista muy buenas. Una de mis escenas preferidas del filme es aquella en la que se muestra a todas las personas recluidas en el hipódromo, es impresionante, así como impresionante es la manera en que la toma se va abriendo hacia arriba, haciendo parecer cada vez más sorprendente el ambiente en que se encontraban estas personas.
Finalmente, la película tiene un final que tal vez no es el más esperado por los espectadores, pero es aquí donde la directora trató de imprimir ese realismo que se vivió en aquel triste tiempo, que la verdad sea dicha, no era ningún cuento de hadas. La Rafle, una pieza del cine francés que es recomendable pero no apta para personas hipersensibles, muy buena cinta.

Probando que se puede llegar a la cima empezando desde abajo llega hasta nosotros “Whiplash”, una cinta del 2014 que originalmente comenzó como un cortometraje y que posteriormente se convertiría en una cinta acreedora a tres premios de la academia.

Whiplash cuenta la historia de Andrew Neiman, interpretado por Milles Teller, quien es un joven promesa de la batería y se las arregla para entrar a una de las escuelas de música más prestigiosas del país, la cual estaba a cargo del implacable profesor Terence Fletcher, interpretado por J.K Simmons, quien fue acreedor al Oscar por “Mejor actor de reparto”. Y es que en esta película llena de drama y emociones vemos como el profesor llega a despertar en el público distintas emociones, y eso es lo que hace al gran actor: que llegues a amarlo o incluso odiarlo como el personaje que interpreta.

La película se encuentra llena de música jazz y soul que hacen al público disfrutar de cada una de las interpretaciones, no por nada se hizo acreedora al Oscar por mejor música. Así mismo, uno de los temas principalmente tocados en la película es sin duda el de los valores, los cuales se encuentran constantemente presentes a lo largo de la historia, pudiendo destacar entre ellos algunos como el liderazgo, la tenacidad, la perseverancia y la valentía, lo que vuelve especial al protagonista de la historia.

En cuestiones técnicas, se disfrutan de escenas con ritmo veloz al compás de la música de fondo, así como una fotografía excelente con tonos bajos, sepias y azules, los cuales son muy comúnmente usados en las películas de ambiente neoyorquino. Se pueden observar tomas desde el aire en incluso algunos big close up y big big close up que hacen más intensa la cuestión dramática que es parte fundamental de la película.

En conclusión puedo decir que Whiplash es una película que vale la mena ver más de una vez, y que despertará la emoción no solo de los músicos presentes en la sala que sin duda se identificarán, sino de todo aquel público que tenga una gran pasión por algo en la vida.

En medio de un mar de controversias, American Sniper o también conocida por su nombre en español “El francotirador” resultó ganadora a un premio Óscar.

La nueva cinta de Client Eastwood es un homenaje al patriotismo norteamericano inspirado en la autobiografía del militar Chris Kyle, interpretado por Bradley Cooper. El filme cuenta la historia de un francotirador que va a la por ya todos conocida guerra entre Irak y Estados Unidos, desenvolviéndose magistralmente en su labor, aunque sin conseguir sentir orgullo por dicho trabajo. En el transcurso de la trama vemos como Kyle tendrá que resolver problemas de distinta índole, todo en pos de luchar por su país.

La película se desenvuelve con un ritmo mezclado, con escenas cortas de tensión en un momento pasando a escenas largas después, todo perfectamente estructurado para mantener al espectador atento a la película. La elección de las escenas es muy buena, pues en un momento estamos presenciando algo que te hace sonreír y de repente estamos presenciando una escena cruda que te deja atónito, jugando con elementos que pocos directores se atreven a incluir, tales como la muerte gráfica de infantes.

Un detalle poco cuidado fue donde el bebé de utilería hizo aparición, restándole seriedad a la situación, incluso llegando a despertar burlas en algunos presentes.

En cuestiones técnicas hay algunas tomas destacables, tales como las que se llevaron a cabo desde los cielos, mostrando desde la parte superior la ciudad donde se estaba llevando la guerra, muy impresionante, al igual que alguna de la música que acompañó a la trama, tales como ritmos típicos del lugar que encajaban perfectamente con la situación y con la tensión que se pretendía crear en el espectador.

Finalmente, la película tiene un desenlace que pone a todos en expectativa y que posiblemente algunos no se esperan. Puedo decir que a excepción de los detalles de utilería, American Sniper es una muy buena película, digna merecedora de su Premio de la Academia.

Directamente desde China, nos encontramos con este filme acreedor a múltiples galardones provenientes de distintos festivales de cine den el mundo, se trata de “Shower”, dirigida por Zhang Yang.

Shower cuenta la historia de Old Liu, un hombre de la tercera edad de clase baja que maneja un negocio de baño público junto a su hijo menor Erming Liu, quien padece de retraso mental. Ambos viven felices y conviven con más adultos mayores quienes asisten a tomar su ducha día tras día. Todo transcurre en orden hasta que un día regresa a casa Liu Daming, hijo mayor de Old Liu, quien habrá de darse cuenta de muchas cosas que cambiarían su vida.

La película muestra muchos elementos de un director costumbrista, en los que nos envuelve con la cultura tradicional china, tales como peleas de grillos, bailes típicos o la misma cultura del baño público que en nuestro país resultaría de lo más ajena. Otro rasgo interesante que noté en la cinta fue la abstinencia del director hacia presentar a algún personaje físicamente atractivo, lo cual es un reto al guión, pues depende completamente de él mantener la atención de la película.

Uno de los elementos más importantes y que más destacan en la película es el agua, haciendo aparición de distintas maneras a lo largo de la película, ya sea en los baños, la lluvia torrencial, o una simple manguera.
La película cuenta con algunos travellings ligeros y una fotografía muy buena. En cuanto a valores, nos muestra la importancia de las pequeñas cosas, la felicidad y la familia por encima del dinero y sobre todo la sencillez y humildad, gran lección que nos brinda Erming, quien a pesar de su la vida que lleva el ve cosas hermosas en donde nadie más las puede ver, todo con la inocencia de un niño.

Finalmente puedo decir que el filme queda con un final un tanto inconcluso, tal vez abierto, esto es posiblemente de lo poco negativo que puedo destacar de la película, de ahí en más, me parece muy buena película, con toda la esencia de Asia, un cine completamente distinto que vale demasiado la pena admirar.

En los principios del nuevo siglo siguió esa ola del nuevo cine mexicano comenzado en los 90s, en su mayoría estas películas tenían temáticas crudas y sexuales en exceso y abundancia de temas clasificación “C”. Fueron muy pocas las películas que tenían temática para toda la familia, una de ellas es la ganadora del Ariel: Zurdo.

Zurdo cuenta la historia de Alejandro mejor conocido por su apodo “Zurdo”, quien es un niño de 11 años que es el mejor jugador de canicas del pueblo. En el transcurso de la historia vemos como este pequeño junto a su inseparable amigo luchan contra situaciones diversas tales como la pobreza, la corrupción, el vandalismo, y hasta el primer amor, todo esto siempre con la inocencia que un niño travieso irradia.

Este filme está lleno de tomas muy limpias y una gran fotografía, que a pesar de la baja calidad que pueden presentar algunas películas mexicanas por su falta de presupuesto, esta tiene tomas con una fotografía impresionante.
La película se caracteriza por su realismo mágico, que incluye escenas de canicas gigantes y rodantes, peleas inspiradas en series de animes japonés, torneos masivos de canicas y mucho más.

Definitivamente el director imprimió todo su original oficio, y es que Carlos Salces ha sido director de de numerosos comerciales de televisión, y eso lo podemos ver reflejado en la película en detalles como el ritmo de algunas escenas, y la manera en que avanza el tiempo dentro de la historia, con tomas muy geniales.

En total, “Zurdo” es una de esas pocas películas del cine mexicano en las que no escuchamos ni una sola palabra, y que tal vez no es muy conocida en el ámbito, pero que definitivamente vale mucho la pena ver, incluso con la familia, ya que te hace empaparte de esa unidad que hay entre los amigos de los pueblos pequeños, la falta de perversión en los niños de comienzos de la década, y esa afición a un juego tal como las canicas, que seguramente todos llegamos a jugar de niños y que sin miedo a equivocarme nos transporto a nuestra infancia al momento de ver la interacción entre los niños. Zurdo, muy buena película.